EL KINOFAGO

The Artist

2012-01-27T12:24:00.001-08:00

Jean Dujardin como 'El Artista'

Cuando el film comienza no estamos tan seguros de qué vamos a observar. Si, es una película, y si, hay uno que otro link gracias a reviews o recomendaciones (o no) de gente que conocemos, pero, cuando te sientas en la butaca, los focos languidecen, la mantequilla y la sal rozan tu lengua por vez primera, la música comienza y por los siguientes cien minutos no volverás a escuchar ninguna otra cosa.

‘The Artist' (Michel Hazanavicius, 2011) definitivamente no es una película para nuestros tiempos. No hace falta si quiera haberla visto para predecirlo. Cualquiera se apasiona por ‘Metropolis’ de Fritz Lang por ser un referente todavía insuperado de la ciencia ficción y aunque su craft visual ya está casi un siglo desfasado, su mensaje no permite que el tiempo la devore. Pero, ¿Han intentado fumarse hoy la película completa de una sentada? Es insufrible. La cultura audiovisual nos ha venido acostumbrando al frenetismo de la narración rápida. Y aun en los casos que no, el componente sonoro es la pieza más del 50% indispensable para una experiencia envolvente. The Artist nos pide que pongamos de lado los 85 años de progresión cinemática y remontarnos al tiempo donde el cuerpo era el mensaje.

¿Quien es esa chica?

1927. George Valentino (Jean Dujardin) es un artista/actor ensimismado que la gloria que presume es la que se ha ganado. Es un superestrella. En la alfombra roja de su nuevo estreno, entre la prensa desmesurada y las fanáticas gritonas, una chica del montón (interpretada por la bellíssima franco-argentina Bérénice Bejo) se empuja con Valentino por accidente. El actor, casi obligado por su persona, la besa para las cámaras. La pareja hace la primera plana del Variety al día siguiente. A la esposa del actor no le agrada en absoluto. ¿Quién es la chica misteriosa? Los productores del creciente imperio Hollywoodland pronto lo descubrirán. Es Peppy Miller, la nueva estrella. À-la Chaplin, la era del sonido se les viene encima y Valentino se rehúsa hablar. No así Peppy. A la vez que ambos actores establecen una cariñosa, casi platónica, relación tras las cámaras, frente a ellas la historia se deviene diferente. George esta cada vez más out y Peppy Miller se convierte en la nueva heredera del mote. The Artist.

'El Artista' es difícil de reseñar por qué no puede ser evaluada bajo los estándares a los que estamos habituados para evaluar películas. ¿El plot? Si lo pudieron averiguar, es él mismo de cualquier comedia romántica, así como cualquiera de estos romances seguramente en su creación tuvieron de influencia las películas blanquinegras a las que esta movie rinde homenaje. Aunque se basa en la época gloriosa del cine mudo, y visualmente se vale de muchos tropes de la era, Hazanavicius jamás pretende (como por ahí me lo mencionaban en twitter, pasa con la recuperación del cine exploitation) que creamos haya sido filmada entonces. Hay muchos guiños a la modernidad que se sienten inevitables tratándose del modo de pensar de nuestros tiempos. Es ingeniosa con los pequeños bits de sonido que no forman parte del soundtrack orquestal de Ludovic Bource.

Waltz for Peppy - Ludovic Bource

Algunos críticos la acusan de gimmicky pero ese es objeto del experimento. No es más diferente que un Eraserhead, Forbidden Zone, Ed Wood o cualquier pieza de Guy Maddin. En la puesta en escena radica gran porcentaje para comprender la visión. Hasta cierto punto, prefiero categorizarla bajo el ala del cine experimental. Entre cada pestañeo, con el riesgo de quedarte dormido, es imposible no concebir que Michel Hazanavicius (también editor y guionista) y sobre todo sus dos leads, Jean Dujardin y Bérénice Bejo, tuvieron el talento para dejar a la postre una maravillosa obra de arte. Tan raro es ir al cine y ver algo que haga recordarte por que estamos en una sala para empezar. Espectáculos hay muchos, declaraciones de amor al cinema, pocas. Si hay una película que deba darle el tiro de gracia al moribundo arte del film, en su fórmula más clásica, me daría gusto que ese gatillo lo presionara The Artist.

Jesús Brijandez - viernes, 27 de enero, 2012
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Trailer:

Picks musicales: Tijuana 2011

2011-12-30T00:15:00.000-08:00

Quien me conoce sabe que no estoy necesariamente en contra de los listados (acabo de hacer uno sobre movies) pero si de las jerarquías. Decidir de entre toda la nube los elementos que son mejor que otros me da gran dolor de cabeza. Lo que si puedo hacer es recomendar para los que no conocen o recordar para los que si, las canciones, bandas, escenarios, videos y demás exportaciones del Tijuana "soundcloud" que más le han hecho brincar a mis pies y que esperemos el 2012 tenga una temporada prospera para sus creadores.

Cardiologo Esraes
No estoy nada empapado de la escena hip hop tijuanense, pero hay un cuate que desde que escuche sus letras por allá de los dosmilcuatros sus rimas son las pocas que brincan en mi iTunes de vez en cuando.

Katy Perry VS Mafia N Flux "E.T." Miss Lulú
La única chica del reggae en TJ, quizá mejor conocida como conductora de su radio show, aquí nos trajo un mash-up que incluye al teenage wet dream favorito de todos, la Katy Perry esa.

MGMT "Kids" (Ritmo Guarachero Remix) Yelram Selectah
Ya que estamos con las remezclas, Yelram ha sido uno de los dijeis mas prolíficos y activos de la ruta-fiesta tijuanera. Aquí su versión tribalera del clásico hipsteril.

El calor de la cumbia Santos
Con un bassline de high energy y trompetas ultra-sabrosas, tomado de su ultimo EP "La Sombra de Satán", es una pequeña muestra del príncipe del party seguro. Si dicen que el ruidosón es un género que funde el pasado con el futuro, Santos funde tus tacones con la pista de baile. Para demostrarles que me gusta un chingo, acá les dejo otro track del señor:
Mambo #5 Santos

Metanfeta Juan Cirerol
Pues no es estrictamente de Tijuana pero ha tenido bastante éxito por acá (¿y donde no?) El Bob Dylan de los pobres o el Johnny Cash de los ricos, Juanito Cirerol presentó hace semanas su "Haciendo Leña" y aquí les dejo mi rola favorita del disco.

Days Have Gone Late Nite Howl (video)
En el terreno audiovisual la ciudad no se quedó callada. Aquí una bonita canción de Late Nite Howl (Pablo Dodero) que bien podría pertenecer a cualquier soundtrack de Wes Anderson. Video hecho, o rescatado de algún baúl seguramente, por el director Jesús Vazquez.

Castañeda San Pedro El Cortez (video)
Como ya lo decía Alfredo Reynoso en su post, SPEC es una banda que en mp3 pierde un 70% del caos y explosividad que imperan en su escenario. Aquí un sicodelico video que se une al rescate del VHS que ha resurgido últimamente en las artes visuales. En cuanto a lo musical, San Pedro sigue siendo el espectáculo insuperable del garage tijuanero.

Victory The Electric Healing Sound
Hablando de cocheras, el sonido sanador eléctrico es otra banda bien curtida en el vinagre de los sesentas. Hay una increíble amalgama en sus melodías donde logran ser partes iguales limpias así como mega-ruidosas. Uno proyecto joven, y personalmente un favorito al cual me gustaría augurarles un futuro enorme.

Hookie Ibi Ego
Yo creo el nombre le hace honor a una de las cualidades principales de la canción: te hookea. Después de algún tiempo desaparecidos es un gusto que Ibi Ego ande de vuelta en la escena del pop electrónico tijuanense. Aquí uno de los singles que mas han dado loops infinitos en mi media player. Bueno, después de este:
I Wanna Be Adored (The Stone Roses) Ibi Ego

Pordiosero de Infracosmos Organización Mendoza
Explosión creativa del 50% de Sonidero Travesura, Dardin Coria, aquí les dejo tanto un track como un proyecto del cual desconozco su mayoría, pero me encanta como suena en mi boombox tronado.

Unámonos Shantelle (video)
Desde principios de año que salió este clip dirigido por el maese Aaron Soto supe que sería uno de los mejores del 2011. Me equivoqué. Fue EL mejor. Shantelle, una banda que lleva generaciones brillando en los venues de Tijuana, en mi opinión, aquí llega con su sonido mas sólido y representativo de un indie rock/pop exportable. Del video ni se diga: Chicas, violencia, explotación, mi mero mole.

Pan Rock Joey Muñoz (video)
No es banda, ni canción, pero es el proyecto músico/audiovisual mas importante nacido en el año. Es necesario que en cualquier movimiento, grande o chico, exista registro y documentación. La iniciativa de Muñoz de presentarnos a algunas bandas tijuanenses (más una que otra de fuera) brinca por que deja plasmado con visión y estilo a la posteridad, o como dice el, mientras dure viva la internet, lo que sucedió en un contexto especifico.
El punto clímax de Pan Rock, so far, sin duda llegó con el video estrenado recientemente del tour de Los Macuanos por Monterrey "Ruidosón en Nuevo León". Una genial banda, un genial video.

Witch (Los Macuanos afilan el cuchillo Remix) Los Macuanos
Si se quedaron picados con Los Macuanos, quienes no estrenaron mucho este año, los dejo un remix de los señores hecho a miss Dani Shivers.

Puerto Alegría María y José
Mi canción favorita del año. El teen idol del ruidosón nos trajo una pista tropical digna de one hit wonder. Aunque María y José evidentemente no es productor de un solo éxito, su show cada vez se nota menos punk y mucho mas exhilarante. Después de todo, es el rey de reyes señores.
Rey de Reyes María y José

Graves Dani Shivers
Se que dije al principio que este no era un top en forma pero el primer lugar del 2011, en un gusto muy personal obviamente, se lo lleva Danielita Escalofrios. Sus teclados me recuerdan esas movies de terror que veíamos en la videocasetera. Su voz es escandalosa y embrujante. Siempre me impresiona que una diminuta mujer pueda hacer tanto ruido con solo el iPod y un viejo Casio. Es haunting/dark/pop como nos gusta, pues.
BTW, mi rola favorita de la miss se llama "Vampire" pero solo la encontré online en este clip:

Jesús Brijandez - viernes, 30 de diciembre, 2011
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Mis top 10 movies del 2011

2011-12-12T23:58:00.000-08:00

Pues aquí está diciembre otra vez. Posadas, alcohol, posadas, comida, posadas, regalos, navidad, comida, alcohol, año nuevo, gastos, remordimientos, etcétera. En lugar de ponernos a listar solamente las cosas que (des)nutren al cuerpo es tiempo de repasar aquello que también nutre a nuestro espíritu: la magia del cine. En lo que aquellos artistas que contactamos se deciden a enviar sus selecciones para armar un top masivo como el que ensamblamos el año pasado y a petición del crítico colega Cuauhtémoc Rúelas, aquí los dejo con mis picks de este 2011.

Nota: Se que algunas son del año pasado pero fueron estrenadas en México o en home-video hasta el 2011.

Comments y quejas hasta abajo ya se la saben. Enjoy.

10.- Battle Los Angeles / Rise of the Planet of the Apes

Como hombre me veo obligado a citar mínimo un paquete de acción y aventura. Ya que no vi Transformers 3, y todos sabemos de la increíble obra de arte que ahí me elude, he decidido citar (y agrupar en un solo espacio para que no acaparen mucha lista) las movies de acción mas frenéticas que me tope este año.

Battle Los Angeles recibió crítica dura por su alto contenido patriota y la representación de una armada emocionalmente inquebrantable. Si bien eso es verdad, y los diálogos son mega ñoños, la movie es un festín de balazos digno del mejor exploitatión bélico. Aparte, ¿ya les comente que la pelea es contra aliens? A los guerreros nunca se les da un break y a nosotros como audiencia tampoco.

Rise of the Planet of the Apes con un director apto pudo haber sido la Dark Knight de este año. Palabras grandes, pero me refiero más que nada a su amplitud de audiencias. Es una película que trasciende géneros. Le pega a la acción, sci-fi, aventura, romance, drama, terror y desastre natural, todo bien guardado en una caja que logra fundir los eventos sin que nada se sienta forzado. No pierde tiempo en la introducción y desde el minuto 1 ya nos tienen desconfiando de esos changuitos.

9.- Super 8

Dirigida por Steven Spielberg, producida por J.J. Abrams… No, esperen… Es al revés. Producida por el rey de Hollywood y dirigida por Abrams, aquí tenemos, quisiera decir, su obra cumbre hasta el momento. Los reclamos populares por su falta de originalidad, sobre todo quienes lo acusan de ser una copia carbón del eterno trabajo de Spielberg, no están tan mal fundados hasta cierta extensión. Fuera de su obra televisiva, J.J. nunca ha trabajado en cine con fuentes 100% originales y la verdad aquí no estamos valorando eso. Super 8 es la evidencia de un gran constructor de cine (digo, ¿en que planeta ser comparado con Spielberg se ha convertido en una queja?). Con appeal para audiencias jóvenes y nostálgicos de los ochentas creo ha sido una de las mejores movies contemporáneas de aventura para ver en las dimensiones de una pantalla de plata.

8.- Conan O’Brien Can’t Stop

En cuestión de documentales prefiero alejarme de la tarifa habitual que intenta meternos algún tipo de consciencia. Esta película es más una observación al favorito de stoners y universitarios, Conan O’Brien, host de talk show, rebelde del la televisión pública que caminó cuando la corporación trato de chingárselo. El documento registra su odisea desde el retiro hasta la consumación de su nuevo espacio en la TV por cable. En medio de un tour bastante cirquense, es una oportunidad de conocer la otra cara del comediante, esa arista oscura, molesta y casi dictatorial.

7.- Hanna

Para volver ligeramente al terreno de la violencia, Hanna es la película de acción inteligente de este año, casi como lo fue Inception el pasado. Me interesan bastante las movies donde el héroe no es el arquetipo. Aquí es una niña que, no solo ha sido robada de su infancia para convertirse en una imparable maquina asesina, sino que a lo largo de una increíble persecución de gato y el ratón con la siempre interesante Cate Blanchett, tiene que descubrir emociones elementales del paseo por la adolescencia como el amor, la sexualidad, amistad, lealtad, y en general, la vida.

6.- Miss Bala

Ya hable más extenso de esta peli por acá, pero para recapitular: Fuera de que se sienta fríamente calculada para explotar el tema en boca de todos cuando se piensa en México, la “puesta en escena” de Naranjo es, como le llaman los gringos, breathtaking. Los detractores si pudieran hacer de lado el universo donde se desarrolla Miss Bala, podrían notar que es un thriller de acción que depende más del montaje que de secuencias de acción elaboradas. Como lo mencione en la publicación anterior, es uno de los thrillers de crimen latinoamericanos mejor puestos en pantalla de nuestros tiempos.

5.- Super

Recién hacía una lista de los 10 directores gringos contemporáneos para darles follow, y que aun tengo pendiente publicar, donde James Gunn, director de Super, es uno de ellos. Un atormentado Dwight Schrute y una actriz que hasta entonces nunca había considerado como un ente sexy, Ellen Page, por cuestiones del destino o de oportunidad deberán volverse super-heroes improbables y defender a la calle de sus fechorías. Con un cast emocionante (¿Kevin Bacon y Michael Rooker?), montando esa ola que dejan pelis como Defendor o Kick-Ass, lo interesante de Super es que borra casi hasta la indefinición esa línea entre una comedia moderna y un drama oscuro-pesimista.

Sudor Frio

4.- Sudor Frío / Penumbra

El festival Mórbido en Tijuana no solo fue un gran éxito, sino que sirvió para introducir a más de una persona a uno de los mejores directores de género que sepa porque todavía no se hacen famosos: Adrian García Bogliano. Fanático de su filmografía previa, esta entrada más que un empate, es un double feature imperdible. Lo que resulta interesante es la versatilidad de Bogliano, ir desde Sudor Frio, una obra frenética, explosiva y punk (y de la cual todavía no puedo sacar de mi cabeza a Camila Velasco) hasta Penumbra, una opera classy, tensa y enigmática hasta sus últimas consecuencias. Ambas películas, que aun con distintas aproximaciones, comparten los elementos del suspense que orillan al asiento además de un discurso que raya entre la seriedad y el exploitation. La mayoría de opiniones que escuche en el fest prefieren alguna sobre la otra, y aunque es cuestión de gustos, tan solo demuestra que Adrian tiene magia para todos.

Clic en la imagen. Crece.

3.- Bridesmaids

Jamás pensé incluir una comedia en mi listado, creo es una primera. Comparada a una versión femenina de The Hangover (aunque yo diría es mejor), la movie sigue a un crew de chicas y no tan chicas que se enfrentan a uno de los eventos clímax que estigmatizan a la vida madura: El matrimonio. Seguimos a una fabulosa, y me atrevo a decir, sexy, Kristen Wiig batallando por encontrar rumbo en medio de una hilera de fracasos emocionales. Sabiendo discernir entre el drama y la comedia, parece una observación natural del universo femenil como pocas veces se ha ilustrado en la pantalla.

2.- Hobo With A Shotgun

Si hubo alguien que pudo callar a Tarantino, Rodríguez y todos esos intentos de resucitar el grindhouse, el canadiense Jason Eisener fue sin duda el chosen one. Sin perderse en una parodia o galería de homenajes, Hobo manufactura un universo propio, si basado en la saturación ochentera y del exploitation, incluso llegando a los limites de ser filmada en Technicolor, pero con una suciedad particular y tan original que no se parece a nada visto dentro del género en las últimas décadas (Tal vez Death Proof sea la única que le viene cerca). La aproximación de la movie queda clara desde el titulo, es en partes iguales ridícula como envolvente. Es una saturación de violencia, gore, personajes memorables y extremismo pop.

1.- Drive

Cada año hay una película que homogeniza la opinión de los cinéfilos. El pasado podemos decir fue Scott Pilgrim vs. The World, esta ocasión le tocó a la producción gringa del danés Nicolas Winding Refn. Me cuesta trabajo desmenuzar el hype que ha envuelto a Drive, y él porque es una película tan gloriosa. Aquí hay de nuevo una obra que valora bastante el estilo sobre la sustancia. Nos recuerda la importancia del ritmo desde un punto de vista pasivo. Está distribuida en partes iguales lenta y acelerada, tal como un automóvil. Las actuaciones son frías igual que el soundtrack de electrónica que les acompaña. Es un buen ensayo sobre cómo debe ser un cine de acción con elementos tradicionales (robos, criminales, pistolas, automóviles, film noir) traídos a nuevos panoramas de exploración cinemática. Si la movie del año pasado fue esta explosión en-tu-cara de Edgar Wright, Drive nos viene a decir que menos es menos. Que es tiempo que vuelva el cine de la contemplación.

Menciones honorificas:
- Los Ojos de Julia
- Thor
- Drive Angry 3D

Jesús Brijandez - martes, 13 de diciembre, 2011
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La importancia de tener una cineteca en tu ciudad

2011-12-07T02:54:00.000-08:00

El cinema se originó en un cine club. Antes o después que se pudieran ver las grandes películas en los más grandes teatros, los pequeños cafés, bares o cualquier espacio mantenido por cinéfilos, trataron (y siguen tratando) de dejar siempre el foco prendido para los espectadores. En 1935, en Francia (¿dónde más?) el mítico Henri Langlois junto al veinte años después director de Eyes Without A Face, Georges Franju, contribuyeron con su inquietud "Cercle du cinéma" a ver películas y analizarles. Langlois aprovechó de las productoras que entonces nada sabían de preservar sus obras y más de muchas veces daban a la basura. Henri hizo no solo labor de rescate, sino de proyección y digestión. Algunos de los pesados del new wave le atribuyen a estos encuentros los orígenes de la famosa teoría del autor. El archivo y proyecciones de Langlois y Franju crecieron tanto que en poco más de un año ya estaban fundando la Cinémathèque Française, el primero y hoy uno de los archivos de film más grande en el mundo.

Los primeros estragos de la Cinémathèque, o filmoteca/cineteca doblada al español, se pudieron ver en la revolucionaria obra del Nouvelle Vague. Se habla de que en un día cualquiera, podías ver a un pre-Godard, pre-Truffaut, pre-Chabrol o pre-Resnais sentados en la primera fila del teatro, espectando. Les enfants de la cinémathèque. Sin querer queriendo, como dirían por ahí, el poder de la filmoteca o en especifico el acto de la proyección con incitación al análisis, lejano de ser únicamente un ejercicio tradicional acompañado con refresco y palomitas, sobre algunas geniales mentes cambió el rumbo del cinema para toda la historia.

Es innegable que el acto de la proyección, como le podemos llamar, ya sea con intenciones académicas o espectaculares, siempre es un paseo al vortex de la contemplación. Cuando estuvimos en el cinema recientemente observando Miss Bala o el Alza del Planeta de los Simios, el proceso mental se puede decir fue muy distinto entre sí pero es un proceso que nace desde la misma semilla: La pasividad corporal en el aula penumbrosa. La mente vuela y divaga en maneras que no alcanza cuando ves la misma película por ocasión primera en tu televisión, iPad u ordenador. No estoy hablando claro del espectador común, el cual también podemos serlo al popear el DVD o Blu-Ray en el reproductor y disfrutar la movie con la pareja, los amigos o la familia, pero, quiero creer que este cuento va de alguna manera dirigido a cinéfilos que, como yo, valoramos unas rayitas más la costumbre de pisar una sala y apreciar una proyección tal como se han hecho a lo largo de cien años.

Contaba en una publicación anterior, de cuando tuve la oportunidad de road-tripear a Los Ángeles para ver Pulp Fiction en pantalla gigante, rollo de 35 milimetros y todo, sobre la confirmación a un detalle que siempre había estado rascando mi cabeza. Los jóvenes cinéfilos que han crecido en una ciudad ausente de archivos cinematográficos, o en su faceta más especializada, un revival house, no han tenido otra opción que conocer sus películas favoritas; las que nos han marcado; las que han inspirado y movilizado a cineastas; las que han educado a críticos e investigadores; y sin duda, las que nos han hecho soñar con el día siguiente, reproducidas solo en alguna variante de video casero. No en el cinema. Y como les mencionaba hace rato, para el espectador común ver una película en casa puede no representar gran perdida, pero a los que nos gusta escuchar el flick-flick-flick del proyector alumbrando atrás de nuestras nucas, hemos vivido con un vacio inconsolable. Si, podemos ir al cineplex a ver los Muppets, The Hangover, Transformers, Thor y hasta Twilight, pero ¿clásicos entrañables? Ni por poquito.

Quienes me conocen saben que estoy lejos de ser el viejito purista que añora tiempos que no le tocaron. Cada vez que contemplo el power del HD pienso que me estoy quedando ciego. De seguro cuando invadió el VHS muchos dijeron lo mismo, pero definitivamente el home entertainment nunca se había visto mejor. La labor de la cineteca entonces digamos es como la de los padres que todavía festejan quinceañeras a sus hijas: Tradición obsoleta y costosa aunque no menos fascinante. Después de todo, existen los updates.

Hoy se inaugura la histórica Cineteca de Tijuana en los aposentos del centro cultural más importante de la ciudad y, sin querer terminar en notas negativas, evidentemente quedan años para verificar si esta será la primera (o de las ya primeras) piedras angulares para el boom del cinema fronterizo que me gusta vaticinar. Si de verdad será un espacio que honrará a su definición en la reina Wikipedia o un edificio con meras pretensiones de credibilidad e imagen política. Si será la nueva casa de los cinéfilos con ganas de respirar aires lejanos al Cinepolis, Las Carpas, Cuevana y Megaupload o una estructura fancy que será el sabor de la semana por un tiempo hasta que se agoten existencias y tengamos que volver a los cine clubs combatientes de tu café/bar más cercano.

Amantes de le cinema, si algo tenemos en común, es que somos soñadores. Dream on y vamos a ver películas.

Jesús Brijandez - miércoles, 7 de diciembre, 2011
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Otras notas sobre el tema:
Entre Bonfil y la Cineteca Tijuana, por Juan Alberto Apodaca
Tijuana y sus fuertes vínculos históricos con el cine, por Sergio Raúl López

Links del texto:
http://www.criterion.com/films/950-eyes-without-a-face
http://www.bfi.org.uk/filmtvinfo/publications/16+/auteur.html
http://www.cinematheque.fr
http://www.newwavefilm.com/new-wave-cinema-guide/nouvelle-vague-where-to-start.shtml
http://en.wikipedia.org/wiki/Revival_house
http://www.guardian.co.uk/artanddesign/2011/oct/10/steven-spielberg-martin-scorsese-celluloid
http://www.cecut.gob.mx/cine.php
http://el-vampirascopio.blogspot.com/2011/09/el-final-y-el-principio-de-los-buenos.html
http://www.elporvenirlaserie.com/
http://diez4.com/diez4/2011/extra-extra/festival-morbido-en-tijuana-dia-1
http://www.shocktillyoudrop.com/news/topnews.php?id=21782
http://es.wikipedia.org/wiki/Filmoteca

El día que los zombis caminaron sobre Tijuana

2011-10-31T09:09:00.000-07:00

Primera plana del periódico tijuanense Frontera

Texto publicado también para la revista Diez4

Fui suficientemente afortunado de participar en las primeras meetings del zombie walk Tijuana, cuando apenas parecía uno de esos sueños adolescentes. Enormes. La meta se veía sin duda difícil pero not imposible. Lo que nos aferraba a la tierra, tal como muertos vivientes, era la visión y ganas de participar en algo que siempre fue más grande que nuestras cabezas. Caminatas a lo largo y ancho del mundo pero en Tijuana nunca. Razones de por qué esto debería llevarse a cabo ya lo explique en otro texto. El objeto de la leyenda es contar lo que sucedió después que la ciudad fue invitada al dead man’s party.

Paola Hernández y su megáfono de la razón

Por motivos que hasta yo desconozco me aleje físicamente, pero no emocional, de la planeación. Mi corazón y el de todos los ejércitos del horror en Tijuana permanecimos al tanto. La cosa empezó a crecer. Por cada hater, fanático religioso y/o incrédulo, 100 apoyadores se unían. Paola Hernández indeed se convirtió en líder de un frente. Caminata pointless como algunos de ustedes lo han hecho notar y no les negare eso. Algunos prefieren ocupar camellones y quedarse a dormir hasta que los arresten. Bien. Otros prefieren esa cosa que se llama futbol y seguir algo que se llama Xolos. Bien también. Con su manifiesto y todo, el zombie walk para mi nunca fue una alegoría hacia algo superior. Mi punto de vista solo quería ver cientos, si fuera posible miles, replicantes de no-vivos caminar por una calle que he cruzado tantas veces para hojear revistas al Sanborns o ir al Cinepolis a ver movies. El facebook empezó a apilar números. La gente solicitaba tutoriales de cómo maquillarse o hacer trizas la ropa. Con todos estos zombis en la cultura pop, o quizás por la obsesión que le tenemos al Halloween, personas si querían entrarle con todo. El clímax llegó cuando entendimos que esas pequeñas reuniones de 3 personas en la mesa de un bar dejaron de ser solamente charla de ebrios.

No creo que nadie fuera negativo sobre el asunto. La mayoría trató de permanecer optimista pero con esperanzas moderadas. En mi caso, siendo el punk que soy, incoherentemente lo único relevante que jamás creo haberle dicho a Hernández fue keep the faith. No tiene sentido perseguir un sueño si realmente no estamos al tiro. El Significado de la Vida 101. Cuando Paola decía que la caminata se haría así estuviese marchando ella sola, ahí supe, el zombie walk is going to happen. Cuando me baje del taxi, un 29 de octubre del 2011, y caminaba a pasos nervio-agigantados hacia el monumento a Cuauhtémoc, me preguntaba si la convocatoria de la marcha se escondía detrás de la masiva fila de personas atascando la banqueta. Antes de siquiera cruzar el semáforo me encontré a Thertius Álvarez, presentador de La Morgue Horror Show y pieza clave de la pachanga. Me dice con la sonrisa más grande de toda la cuadra. “Esta es dude. Esta es tu zombie walk Tijuana.”

Como hombre mis ojos tendían a buscar escotes y minifaldas. Como horror-fan, caracterizaciones que no le pedían mucho a Tom Savini. Como promotor de la cultura escalofriante, no había espacio suficiente en mi retina. A las 4:20 p.m. nadie pasó el dutchie pero la banda de guerra lidereo a los muertos vivientes. Así zarpamos hasta el Centro hacia el IMAC de la calle Segunda. Desde sus changarros, los dueños y empleados se rascaban la cabeza. Bromas obligadas al pasar por los puestos de tacos. Por la avenida Revolución, y lo dice alguien que tiene poca apreciación por el arte, la imagen fue una de las más bellas en mi condenada vida. Las Zombie Queens y las I Love Girls tirando estilo desde sus carruajes. Varios walkers cansados y sin aire no tenían que fingir más su interpretación. En el punto final nos recibió Hernández con un speech medio inspirador. Yo solo podía pensar en los miles, porque fueron miles (más de 4000 según cifras oficiales) de zombies que se regresarían en taxis y calafias hasta el estacionamiento o sus casas.

En el after party, podía notar que los organizadores estaban molidos y solo contaban los minutos para irse a descansar a su cama. El sueño estaba completo pero aun no había terminado. Alguien que se puso más borracho que el imperio romano solo les quiere decir que hicieron la mejor fiesta de Halloween del 2011. Un evento para los libros, Tijuana. Para los libros.

Aquí les dejo algunas galerías sobre el Zombie Walk encontradas en facebook: [Link 1][Link 2][Link 3]

Jesús Brijandez - lunes, 31 de octubre, 2011
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Miss Bala

2011-10-21T08:00:00.000-07:00

Vamos quitando de la mesa lo menos importante: Laura Guerrero (Stephanie Sigman) esta hot. Hot en un modelo de American Apparel kind of way. Sé que un porcentaje de ustedes va diferir conmigo pero tómenlo del tijuanense con el crush más grande hacia la avatarina Zoe Saldana. Gerardo Naranjo deberá estar de acuerdo conmigo en cuanto a su actriz, porque constantemente la está mostrando, no desnuda, pero en poca ropa. Hay algo en mostrar a la gente no completamente en cueros que hace buena cinematografía. Supongo es el asunto ese de dejar cosas a la imaginación. Lo que Miss Bala no deja a la imaginación es la caída al abismo de Laura “Canelita” Guerrero hasta un punto del cual no existe regreso.

Siendo su majestad de Tijuana, hay un gran debate en mis social nets sobre lo aprovechada que puede ser Miss Bala explotando una realidad que según dicen, se vive aquí afuerita de mi casa. Si bien la ciudad puede llegar a oler a war zone de vez en cuando, creo que la película de Naranjo jamás explota (tanto) eso. Por otro lado dicen que la película esta maquilada para triunfar en el mercado internacional y no en su propio changarro. So what? No nomas los doctores e ingenieros, también los cineastas quieren comer de su oficio. Miss Bala es un thriller de acción donde el setting es simplemente igual al de las noticias de las seis de la tarde. Esto lo prueba la majestuosa cinematografía, léase majestuoso no como en Stanley Kubrick sino como un documental que escondió con huevos la cámara. Seguimos a Laura, una joven con hopes & dreams que, por estar el momento equivocado en el lugar equivocado, se va a quedar atorada en un viajesote.

Gerardo Naranjo, aun mi director mexicano favorito, pudo haber tenido aquí su master-pieza solo que la película, de 113 minutos de duración, hace que se sientan muchos para la historia. 86 hubieran sido suficiente. Empieza con un bang pero termina medio boring. No por que falle, pero la tensión se alarga demasiado y después de una pequeña y desatinada pausa, la movie ya no te vuelve a enganchar como al inicio. Miss es de esas movies donde seguimos a un solo personaje todo el tiempo. Vemos lo que ella ve. Interpretamos los eventos alrededor de Laura de la misma manera que ella los percibe. Si Sigman es una gran actriz o no, no hay manera de saberlo, pero eso si, es bien huevuda. Para ser la protagonista del asunto seguramente es la que tiene menos diálogos. Es anónima. Solo una víctima. Los misóginos y feministas dirán que tan solo un objeto y vaya que Canelita es bastante objetificada durante toda la película. Su ilusión es competir (y seguramente ganar) en "Miss Baja California", uno de esos concursos epitomes de la vacuidad y lo frívolo. Viendo a Laura con su rostro común y desmaquillado, nos queda claro no tiene oportunidad alguna. Esperemos a que se involucre con el narco. Las cuerdas se van a estirar.

El trabajo de cámara de la movie esta todo el tiempo en tu cara. Salvo pequeñas elipsis todo parece transcurrir en tiempo real. Te pone en la orilla del asiento. Si bien Laura no es empática por su no-personalidad, su ausencia y vulnerabilidad hace que nos importe. Estudios más serios se han hecho sobre el por qué las películas de terror son más efectivas cuando la protagonista es una hembra tímida y virginal. Sus resbalos son más dolorosos y sus victorias más dulces. So, en cierta medida, Miss Bala es cinema de horror.

Ya mencione anteriormente, que fuera de ser únicamente exploitation (véase Machete) es una película grande dentro del thriller mexicano. Es acción de esa donde el montaje es lo que la completa no tanto un héroe inmortal, balazos, choques y explosiones. No se nos debe olvidar nunca que hablamos de un trabajo de ficción donde aplica el “cualquier parecido con la realidad es pura coincidencia.” Yo no levantaría a Miss Bala como un reflejo de una sociedad o algo de esas magnitudes. Sin ser spoiler para quienes no la han visto, la película cierra con estadísticas. Hubo un tiempo en el que esos detalles me molestaban por ser una manera de arruinar y bajar sin necesidad a la tierra una libre obra de arte. Aquí en la región 4 toca fibras sensibles, es entendible, pero el lenguaje del séptimo arte es universal. Incluso es importante que exista si tan solo es necesaria para crear controversia. La gente la verá. Una movie tan dinámica, agárrate-a-tu-silla y desconcertante como Miss Bala, es un definitivo check it out dentro del cinema americano contemporáneo.

Jesús Brijandez - viernes, 21 de octubre, 2011
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Trailer:

¿Comentarios?

El final, y el principio, de los Buenos Tiempos

2011-09-06T17:18:00.000-07:00

Vicky Chávez en Buenos Tiempos.

En mi lista de películas que más quería ver este año, o del próximo, solo hay una que probablemente, y lamentable, no veremos en cines, ni aquí, ni en ningún otro lugar del globo. Tal vez en el line-up de algún festival o muestra de largometrajes ultra-independientes. ¿Por qué? La situación es una extraña. Verán, estar sentado al lado del director de una película, mientras te la proyecta (o al menos un corte semi-final de lo que será la película) personalmente constituye un gran reto.

Primero, el reto es que no se trata de un cortito de 15 minutos, media hora tops. No. Esto es lo que se conoce como feature film. Ochenta y tantos minutos de duración mínimo. Y aunque si, vemos películas diario, rara vez la película la dirigió tu compa. Hace más de un año, si no es que dos, José Paredes, el cineasta tijuanense, me planteo como inception la idea: “Voy a hacer un largometraje”. Terminando esa sentencia me acorde de por qué la mayoría, yo en un su momento, intentamos entrarle al mundito del cine aquí en la cola de México/el pito de USA. Con cada cortometraje, video experimental, reportaje televisivo, documental urbanoide, etcétera, estábamos dando un paso a lo inevitable: Hacer películas.

Marcio Moreno.

Todos nacimos viendo Star Wars, Las Tortugas Ninja o cualquier mega-producción de Steven Spielberg (los intelectuales dirán que no, pero pues alégale al umpire). Que con el tiempo nos hayamos curtido en Lynch, Jarmusch o Tarantino; Godard, Bergman o Passolini, ya es cosa de cada primate, pero aun así, todos estos Cthulhus del cinema se han ganado su estatus ensamblando largometrajes.

En los últimos años el catalogo de películas made in Tijuana ha crecido bastante, teniendo en consideración que desde el Todos Los Viernes Son Santos (1996) de Hector Villanueva no se hacía nada. Yan She: El hombre que espera, la inconclusa pero prometedora El Tesoro de C.H., la chigona serie El Porvenir (que técnicamente no es una película, pero por el running time total y la escala del proyecto, bien puede entrar en la categoría) y una favorita pero por las razones equivocadas, Sin Pecado. Los largometrajes producidos en la ciudad son un tema en el cual me mantengo mega-optimista y receptivo, es por eso que ver Buenos Tiempos, la más reciente opera de José Paredes, era algo que tenia comiéndome de ansias.

Trailer de la movie:

La película cuenta la historia de varios personajes, tres que podrían considerarse protagonistas (Luis, Angel y Nayeli) a punto de asistir a una reunión de la prepa, después de algunos añitos de haberse graduado. En el proceso de nervios previo al party, descubrimos las historias inconclusas, o por concluir, que cada personaje lleva arrastrando consigo, sobre todo cuando les cae el veinte que están a horas de enfrentar a sus fantasmas del pasado. Todos, en algún momento, nos hemos quedado emocionalmente agarrados a un ¿Qué hubiera pasado si…?. Estos personajes se hacen la misma pregunta, y aunque la mayoría ya están en otro momento de sus vidas, una más madura, el drama y la tensión de Buenos Tiempos nos agarran de ahí.

Las interpretaciones, a pesar de que la mayoría son no-actores, fluyen todo el tiempo. Puede que esto se deba tanto al feeling vérité que tiene la película o a los diálogos escritos tan naturales, como sea, ambas son habilidades que Paredes ha demostrado trabajo tras trabajo, y aquí en Buenos Tiempos, de manera muy personal, creo ha dejado su obra cumbre so far. Mención honorifica a las escenas entre Sergio Valdéz (un personaje con el que tuve bastante empatía) y Mariana Cabrera. Hay un momento mágico entre ambos que me tenía, literalmente, sentado al borde del sillón. Sin duda una de las mejores interacciones entre dos personajes jamás captadas en pantalla dentro de un proyecto tijuanense. Quería llorar. Word.

Sergio y Mariana.

Hay algo con lo que tengo que concluir: La movie no es perfecta, pero ¿Qué película lo es? En ningún momento esta es una aseveración para destruir el trabajo, al contrario. Es más, sin duda José Paredes es el mejor, si no el único, exponente del mumblecore en Tijuana. Google it. Es un género legítimo. A lo que me refiero es que son muy notorias las razones que le dan nombre a la productora del film “Cero Budget”. Paredes es uno de esos directores que no pueden estar trabajando sin dinero. Alguien le tiene que dar PERO YA un millón de dólares. Lo mencionaba hace rato, Buenos Tiempos es la mejor obra de su filmo/videografía. Es la cherry que decora el pastel de su trabajo en el séptimo arte pero para su próxima feature, que por ahí se que se viene otra, el muchacho debe expandirse lo más que alcance. Proyectos grandiosos como El Porvenir nos han demostrado que los límites se pueden empujar hasta el tope. Sí, siempre el pedo es el dinero pero José Paredes, el mejor storyteller que tiene esta ciudad, sin duda nos puede ofrecer un trabajo superbo.

Mientras que los personajes de la película batallan por asimilar el final de los buenos tiempos; cineastas, críticos, cinéfilos, observadores comunes y corrientes de la ciudad, los exhorto a motivarse con el nacimiento de una nueva ola. Vamos a empezar hacer y ver películas. Vamos a dejar de ser tan prejuiciosos. A echar de menos al cinema local. Soportemos a nuestros buddies que laboran en el cinema local, sean del género que sean. ¿Quieren una industria? Desde afuera ain’t gonna happen. Vamos a producir. Vamos a apoyar. Recomendar. ¿Ya dije producir? Vamos a salir a las calles a filmar. Para el 2012 quiero ver más largometrajes hechos aquí en mi casa.

Muchachos, los buenos tiempos comienzan ya.

José Paredes (centro inferior) y el cast & crew de Buenos Tiempos

Jesús Brijandez - martes, 6 de septiembre, 2011
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La noche que los muertos caminarán sobre la tierra

2011-07-03T13:53:00.000-07:00

Texto originalmente publicado para la revista Diez4

Hay un dicho que dice: “Si algo no te gusta, sácalo a las calles”. Sea una inconformidad que nos acosa o un mueble que nos estorba. Sácalo a la calle. Desde que el hombre es hombre y nacen sus ganas de ejercer poder sobre los demás, se puede sugerir que las viejas tropas de espada y sandalias eran una marcha ante lo molesto. Salpicada de sangre, pero una marcha al final. Ha sido en las recientes eras donde se ha establecido que las marchas deben ser pacificas y coordinadas. Derechos de la mujer, raciales, migración, estudiantes, defensores de ex-alcaldes criminales. Todos toman ese gran escenario de concreto con un micrófono, o en el más alternativo de los casos, un megáfono, para sentir por un ratito que están haciendo la diferencia.

Cuando nos asomamos dentro de los últimos 10 años, una nueva forma de caminata está dándole vueltas al mundo. Con objetivos inciertos a simple vista y difícil de controlar, una horda de zombis está ocupándolo todo. Olvídate de los que no sueltan el Blackberry o el iPod, sino hablo de verdaderos muertos vivientes come-carne, putrefactos y contagiosos. Okey, no son de verdad, pero cientos de jóvenes y jóvenas en disfraz se citan cierta fecha y en cierto lugar para sacar algo. Aquí no se trata tanto de la pose, a menos que seas el emo-kid que aun no se da cuenta ya no estamos en el 2008, si no de anunciar el gusto por, entre otras cosas, un cine que histórica y cognitivamente esta desvinculado a lo social, oséase el de horror.

Cuando George A. Romero hizo Night of the Living Dead en 1968, de su propia voz se ha escuchado que nunca intentó crear un discurso político. El muchacho de 28 años solo quería hacer su película sin darse cuenta que al haber puesto a un afroamericano como el estelar, para finalmente asesinarlo de un tiro, cambiaria el rumbo del cine para siempre. El 4 de abril de ese mismo año, Romero y compañía empacaron todo y salieron desde Pittsburgh con rumbo a Nueva York para exhibir su trabajo. En el viaje, por la radio, escucharon la noticia de que Martin Luther King Jr. había recibido un disparo en la cabeza.

Desde entonces, el cine de zombis se convirtió en una alegoría de algo mas grande, Night of the Living Dead se volvió una referencia obligada del género y sin duda las zombie walks (caminatas de zombies) no nacerían como lo que hoy son.

¿Qué son? Posiblemente una declaración de que los verdaderos autómatas de la modernidad somos nosotros, bajo capas de maquillaje y jarabe de maple con colorante rojo. Posiblemente también son una crítica al elitismo, racismo, o cualquier “ismo”, al sugerir que los zombis no excluyen, muerden e infectan a todos por igual. Otra posibilidad incluso, y es la que más me gusta, son una ocasión para adornar las calles con un horror show montado, a diferencia de aquel que permea en la media y circuitos narco-políticos que una ciudad como la nuestra hospeda muy, muy bien.

Paola Hernández se ha encargado de ensamblar una histórica primer zombie walk en nuestra Tijuanita para el próximo 29 de octubre de este año. Fecha que, por su cercanía al Halloween, me veo obligado a exhortarlos. Vamos a reapropiarnos de un ahora festejo para niños y tratar de hacerlo cool otra vez.

Zombis, caminantes, estudiantes, fotógrafos, maquillistas, observadores, videoastas, bellezas americanas, come sesos profesionales, bloggers, modernitos que les gusta poner “attending” a todas las peticiones del facebook. Todos ustedes están invitados a la noche que los muertos caminaran sobre la tierra.

Y hablando de facebooks, pueden seguir los pormenores de la fiesta en facebook.com/zombiewalktj

Jesús Brijandez - domingo, 3 de julio, 2011
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Top 15 Godzilla Monsters

2011-06-23T11:55:00.000-07:00

Si ponemos a un lado al colosal monstruo gris (si, Godzilla era originalmente gris no verde) que cada cierta cantidad de años acosa al Japón, se puede hablar de que aun queda una amplia galería de rivales (y aliados) que a lo largo de la franquicia también han contribuido al caos.

Ya que ayer no pude acompañar a los chicos de La Morgue Radio en su programa especial sobre Godzilla, he decidido recopilar una lista, en mi opinión, de los 15 mejores. Tomé en cuenta los siguientes criterios: Obviamente Godzilla no aparece en la lista, pues bien sabemos que se robaría el show. Tampoco aparecen monstruos menores como el pulpo, las arañas, mantis religiosas y/o el condor gigante. Tampoco aquellos que inicialmente no pertenecen a la mitologia godzilliana como Varan o Baragon. Y finalmente, fue una mezcla de la opinion general y personales favoritos. Sin mas bla-blas, la lista, here you go:

15.- King Kong
King Kong vs. Godzilla (1962)
Sabemos que este mono no pertenece a la mitología de Godzilla, pero merece una mención honorifica en la lista por su relevancia dentro de la historia del cine. Su primera aparición fue en la homónima película de la RKO en el año 1933.

14.- Titanosaurus
Terror of Mechagodzilla (1975)
De este no hay mucho que decir solo que parece una versión acuática de Godzilla, incluso no sería descabellado pensar que comparten algún origen, ambos siendo saurios. En la movie Godzilla vs. King Ghidorah, se sugiere que Godzilla nació a partir de un godzillasaurus de la isla Lagos.

13.- King Caesar
Godzilla vs. Mechagodzilla (1974)
Inspirado en la bestia mitológica de Okinawa, Shisa, el King Caesar tiene los rasgos de una cruza entre perro y león. A diferencia de la mayoría de los monstruos en esta lista, King Caesar es un aliado de Godzilla en la batalla contra Mechagodzilla.

12.- Megaguirus
Godzilla vs. Megaguirus (2000)
La libélula infernal. Reina de una raza inferior de bichos llamados Meganulon que mutaron al ser inyectados por los datos genéticos de Godzilla.

11.- Megalon
Godzilla vs. Megalon (1973)
Una especie de escarabajo mecánico que tiene taladros robóticos por manos. Es el dios de una raza de subhumanos que viven debajo de la tierra. Aunque muchos consideran esta la peor película de la franquicia, Megalon es uno de sus monstruos más famosos.

10.- Rodan
Ghidorah, The Three-Headed Monster (1964)
Este simpático pterodáctilo inició en su propia película (Rodan, 1956) pero se volvió recurrente participante de la mitología de Godzilla como uno de sus más grandes aliados. En Godzilla vs. Mechagodzilla II, aparece una variación de esta criatura llamado Fire Rodan.

9.- Hedorah
Godzilla vs. The Smog Monster (1971)
También conocido como el “monstruo de smog” esta compuesto completamente de polución y desechos tóxicos. Ha sido uno de los adversarios más fuertes de Godzilla y tiene la particularidad de pasar por 4 fases evolutivas antes de conseguir su forma final.

8.- SpaceGodzilla
Godzilla vs. SpaceGodzilla (1994)
Una versión espacial y mas monstruosa de Godzilla. Se supone nacio a partir de células que Mothra llevó consigo a un planeta de cristales. Con habilidades más poderosas (incluyendo la de volar) ha sido otro de los rivales mas tormentosos para Gojira.

7.- Gigan
Godzilla vs. Gigan (1972)
Indescriptible monstruo reptiloide, con cara de ave, guadañas por manos y una sierra en su abdomen. Bastante salvaje y con alta velocidad, sin duda es uno de los favoritos del público gracias a sus peculiaridades.

6.- Mothra
Mothra vs. Godzilla (1964)
Al igual que Rodan, la polilla gigante y esponjosa Mothra empezó en su propia película de 1961 para luego convertirse en aliado de Godzilla. No solo es el favorito de las niñas, sino el que más apariciones ha tenido a lo largo de la franquicia.

5.- Biollante
Godzilla vs. Biollante (1989)
Otro monstruo que surge del ADN de Godzilla en conjunción al de una rosa (si, una rosa, como la flor) forjando una mutación que no para de crecer y, en cuestión de extensión, es el monstruo mas grande que ha peleado contra Godzilla y aterrorizado al mundo.

4.- Mechagodzilla
Terror of Mechagodzilla (1975)
Una version robotizada de Godzilla creada por la gente simio de otro planeta. Ha tenido tres encarnaciones, cada una más violenta y destructora que la anterior: Mechagodzilla 1, Mechagodzilla 2 y Kiryu.

3.- King Ghidorah
Ghidorah, The Three-Headed Monster (1964)
Esta no seria una lista completa sin el nemesis número uno de Godzilla. El dorado dragón de tres cabezas conocido como “El Rey de Terror” en algún momento tuvo una transformación, después de perder su cabeza central, regresando como Mecha-King Ghidorah.

2.- Orga
Godzilla 2000 (1999)
En su primera forma, tambien conocida como Millenian, era una criatura parecida a un calamar con cabeza semejante a la de una mantarraya. Gracias a su exposición al Regenerator G-1, le causó una mutación y se convirtió la brutal criatura, Orga.

1.- Destoroyah
Godzilla vs. Destoroyah (1995)
En primer lugar tenía que estar el único monstruo que ha logrado matar a Godzilla. Criatura demoníaca, compuesta de 4 fases (al estilo de Hedorah) Algunos comparan su fase inicial con un xenomorfo. Tras asesinar a Godzilla, dio fin temporal a la serie. Desde entonces la franquicia esta compuesta por una hilera de remakes alternativos.

Les dejo un par de links por si quieren seguir hurgando en el asunto: Wikizilla, la enciclopedia de Godzilla y Go-Go Godzilla!, un sitio con montones de posters raros y memorabilia.

Jesús Brijandez - jueves, 23 de junio, 2011
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El Porvenir (reseña)

2011-05-28T15:13:00.000-07:00

por Jesús Brijandez

Lee aquí una entrevista que les hicimos a los creadores de la serie a finales de enero 2011.

RESEÑA

Seré honesto y diré que entre escéptico a la sala. No pensando que la serie no me iba a gustar porque a veces creo que todo me gusta, si no me preguntaba que si presentar por adelantado una serie web en un cine, con alfombra roja y todo ese show business era una buena idea. Apenas apagaron las luces y empezó el primer capítulo, la respuesta estaba clara.

Presentación de El Porvenir en Cinemex Macroplaza

Ante no una, si no tres salas de cine sold out, se estrenó la serie web llamada El Porvenir, creada por Miguel Garcia Yee y Manuel Alejandro Anell, que trata a grandes rasgos de un pequeño pueblo, nombrado como la serie, donde un grupo de detectives tienen que lidiar con una cadena de muertes que posiblemente vengan de un asesino serial, o de un monstruo que ronda las afueras del pueblo. Así como dije. Un monstruo. Es una mezcla de folclor mexicano con True Blood.

Ya que la serie aun no se exhibe completa oficialmente (apenas el 30 de mayo en elporvenirlaserie.com se estrena el primer episodio) no me gustaría entrar en detalles de los temas que aborda cada capítulo. Siento que lo que ocurre en uno, prepara la mesa para lo que sucede en su continuación, así que solo les comentare ideas generales.

Los primeros 3 capítulos, en pocas palabras, son una bomba de tiempo. En pocos minutos se logra crear una tensión muy cinemática y no sabemos cuándo van a explotar. Juegan tratando de no ser claros en el rumbo que tomará la serie, nos empiezan a arrastrar al “universo” de El Porvenir y son el mejor gancho para obligarte a ver lo que sigue. Me encanta como algunos episodios empiezan con el crepúsculo y otros con el amanecer. Los creadores quieren que nos involucremos en el día a día de los habitantes del pueblo. Eso es importante para quienes hemos crecido en la ciudad. Para empezar a mezclarnos. Tanto, que incluso el personaje Bruno Loria, ejemplifica literalmente nuestra situación.

En el último capítulo hay un excelente plano secuencia que no deben perderse.

A la mitad de la función me ocurrió un detalle. Sentí que el power con el que arrancó la serie, se estaba estancando. Si bien la mayoría de los capítulos están bien balanceados entre historia y acción, me queda claro que la visión ideal para este proyecto es en la cual fue concebida. Episódica. En una sola vista se puede sentir como mucha (o poca) información y queremos menos (o más). O tal vez estaba impaciente por que ya me estaba orinando y no quería correr al baño.

Algunos de los personajes no están bien delineados, pero esto se puede entender por la duración de los capítulos. Odio los “A mí me habría gustado…”, pero a mí me habría gustado que fueran de 22 o 25 minutos cada uno, no solo para poder explorar más a los personajes ya que algunos que resultan breves son los más carismáticos (¿Benito Juárez?), sino también la oscuridad de un pueblo que toma varias influencias desde Twin Peaks hasta los X-Files. Tal vez hayan sido cosas de presupuesto o de conceptualización, o alguna de las dos (o posiblemente ambas).

Detrás de cámaras del episodio 4: Lo que nos trae la noche fresca.

Mientras más se acercaba el final de la serie, pensé: Hey, esto podría ser un comic. O esto podría dar pie a otra serie de historietas contadas por diferentes personajes que no hemos visto. Tal vez otros misterios rondan en la noche. Otras criaturas. Otras conspiraciones.

El Porvenir bien podría ser un pueblo de videohome. Podría ser Crystal Lake. Los personajes podrían ser los que nos imaginamos en cualquier villa perdida en algún lugar de México. El monstruo podría ser “El Chupacabras” o algún otro mítico ser que rodea en los bosques. Con ideas que nacen desde la época del film noir y las primeras monster movies, la serie logra lo que pocas veces he sentido con producciones hechas en casa: Queremos seguir viendo lo que vendrá, o mejor dicho, lo que esta “por venir”.

Jesús Brijandez - sábado, 28 de mayo, 2011
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Teaser de la serie (Trailer acá):

¡La venganza del VHS!

2011-05-09T16:05:00.000-07:00

por Jesús Brijandez

Le hablo a mi generación cuando platico de esos dispositivos rectangulares negros que encapsulaban una enorme cinta, y que al menos una vez, jugamos a desenrollar por toda la sala. Hubiera sido la Debbie Does Dallas de nuestro papá o los "aerobics" de Traci Lords de mamá, un regaño nos bastó para darnos cuenta lo importante de esos objetos. Los video-casetes contenían uno de los tesoros más valiosos que hasta la fecha acosan a la humanidad: Películas.

Recordemos la eterna espera de rebobinar nuestro tape de Disney favorito para volverlo a ver, una, y otra, y otra, y otra vez. Utilizar sus enormes caparazones blancos para guardar de todo menos los videos. Los viajes a las tiendas de renta para sacar los estrenos del mes: ¿Jurassic Park o The Mask?

Aquellos que venían de una generación antes que la nuestra ya lo tenía muy claro. La censura de los mentados “videonasties” en Gran Bretaña sirve como ejemplo. Por mucho tiempo, antes del video on demand, mp4, los blu-rays, dividis, laser-discs y demás, los coleccionistas atesoraban con energía sus copias copiadas de la copia de El Topo con subtítulos en japonés.

Aqui se tocaba un LaserDisc.

El VHS vino a representar la posibilidad de apropiarnos de nuestras películas favoritas. De tener en un rincón de nuestra casa el material que ha tejido nuestra vida. Rentar en el videoclub esa película que no tuvimos oportunidad de ver en el cineplex. Para toda una industria de “video home system”, de narcos o de pornos, de ficheras o de snuff, de risa en vacaciones, fue una vía para producir y subsistir.

Generaciones más nuevas que la mía conocerían al videocassette solo como el contenido de esas viejas cajas que están arrumbadas en el closet. Esos cartones que tienen portadas más creativas que sus dividis pero menos, es decir, nulo “material extra”, ni entrevistas con el cast y director.

En el 2006, A History of Violence de Cronenberg fue la última película distribuida en formato video-cassete y para el 2008 los nostálgicos leímos con ojos remojados la noticia que JVC (La compañía que prácticamente invento el videotape) dejaría de manufacturar sus reproductores.

Adiós había dicho el VHS.

Al menos alguien supo hacer algo de provecho con eso.

En el 2009 un joven director, Ti West, finalizaba su tercer película The House of the Devil. Fue una de mis favoritas de ese año y de muchos críticos de terror. Se sentía como una fresca contestación al cine de horror mainstream que pesa más en el departamento de tripas en pantalla. No estoy diciendo que eso no me guste, pero la magia de House of the Devil radica más en la tensión y en la incertidumbre de no saber que saldrá detrás de cada puerta. Otro genial detalle es una especie de homenaje al cine ochentero que se siente a lo largo de toda la película, tanto, que cuando esta finalmente salió al mercado, se sintió tan natural que sacaran una edición especial de House of the Devil no solo en DVD y Blu-ray, sino también en VHS [más pics acá].

En el mismo 2010, el director de culto Harmony Korine nos tenía anticipando otra de sus obras nacidas de la transgresión: Trash Humpers. Como si no tuviera una premisa suficientemente bizarra ya, la película tenía la particularidad de estar completamente grabada y editada por Korine en VHS. Igual que con la movie de West, Trash Humpers salió a la venta, además del regular DVD, en una edición limitada de 300 videocasetes.

Todos con paquetes individualmente "personalizados" por Harmony Korine.

En el terreno todavía más independiente, los directores Dan Nelson y Drew Bolduc llevan al circuito de festivales una obra de la cual Lloyd Kauffman y su equipo Troma estarían más que orgulloso: The Taint. A principios de este 2011 pudimos ver en su website un video promocional donde anuncian la venta de su película en un kit especial que incluye, el DVD, un poster, stickers y, claro, una bella copia en VHS transparente.

Hace unas horas leo la noticia que Mondo, la tienda-boutique a uno de los mejores cinemas del mundo, el Alamo Drafthouse de Austin, lanzará su nueva línea de distribución, junto a Intervision Picture Corporation (Parte de Severin Films), llamada “Mondo Video”, que consistirá en editar selectas piezas de culto en el maravilloso y ‘asegurado desaparecido’ formato de Video Home System. Empezando con el considerado primer slasher grabado enteramente en video: Sledgehammer, de 1983.

Me parecería algo ingenuo decir que todo lo anterior es pasajero. Se huele un trend que aumentara con los meses. Ya lo verán. Ahorita se limitan a piezas de colección, pero tal como pasó con la música y la resucitación del vinilo, la venganza del VHS se viene. A desempolvar sus cintas. Si no las han vendido, les darán muy buen display arriba de la chimenea. Las electrónicas no tardan en reabastecerse con reproductores nuevos. Las aventuras a los mercados de segunda mano para rescatar reliquias descuidadas.

No hay nada más retro que un videotape y mientras lo retro, y esa nostalgia a mejores tiempos, estén de moda, los videotapes regresaran a quedarse otra temporada. No nos sorprenda si cuando editen Hobo With A Shotgun a la venta, esta tenga su bonita y equipada edición en VHS.

La basura de un hombre es el tesoro del futuro.

Jesús Brijandez - lunes, 9 de mayo, 2011
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Kill Bill, Pulp Fiction y mi amor por el cine

2011-04-07T23:44:00.000-07:00

por Jesús Brijandez

Para algunos, la vida viene en ciclos. Ya sea que: se repitan, en cuyo caso, mi más sentido pésame, o, que simplemente se cierre uno para dar lugar a otro. Nunca he sido tan místico respecto a estas cosas pero el pasado viernes, primero de abril, fue estado-alterante. Curiosamente, la realización no llegó con Kill Bill, la función estelar de la noche, sino unas cuantas horas después.

Kill Bill: The Whole Bloody Affair, el poster épico de Tyler Stout.

No era la primera vez que la veía, bueno, si como el sangriento asunto completo. El problema fue que ya sabía cómo pasaban las cosas. En cierta medida pude remontarme a cuando la película no era predecible. Fue en un teatro aquí en Tijuana cuando todavía era menor de edad. Compre tickets para El Talisman, la película cagada de Jackie Chan. Me perdí los créditos iniciales por encontrar la oportunidad de escabullirme a la sala. Fue una exhibición decente supongo. No el pasado fin de semana en el New Beverly de Los Ángeles. La gente enloqueció con cada escena. Las movies tienen que verse justo como se vio Kill Bill esa noche. Tal vez no un Dogville o Eyes Wide Shut por que creerán que estás enfermo, pero una celebración al fanboy, hecha por y destinada a, como lo es la cuarta película de Tarantino, querrás verla en una casa totalmente empacada, gritando cada que The Bride rebana una extremidad de los Crazy 88.

Hablando de eso, ver la secuencia de la pelea, originalmente mostrada en blanco y negro (incluso en la única versión de DVD legal que existe en América) en completo tecnicolor, era uno de los momentos más esperados de la proyección, al menos para esa gran mayoría que no estamos conscientes de un pequeño invento llamado "Youtube".

La secuencia a todo color.

Terminó el volumen uno. De no haber sido por el Grindhouse, la oda Rodríguez/Tarantino al cine de antaño, habríamos encontrado un inmenso placer en el retorno del intermedio. Quince o veinte minutos libres con un letrerote en la pantalla leyendo “Intermission” para salir por las palomitas y refrescos más baratos que hay, incluyendo los de acá en el tercer mundo. El segundo tiempo llegó como va. Sin créditos ni introducciones. Regresamos justo donde la primera parte nos dejó. Otras 2 horas de Kill Bill, volumen 2. La pelea que más aplausos obtuvo, como lo imaginarán, fue el versus entre Uma Thurman, la mamba negra y Darryl ¿Por qué no está haciendo más películas esta mujer? Hannah, la serpiente de los montes californianos.

Afortunadamente llegamos al cierre de la película, lo cual me permitirá continuar con mi punto sobre los ciclos. Pues The Bride, también conocida como Beatrix Kiddo, se enfrenta a Bill en los últimos minutos de la historia. Esta cerrando la puerta que se abrió antes de las 4 horas de venganza. Una meta personal de “La novia” estaba a escasos minutos de consumarse. Una mía también.

Verán, yo no naci como el cinéfilo empedernido que conocen ahora. Si me gustaban cosas como Star Wars o Jurassic Park era porque son espectáculos para la retina y de alguna manera, el alma y creatividad de un jovencito se nutren por ellos. En algún punto de esa evolución tuve oportunidad de ver Pulp Fiction en la tele. Tan pronto como la película se terminó, no sé cómo, pero supe que había encontrado mi película favorita de toda la vida.

Esa misma navidad tuve una gift card de 20 dólares con la cual me compre la collector’s edition de 2 discos. Por algunos años, se volvió una tradición ver Pulp Fiction al menos una vez al mes. Me volví fan de Tarantino y empecé a darle al resto de su filmografía. A veces, mas ahora, me pregunto si mi acercamiento al cine pudo haber sido menos tradicional. Con algo mas dark y exclusivo. En ese momento nunca había levantado un libro sobre cine. La internet era esa cosa en la computadora que, según decían, solo servía para ver porno y descargar música. Fue por Tarantino que descubrí a Godard, el film noir, a Jess Franco, el exploitation y todo ese stuff que ahora me define como cinéfilo.

En fin. Durante todo ese tiempo, y lo tuve que superar eventualmente, solo tenía un pesar: que nunca tuve la oportunidad de ver Pulp Fiction en el cinema. Tenía 7 años cuando salió, lo entiendo, pero creo que eso lo hacía más lamentable. Que estuvo, y mientras no encontrara una maquina del tiempo, estaría fuera de mi control. Siempre he mantenido la teoría de que en realidad “nunca hemos visto cine”. La mayoría de nuestras películas favoritas las hemos visto en VHS o DVD (o BluRay, ricachón) pero nunca, hasta hace apenas recientes años y la aceptación del video-cine, en el formato original concebido por el realizador. En el cine. En una sala con gente. Una pantalla gigante. El ruidoso carrete del proyector. Las palomitas y la soda.

El sábado 2 de abril, recién llegada la media noche, vi Pulp Fiction como hace más de 10 años lo había deseado. Puedo entender la parte donde esta realización suena ridícula. Tal vez lo sea. Yo solo sentí el cierre de un ciclo que aun no sé exactamente lo qué significa. Recordar y citar hacia adentro cada línea de dialogo, como hace ya unos ayeres; en una revival house, llena de fanboys (and girls) que al igual que yo, hemos visto esta pelicula mas de mil veces; trajo uno de los mejores momentos de mi vida.

Gracias, cine.

Jesús Brijandez - jueves, 7 de abril, 2011
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Yo.

Las mentes macabras de "La Morgue" radio show

2011-03-11T23:40:00.000-08:00

Arreglé una cita para entrevistar a un par de caballeros que llevan un programa de radio sobre cine de terror: La Morgue. Si bien el nombre dice todo, tampoco dice mucho de parte de los conductores. He escuchado sus emisiones donde repasan la historia del cine de horror desde sus inicios, y aunque ideas de su personalidad se filtran a través de sus personajes en micrófono; Iván Cadáver y Doctor Thertiustein; aún tenia la inquietud de conocer un poco más a estos nuevos voceros del género en los medios locales. Locales solo en el sentido que transmiten desde Tijuana, pero, su radio por internet se puede colar hacia todo el mundo. Fuera de los planes, ellos me entrevistaron también para su programa. Son unos chavos bien relax.

Logo del radio show

A continuación parte de una conversación que se dio con los presentadores. A la vez, esperamos que esta sea la primera de una serie de videos en los que conozcamos a algunos de los realizadores o promotores del cine de terror en la city. Siganlos en facebook. Escúchenlos todos los miércoles a las 5pm Pacífico (7pm Centro) por este link.

Jesús Brijandez - viernes, 11 de marzo, 2011
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Bienvenidos al Distrito Mictlán: Los zombies de Kiko Morah

2011-02-24T21:15:00.000-08:00

Kiko Morah (centro) y sus zombis

La ultima entrevista que hice fue a los creadores de una serie web mexicana. Pensé que pasaría mucho tiempo antes que tuviera otra oportunidad de estas y fue entonces cuando, a través de esa cosa llamada facebook, me topé con el Distrito Mictlán. También me topé con la idea de que este tipo de proyectos empezarán a brotar, más y más. La tendencia a las series y distribuirlas por la web llegó para quedarse. Como una infestación zombie, propagarse. Lo mejor de todo es que pertenecen al género que mas nos gusta aquí en El Vampirascopio: El terror; y a uno de los sub-géneros que, en mi opinión, ahorita vienen con todo: los muertos vivientes. Aunque como dice el creador de la serie: Los zombies siempre han estado presentes y siempre han sido sobre-utilizados. Mientras no nos muestren a un zombie enamorado, que brilla durante el día, creo que estaremos bien.

Con todo el fuss que han generado películas como la multi-aclamada mexicana Somos lo que hay de Jorge Michel Grau. Sudor Frio (Argentina) de García Bogliano. La franquicia española REC. Entre otras que se vienen, el horror hablado en español trae el mero power.

En esta ocasión vamos a conocer a Kiko Morah, el creador y director de una serie que actualmente se esta produciendo en el DF, muy apropiadamente llamada Distrito Mictlán. A continuación la entrevista que le hice por correo electrónico.

¿De dónde surge el nombre Distrito Mictlán?

Es una historia larga. El nombre de la serie fue algo que nos atormentó desde que empezamos el proyecto en octubre del 2010. Pasamos por muchas ideas hasta llegar a la de un logo que hiciera alusión a una estación del metro aquí en el DF. Fue en es momento en el que empezamos a investigar y jugar con el español y lenguas indígenas. Así es como llegamos a la palabra ‘Mictlán’ la cual viene del náhuatl ‘Miqui’ que significa ‘morir’. Al investigar, nos encontramos con que Mictlán puede semejarse a ‘inframundo’ de forma que la traducción literal del nombre de la serie sería Distrito Inframundo.

Logo de la serie

¿De qué trata la historia?

Es una tradicional historia de supervivencia. 5 personajes principales que luchan por sobrevivir en la ciudad más caótica del mundo, infestada por muertos vivos.

Tendremos personajes con los que la gente se podrá identificar muy rápido: La chica hipster que odia el materialismo, sin embargo su iPod es su fiel compañero. Fausto, un taxista de 50 años. Simon, un scout de 15 años que, a pesar de ser tomado como el nerd, es el único que sabe sobrevivir. Helena, ama de casa de 42 años. Y finalmente Ruy, miembro de la Rebel de los Pumas.

La gente se preguntará: ¿Qué hay de diferente con Distrito Mictlán? Bueno, puedo decirles que a pesar de ser una clásica historia de supervivencia, existe una sorpresa dentro de la realización que estamos seguros, le encantará a todo cinéfilo y público en general.

¿En algún momento se consideraron otros formatos para la serie, como el largometraje o sintetizar una gran trama en corto/mediometraje?

Desde el principio se planteo como una serie web, ya que la sorpresa que les comentaba sólo se puede manejar de esta forma. Decidimos hacer una serie web para evitar censuras y asi poder ser tan gore como podamos.

Sin duda las películas, videojuegos o historietas de zombis han tenido alguna influencia. ¿Cuáles serian algunas de las más importantes para este proyecto?

En lo personal, soy fiel fan de los videojuegos desde pequeño. Evidentemente la serie de Resident Evil fue una grán influencia en mi vida. Estos días sigo siendo un fiel gamer. Los videojuegos que me vuelven loco hoy son Dead Rising, Red Dead Redemption: Undead Nightmare y estoy esperando con ansias Dead Island.

Sobre las peliculas, podría nombrar cada película de zombies que me encanta y nunca terminaría. Pero mis favoritas son: Zombie de Lucio Fulci, Night of the Living Dead de George A. Romero, 28 Days Later de Danny Boyle, Shaun of the Dead de Edgar Wright, y definitivamente Planet Terror de Robert Rodríguez. Recomiendo también Dead Set, miniserie britanica de zombies.

Escena clásica de 'Zombie' de Lucio Fulci

¿Y qué influencias de no-zombis, o incluso ni siquiera del género terror podrían también verse en Distrito Mictlán?

Bueno, en los teasers (ya verán por que lo digo en plural) encontraremos influencias desde The Good, The Bad and The Ugly hasta Road to Perdition. Una mezcla de generos interesante, pero todo es parte de la escencia de Distrito Mictlán.

La reciente serie de TV ‘The Walking Dead’ parece que le ha dado nueva vida a los zombis en la cultura popular. Primero, ¿Has visto este show?

Claro que lo he visto, soy fan del comic. No me desagradó en lo absoluto, solo que la primera temporada se me hizo pobre y corta.

Segundo, ¿Crees que llegue el punto en la actualidad donde los muertos vivientes se vuelvan tan sobre-utilizados en los medios como los vampiros?

Los zombies siempre han estado presentes y siempre han sido sobre-utilizados. Mientras no nos muestren a un zombie enamorado, que brilla durante el día, creo que estaremos bien.

Y tercero, ¿De qué manera podrá afectar eso a Distrito Mictlán, ya sea para bien o para mal?

Toda publicidad es para bien, espero que la gente le de una oportunidad a proyectos de horror mexicanos, ya que en nuestro país hay mucho talento, solo falta que la gente con la idea de ‘lo mexicano es chafa’ se dé cuenta de este talento.

¿A qué audiencia está dirigida la serie?

A todo fan de los zombies, la comedia, el drama, la acción, el gore. Es un proyecto para todos, pero principalmente, es una serie para fans de zombies hecha por fans de zombis.

¿Qué opinas de la programación que se puede ver en la televisión pública?

Odio sonar como ‘intelectualoide’ pero si considero que hay mucha basura hoy en día. La verdad es que veo poca televisión. Sólo veo Los Simpsons. Soy mucho más fan de prender un cigarrillo y ponerle play a una buena pelicula o serie en DVD.

Clip de 'The Simpsons'

El cine de terror, o el género de terror, está entrando a un buen momento, no solo en México, si no en el resto de Latinoamérica y en España. Hasta cierto punto, considero que ustedes también estarán llevando parte de esa bandera, ¿Qué contribución sientes que le hace Distrito Mictlán a este enorme movimiento?

¡Mostrar al mundo que en latinoamerica existe un talento y calidad de trabajo de proporciones bíblicas! También aprovecharemos esta excelente ‘racha’ para contar las historias que amamos.

¿Alguna meta personal que persigas mediante la realización de la serie?

Estoy empezando como director. Llevo ya algunos años asistiendo dirección y dirigiendo pequeños proyectos de publicidad y proyectos personales, pero esta es mi tarjeta de presentación como director. Es un gran reto para mí ya que quiero entregarle a la gente una serie de zombies que hasta los grandes fanaticos del género (incluyendome) queden completamente satisfechos con el resultado.

¿Cómo fue que se involucro gente de Tijuana en el proyecto?

En verano del 2010 tuve la fortuna de trabajar en un proyecto allá en Tijuana donde conocí a gente super talentosa. Un claro ejemplo es Cesar Montano. El estaba de gaffer y es un chingón.
Decidi hablarle para que se incluyera al proyecto ya que confío en el muchísimo. La otra persona es Cathia Cuevas, a ella la contacte por facebook (se que suena absurdo) pero ella me agrego diciendome que acababa de llegar al DF y, como teníamos amigos en común, decidio agregarme para apoyar en lo que se ofreciera. En ese momento le respondí y la invite al scouting para el teaser, esto fue a una semana y media del rodaje. Hoy estoy muy agradecido con Cathia por integrarse al equipo, es una chava super talentosa y este proyecto es ahora tan de ella como mio.

La producción de 'Distrito Mictlán'

¿Cómo están financiando los costos de la producción?

Como toda producción independiente, el teaser fue pagado con nuestros ahorros. Tuvimos la fortuna de ser apoyados con equipo y material. Estoy muy agradecido con todos los que nos apoyaron.

En la siguiente etapa del proyecto y me refiero a levantar el episodio piloto, haremos ‘Kits de Apoyo’ en los que venderemos playeras, calcas, postales, posters, DVDs, etc.

¿Hay algún respaldo a su proyecto de parte de individuos, instituciones o medios?

Tuvimos el apoyo de Leonardo Senderos, productor ejecutivo de Rojo Films, una excelente casa productora de aquí del DF. Estoy muy agradecido con el por su apoyo ya que confío ciegamente en el proyecto.

Sin duda uno de los aspectos más importantes para un show como este son los efectos visuales/especiales. ¿Qué puedes platicar de este proceso?

El maquillaje estuvo a cargo de Cristian Pérez Jauregui, Karina Monroy y Marco Hernández, grandes talentos mexicanos. Dos de ellos participaron en Resident Evil: Apocalypse y me parece que los tres estuvieron en Apocalypto y en una película cubana llamada Juan of the Dead.

La ambientación esta a cargo de Ursula Martínez, una gran directora de arte que le dio ese look muerto a todos los sets. Una gran amiga también.

En cuestion de la post-producción, los efectos visuales en After Effects están a cargo de Ashley Fell, un gran talento ‘mexicano’ ya que él es de New Orleans pero vive aca desde los 15 años. También estoy increíblemente agradecido con ellos.

¡Aargh!

La pregunta del millón, ¿Para cuándo, hablando por el mundo, tendremos el gusto de ver Distrito Mictlán en línea?

Se planea que los teasers esten en línea en abril. Si todo sale como lo soñamos, estaremos filmando el episodio piloto en agosto de este año, si se puede antes, mucho mejor.

En este momento, me imagino que todo tu empeño esta en completar la serie, pero ¿Qué planes o proyectos tienes en mente para después de esto?

Aún no lo he pensado bien, tengo un guión para un mediometraje de horror que me encantaría producir. También claro, esta el sueño de realizar mi primer largometraje.

¿Alguna otra cosa que quieras comentar para los lectores?

¡Muchas gracias por tomarse el tiempo y leer esta entrevista! Gracias también por la respuesta que esta generando el proyecto, no los defraudaremos. Vean mucho, mucho, mucho cine. Y finalmente, estén pendientes para los Kits de Apoyo y avances de la serie.

Más información sobre Distrito Mictlán la pueden encontrar en sus cuentas de facebook y youtube.

Jesús Brijandez - jueves, 24 de febrero, 2011
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El Porvenir

2011-01-31T03:52:00.000-08:00

Clic aquí para leer nuestra primera impresión de la serie.

Porvenir es hablar de cosas que vienen. Lo que sigue. La realización de audiovisuales en la ciudad ha tomado un par de rutas extrañas. Primero, ha disminuido lo suficiente como para aparentar estar dormida, solo que, muchos han optado por largometrajes, que, por si no fuera obvio ya, requieren mucha planeación, esfuerzo y paciencia.

Otros, una llamativa minoría, se han embarcado en lo que se conocen como series web (se me ocurre Sergio Valdez). Los shows de TV son estos grandes foros regulares en los que un creador tiene oportunidad de explorar tanto como considere necesario, sin las restricciones de tiempo para contar una historia de pies a cabeza. ¿Alguien se acuerda de estas películas policíacas donde atrapar al criminal se convertía en el reto principal del argumento? Ahora suena a cualquier capitulo de las mil series que podemos ver en la tele y seguramente esta hecho mejor.

Los seriales no son algo nuevo, desde tiempo antes del internet o la televisión incluso, en los cines había cuentos episódicos que proyectaban cada fin de semana antes de la función estelar. La leyenda del Zorro o las aventuras de Batman. Aliens invasores desde los rincones mas oscuros del universo o cazadores de tesoros que eventualmente darían a Lucas y a Spielberg la inspiración para hacer sus guerras de las galaxias y sus Indiana Jones.

El punto es que la imaginación no tiene barreras, ni los medios para narrarla. No en este tiempo donde la tecnología e, independientemente de contar con grandes presupuestos o no, la naturaleza de ‘hacerlo uno mismo’ sigue viva. Hacerlo y distribuirlo uno mismo.

A esto le llaman el porvenir, pero prácticamente ya es el presente.

Una entrevista por correo con Miguel Garcia Yee y Manuel Anell (El Vigilante Films) creadores de la proxima a estrenarse serie El Porvenir (Mayo 2011) a continuación.

¿Qué es El Vigilante Films y quienes son sus principales integrantes?

Miguel Garcia Yee: El Vigilante Films es un grupo de amigos reunidos con la simple finalidad de poder realizar proyectos audiovisuales de alta calidad para poder presentarse ya sea en televisión, internet o cine.

Manuel Anell: Mejor no lo pudo haber dicho.

MGY: Es una productora independiente fundada por nosotros en el 2008 a partir de la realización del cortometraje "La Hora de la Muerte".

MA: Y aparte ocupábamos un nombre para los créditos.

Específicamente, ¿Qué es “El Porvenir”? ¿De qué trata el proyecto?

MGY: Bueno, El Porvenir es una serie web thriller que mezcla un drama policiaco con una historia de terror.

MA: Si, es una historia urbana que trata de unos oficiales que buscan resolver el misterio de unos asesinatos.

MGY: Y coincide con que al mismo tiempo, cosas extrañas están empezando a suceder durante las noches, en el pueblo.

MA: Es una combinación rara, pero siempre se nos hizo interesante combinar los géneros.

¿De dónde nace la idea para presentar este proyecto en formato de serie web?

MGY: Pues nace de no poder hacer cine y tener las ganas de contar historias.

MA: En ese momento acabábamos de terminar de hacer un guión para largo, y empezábamos disque hacer la pre.

MGY: Pero nos dimos cuenta que es muy difícil y principalmente porque todavía estamos aprendiendo como es el negocio del cine.

MA: Y fue cuando empezamos a darnos cuenta que en Estados Unidos, a las series web les estaban poniendo más atención, ya hasta tienen sus propios premios.

MGY: Sus propias celebridades, al principio mirábamos que eran puras comedias, pero después empezamos a ver series con más producción. Nosotros pensamos que tal vez podíamos hacer una serie con varios “cortitos” estilo La Hora de la Muerte.

MA: ¿Cuando fue? ¿Como en el 2008?

MGY: A finales. Empezamos a escribir las bases para la serie, pero en el 2009 cambiamos de idea para hacer El Porvenir.

¿Qué otros trabajos, series, novelas o películas han influido/inspirado la realización de “El Porvenir”?

MA: Yo leí mucho Stephen King en la escuela, y aunque a veces los finales de los libros eran algo raros y exagerados, me gustaba que manejara la psicología de un pueblo entero. Le ponía bastante atención a los personajes y sus relaciones, algo que rara vez uno en el género de terror.

MGY: Pues a mí creo yo que me influyo el cine internacional, por ejemplo las películas coreanas. Me gusta como ellos se dan el tiempo para hacerte reír, sin nunca olvidarse que están haciendo un drama o que están tratando de causar tensión. O las argentinas, donde me gusta como encuadran la actuación, sus diálogos, sus personajes.

MA: y pues David Lynch, que más se puede decir.

La audiencia siempre tendrá la última palabra, pero ¿Cómo esperan que el público responda a “El Porvenir”?

MGY: Pues bien, que más uno puede pedir. En serio, esperamos que les guste y que lo compartan con sus amigos.

MA: No estamos inventando el hilo negro, nuestra intención es simple entretenimiento.

Premiere de "El Porvenir"

Hace unos meses tuvieron una premiere en Cinemex, ¿Qué nos pueden comentar sobre esa experiencia y la respuesta del público?

MGY: Sin palabras, no sé cómo explicarlo, vale la pena el sacrificio. Luego ni sabes si a la gente le va a gustar.

MA: Nervios, corriendo del proyector a la sala y de la sala al proyector con miedo de que algo fuera a salir mal o si al último van a salir todos decepcionados.

MGY: Pero creo yo que salieron contentos.

¿Qué opinan de la programación de la TV actual en la ciudad?

MGY: Casi no veo tele.

MA: Yo Tampoco.

MGY: No la pasamos en internet.

Detrás de cámaras "El Porvenir"

Ustedes están abriendo espacio a realizaciones de ficción a una escala bastante ambiciosa, en comparación con la programación regional, que en su mayoría pertenece al género de revista o variedades. ¿Qué opinan al respecto?

MA: Gracias. Nomás estamos haciendo lo que nos gusta.

MGY: No es nuestra intención, pero que bueno, porque hay mucho talento en esta ciudad, ya sea de cualquier género.

¿Qué respaldos/apoyos tiene su proyecto, ya sean individuos, de instituciones o medios?

MGY: Hasta ahorita solamente con el apoyo de productores, claro, todo haciéndolo bien planeado y con un crew chico, para reducir costos. Pero en futuro lógicamente nos gustaría contar con unos o varios patrocinadores.

MA: Hoy en día existen todos los medios para hacer cosas de calidad a bajo costo.

Yo se que se encuentran en producción apenas ¿Para cuando la audiencia de Tijuana, y el mundo, podrá disfrutar de “El Porvenir”?

MA: A partir de Mayo podrán ver el primer episodio.

¿Qué nos pueden contar sobre los efectos especiales, un campo visual que desde su obra “La Hora de la Muerte” han manejado con gran maestría?

MGY: Échale tú.

MA: (Risas) Los efectos especiales nunca nos dieron miedo, en La Hora de la Muerte fue fácil escribir cosas como “llueve sangre de las paredes” o “aparece una criatura” sin darle un segundo de consideración a como le íbamos hacer. Al final todo se convirtió en trucos de cámara e iluminación, con maquillaje. Para "El Porvenir" nos preparamos un poquito más. Adoptamos una manera de pensar ochentera. Si los efectos se ven como películas de los ochentas entonces nos damos por bien servidos. Usamos la computadora, pero no hay CGI, simplemente se usa como una impresora óptica, y todos los elementos los grabamos por separado.

Con que periodicidad se estarán exhibiendo los episodios, ¿Semanal, quincenal, mensualmente u otra?

MGY: Vamos a iniciar con 7 episodios grabados, pero todavía no sabemos con qué frecuencia saldrán los siguientes.

Después de que la serie este disponible en línea, ¿Cuál es la finalidad ultima de este proyecto? ¿Hasta donde pretenden que llegue?

MGY: La finalidad es crear una audiencia, y pretendemos que llegue al punto que podamos darle un final satisfactorio.

MA: Que los dos estemos satisfechos con los resultados.

Me imagino que en este momento todo su enfoque esta en “El Porvenir”, pero ¿Qué otras ideas o proyectos han contemplado para un futuro lejano/cercano?

MGY: Definitivamente en nuestra mente estar en hacer un largometraje.

MA: Todavía hay varias cosas que tenemos que seguir puliendo para que cuando se llegue el momento, los resultados sean mejores.

MGY: Pero por ahora toda nuestra energía esta en hacer la mejor serie web que podamos.

¿Que le recomendarías a las personas que nos leen y que tienen ganas de dedicarse, ya sea por gusto o profesión, a realizar proyectos audiovisuales, como cine o televisión?

MA: Yo diría que empiecen, y no se detengan. La tecnología está en un punto donde es accesible para todos. En realidad ya no hay excusas.

MGY: Lo más difícil es no hacer nada.

Gracias a Miguel y Manuel de El Vigilante Films por su tiempo. Para mas información sobre su serie de El Porvenir, consulta los siguientes links: elporvenirlaserie.com y
facebook.com/elporvenirlaserie. Checa el trailer a continuación.

Jesús Brijandez - lunes, 31 de enero, 2011
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I Spit On Your Grave

2011-01-25T01:12:00.000-08:00

por Jesús Brijandez

A estas alturas todavía me sorprendo cuando una película me llega mas allá de los ojos. No solo yo, la mayoría de nosotros ya hemos visto tanto, que tanto parece poco y simplemente ha dejado de impresionarnos. I Spit On Your Grave, como algunos de ustedes saben, es un remake (¿o reimaginación?) de una película del ‘78 llamada Day Of The Woman, que a la larga, termino siendo conocida por el mundo bajo el nombre de esta nueva versión. Ambas narran la historia de una joven escritora, Jennifer Hills, quien se muda a una cabaña, lejos, en un pueblo por el bosque, para conseguir serenidad e inspiración. Claro que lo único que consigue es una tortura y violación múltiple a cargo de un grupo de sureños. Abandonada a muerte. O al menos es lo que ellos esperan. No es un misterio que la chica sobrevive el asalto y pone en marcha un sendero de sangrienta venganza que no dejara tranquilo a nadie.

La duda que todo mundo espera aclarar, es la que cuesta más trabajo: ¿Supera, es igual o peor que la original? Se merece un si y no. Definitivamente la violencia esta en tono a nuestros tiempos, o, mejor dicho, la anterior sigue pareciendo una caricatura en comparación, pero, la ingenuidad con la que la original fue concebida, le da una actitud de no tomar prisioneros, sobre todo en la secuencia de la violación. La nueva versión se censura bastante en ese aspecto, estilizando la puesta en escena, donde la otra, en planos abiertos y ausentes de banda sonora, hacen que el sufrimiento de Hills sea mucho mas doloroso.

La manera en que esta “reimaginación” de ISOYG se vuelve mas incomoda es en el desarrollo de sus personajes, además de la inclusión de un sheriff corrupto, como especie de líder para la pandilla de violadores, el cual era inexistente en la anterior. Darle un jefe a una compañía de machos sube los niveles de sadismo y hace que la revancha de Hills, que ya sabemos se viene, sea también a otro nivel mas deseable.

Al igual que Camile Keaton en la versión de 1978, Sarah Butler merece una mención por su representación. Aunque estamos conscientes de que la película es una ficción, un montaje de actores coordinados por un director, el hecho de tener a una chica completamente desnuda, interactuando con 5 diferentes actores pretendiendo abusar de ella, no es un rol sencillo. No estamos viendo una porno. Jennifer no lo esta disfrutando. Estos son los detalles que empiezan a dejar su huella. Es falso, si, pero no es grato. Queremos que termine y la película prosiga hacia el segundo acto. No estoy diciendo que Butler haya sido una buena actriz, que no es, pero el esfuerzo físico que requirió le gana un aplauso.

El segundo tercio de la película es donde toma una ruta distinta a la anterior. Después de la violación, la original se queda con Jennifer, y la vemos lidiar con su trauma. Esta línea argumental me parece mas interesante, no solo por que ella es el personaje principal y es a quien hemos seguido desde el inicio, si no por que es ahí donde vemos como le empieza a botar la canica, lo cual es tanto triste como provocador. Nos deja deseando cada vez mas que descargue la Ira de Dios sobre sus atacantes.

En el remake, la historia se queda con los agresores y su intento de regresar a la rutina, incluido el Sheriff, quien “convenientemente” tiene una hija y una esposa embarazada. Jennifer desaparece por completo de la película, pero las primeras pistas de su venganza hacen su aparición esporádicamente. Habría sido interesante, como mencione en el párrafo anterior, haber continuado con la chica y ver su transformación desde la inocencia a maquina destructora. Tal vez los guionistas no supieron como trasladar esta mutación en la modernidad o bien simplemente decidieron cambiarlo por completo. Después de todo, se supone que así debe ser un remake, una re-interpretación. No tendría nada de divertido hacer una copia al carbón completa.

La venganza de plano, con esta nueva versión nos quiso pegar con las pelotas por delante. Siempre pensé que, después de ver como demolieron a basura a Jennifer Hills, en la versión de Meir Zarchi, esta se quedaba corta en su revancha. No que sus acciones fueran cortas, sino la manera que el director nos lo quiso mostrar en la pantalla. Hace poco vi I Saw The Devil de Ji-woon Kim. Esta película nos dice que la venganza, por mas deseada, nunca superará en espectacularidad al acto inicial que la detonó. Y claro, la gratificación es inexistente. Nunca me he vengado de alguien a muerte, así que no puedo afirmar o contradecir esa teoría narrativa, pero volviendo a la versión de Zarchi, siento que eso ha hecho el legado de I Spit On Your Grave mas fuerte. La sensación agridulce no nos deja, ni al final. Ni después de ver como le rebana el pene a uno de los violadores, y lo deja a desangrarse, encerrado en una bañera.

Escena de la bañera, I Spit On Your Grave (1978)

En esta actualización de R. Monroe, se nos recuerda, que en la semilla, esta es una movie de explotación. Aquí si nos entrega el feedback deseado. No creo que sean las torturas mas ingeniosas jamás puestas en pantalla, pero en conjunto son de las mas impresionantes. Seguramente es la emoción por toda la violencia que le precedió, pero sentimos en la piel chinita las suplicas de perdón que TODOS los agresores le ruegan. Jennifer exhala una que otra línea tonta, pero la mas efectiva es cuando les replica: ¿Tu te detuviste cuando te pedí piedad?. La respuesta es no. Ella no se detendrá tampoco. Ojos perforados. Violaciones anales. Acido corrosivo. Mutilación de penes. Jennifer Hills se las aplica todas.

I Spit On Your Grave, nueva o clásica, es de esas películas difíciles de recomendar. Puede gustarte pero no sabría decirte por que. Mi teoría es por que nadie quisiera llevar la bandera de una movie donde lo principal es la reducción, humillación psico-fisiológica y el abuso sexual. Ultimadamente, no son obras geniales. La primera fue transgresora en su época, pero para nada es un hito cinematográfico. Esta solo es una actualización 2.0. Ya si la vemos con los lentes del sexploitation cinema, podría ser una interesante noche en las películas.

Ah, y por si se preguntan, aquí tampoco nadie escupe en la tumba de nadie.

Jesús Brijandez - martes, 25 de enero, 2011
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Trailer de I Spit On Your Grave:

TRON: El verdadero legado

2011-01-09T06:42:00.000-08:00

por Roy Villalpando

Hay dos películas de ciencia ficción que salieron al cine al mismo tiempo, 1982, ambas tuvieron al visionario Syd Mead, diseñador profesional que trabajo mucho tiempo para la Ford. Dos películas de ciencia ficción que cambiaron el rumbo de la cultura de la tecnología, la forma de hacer cine y también, como buen amante del género Cyberpunk, son mis favoritas. Blade Runner, que es reconocida como pieza clave en la historia de la cinematografía por su ambicioso trabajo artístico visual y un guión mejor que el libro del que se adapto (aquí es donde acepto insultos, seguidores de Philip K. Dick); y la otra fue Tron, más tecnológica que humana, y falló, a comparación de Blade Runner, en algo que siempre tomo en cuenta: Un guión. Si, el guión de Tron tiene buenos personajes, buenos conceptos pero simplemente lo hicieron en 5 minutos. Aun así, por más asqueroso, sigue siendo de mis películas favoritas.

Y de cualquier manera, ambas fueron un fracaso taquillero. (Gracias E.T.)

Ahora, si nos vamos a influencias, hasta lloro de alegría al expresarlo. Seguramente yo no podría escribir este texto si no fuera por Tron ¿Cómo? La película muestra una forma de hacer gráfica la idea de como funciona el interior de una computadora. Muchos se inspiraron en los visuales de Tron para entrar a los terrenos peligrosos. Mi libro favorito, Neuromancer (1984) toma ideas de ambas películas y es el libro mas influyente de ciencia ficción de las últimas décadas. Parece un estudio social sobre un futuro cercano y nos recuerdan esa moda de llamarle ciberespacio al Internet y la realidad virtual de los 90’s. Hasta la idea de jugar en línea viene de el señor William Gibson.

Estuve 3 años yendo al Comic-Con solo para obtener avances de la nueva incursión cinematográfica al mundo de Tron. Era muy emocionante que cada año se veía mas cercana y espectacular. Avatar llegó y nos trajo un mundo naturalmente hermoso, imposible y hasta con un guión decente. ¿Que seguía? Usar esa tecnología en conceptos de líneas vectoriales y pixeles. ¡Buena idea, mal ejecutada!

Para entender por que TRON: Legacy fue un fracaso total, hace falta conocer el universo de donde se deriva. Aquí va.

Tron Arcade (1982)

Chasis original

Antes de la película original, existió un juego de arcade, el cual incluye 4 mini-juegos: Motoluces, tanques, guerra de discos y destruir un programa control maestro para escapar. La maquina de arcade es inexistente y solo la he podido jugar en un solo lugar, hace 2 años en Santa Cruz, California. Fue muy emocionante poder jugarla tal como es y ver que en estos tiempos sigue siendo un reto. Fue tan influyente en la industria de los videojuegos que el primer juego para celular llamado Snake (ese que todos conocen como “el de la viborita“) fue creado por Nokia inspirado en Tron. Cuenta con apariciones en la saga RPG de Kingdown Hearts y hay 3 versiones de motoluces en Internet, creadas a base de Linux que rondan desde los 90’s : GLTron, KTron y Armagetron. Este último es un vicio jugarlo en línea y es altamente recomendable ya que es de licencia de código libre, o sea, ¡Gratis!.

Armagetron

Tron, la película (1982)

Alan Bradley trabaja en la compañía de software ENCOM (¿Microsoft?) junto a su amada Lora Baines en mantener la seguridad de esta empresa. Kevin Flynn (Jeff Bridges) es un hacker y programador de videojuegos al cual ENCOM le robo sus programas y toma sus créditos. Alan y Lora acuden a Flynn para reportarle que han detectado su intento de entrar a las computadoras de ENCOM de manera ilegal. Flynn convence a ambos para entrar al corporativo ENCOM y recuperar sus programas, pero no se esperaba que el más reciente experimento de la compañía (un laser de rendereo humano, amigo) fuera usado sorpresivamente con él, transportándolo dentro del sistema de computadoras y dándose cuenta que el mundo digital es cosa seria.

Si, pixel por pixel.

Flynn conoce a un programa de aseguranzas llamado RAM (buen concepto, mal usado) quien nota que Flynn es diferente a los demás: Es un usuario, a diferencia de los demás que solo son programas (creados a imagen y semejanza de sus usuarios). El señor Flynn es forzado a jugar motoluces (uno de mis deportes favoritos en línea) y guerra de discos. De ahí pasan una exageración de cosas que no tienen sentido, pero como estudiante de redes e informática, te explican como es el funcionamiento de protocolos, programas de seguridad (distinguidos por el color rojo) y, algo muy atrevido por parte de la compañía Disney, el como funcionarían los corporativos en el futuro.

¡Tu con esos códigos y yo sin esos permisos, chiquitita!

Kevin Flynn se escapa de la rejilla donde suceden las competencias de motoluces junto a dos programas mandados al folder de reciclaje de la computadora en un vehiculo volador equivalente a un roteador de redes. Esta nave lleva a BIT, un pequeño amigo que se comunica en binario, aunque, como seguramente la mayoría de la audiencia no sabria lo que significarían el 1 y 0, el BIT se comunica con “Si” y “No“.

Eventualmente Flynn se encuentra a Tron (Alan Bradley) y a Lora, quienes viajan por el navegador de simulación solar (una metáfora de la hipermegared) para derrotar al Programa de Control Maestro (PCM), un sistema operativo que inventó la compañía de calculadoras Burroughs, la cual fue fundada por el abuelo del escritor William Burroughs, uno de los más influyentes en esto del cyberpunk. El PCM es un programa de seguridad superior controlado por el presidente de ENCOM y hace lo imposible para detenerlos. Recuerden que en el mundo de Disney nada sale mal. Vencen al programa. Kevin Flynn y compañía vuelven a la realidad, con la noticia de que Flynn es ahora el dueño de ENCOM.

Seguramente te aburrió esto, y aunque intente hacerlo ameno, ese es el problema de esta película. Es un empalague de tecnología con poco cerebro humano.

La Academia de los Oscares opto por NO nominar a Tron en categorías de mejores efectos especiales por que en 1982 era trampa usar computadoras para efectos especiales. ¡Tomala!

Tron 2.0 (2003)

¿Cual es el nombre del la escopeta que ves en esa imagen? Respuesta: LOL

Este es el Tron definitivo para mi, y viene en formato de juego para la PC y MAC. En esta ocasión tenemos un caso extraño donde un videojuego basado en una película es mejor que la película en que se basó. Fue producido por el mismo director de la película, Steven Lisberger, al igual que el mismo diseñador conceptual, Syd Mead.

Es un videojuego que, si algo tiene, son conceptos y detalles. Sobresale a cualquiera de su época con su sistema de juego muy sólido, hibrido entre RPG (Role Playing Game) y FPS (First Person Shooter). Controlas a Jet Bradley, hijo de Alan Bradley (Tron, pues) un chico rebelde que se divierte hackeando los sistemas de su escuela hasta que un día su padre es secuestrado por los empleados de Future Control Industries, quienes adquieren ENCOM para localizar códigos abandonados. Jet, en busqueda de su padre, es transportado al sistema central por MA3A (se pronuncia matria). En fin, juégalo si te gustaría aprender informática de manera entretenida.

Algunos archivos se encuentran infectados, pero con un buen antivirus adaptado al programa, se pueden usar. Claro que en la vida real no es tan divertido desinfectar programas.

Siento que esto fue lo mejor que pudo haber sucedido con la saga, ya que compensaron toda la falta de sentido de la película original. El juego fue criticado muy bien. Sus ventas fueron buenas pero no las esperadas. El estudio desarrollador tuvo suficiente valor en hacer una versión para el Xbox llamada Tron 2.0: Killer App, el cual consiste en el mismo juego solo adaptado a los controles de la consola y con ciertas expansiones, que también hicieron disponibles a través de Internet para los que compraron la versión en PC.

La compañía dejó de existir, pero gracias al culto que se le tenia al juego (yo me incluyo) se le actualizaron texturas creadas por los fanáticos. Hubo nuevos niveles para el juego online e incluso personas construyeron servidores para poder seguir manteniendo el juego vivo en línea. Yo tengo 3 o 4 meses que no entro a jugar por falta de tiempo, pero, por lo que me contaron, gracias a la nueva película los jugadores se multiplicaron, haciéndolo casi imposible de jugar por el exceso de usuarios y la falta de servidores (¡irónico!).

Dato curioso: Walter Carlos, famoso por crear el disco de música electrónica mas vendido de los 60’s y ser interprete del soundtrack de La Naranja Mecánica, compuso la música del film Tron original. Wendy Carlos compuso la del videojuego. Ambos son la misma persona.

TRON: Legacy (2009)

Fue bastante el tiempo que me sentía como Homero Simpson en este capítulo de noche de brujas.

La Mercadotecnia. La gente pidió Tron 2 por años en Comic-Con. Ya era hora. Era tiempo de aprender la lección los productores. La tecnología y las computadoras están mas cerca del público. Ya son cosas de nuestra vida diaria. ¿Podían hacer una película para esta generación?

Me encantó la idea. Me encantó el diseño visual, lo poco que se veia. Me encantó que fuera mas negro y elegante que aquel neón chillante. Me encantó la idea de “Flynn Lives”, aunque nunca lo termine. Hasta me gustó la idea de darle un toque fresco poniendo a Daft Punk como compositor de la música. Una banda de la generación Internet y bastante diferente a las elecciones de compositores que Hollywood se carga regularmente.

Daft Punk "Son of Flynn"

Todo se veia bien. Duré 2 semanas llamando a Cinepolis por boletos. Seguí noticias. Vi que en Florida alguien diseño una moto real inspirada en el nuevo modelo. Vi que en Suiza se hizo un hotel inspirado en Tron: Legacy. En San Jose, California se hizo el Record Guiness para el mayor conjunto de personas vestidas con luces tipo neón. Todo parecía bien. Todo hasta que se me ocurrio comprar los boletos la misma noche del estreno. Habia mucha gente. Dos días antes no pude conseguir entradas (Gracias, banda electrónica francesa). Llegue a la sala, y amenace de muerte a mis amigos, que si me jodian mientras veía la película, los mandaba al folder de reciclaje. Todo iba bien hasta que pasaron 20 minutos de la película. ¡No, no, no, no!

¿Ves esto? ahora imagínalo, una y otra vez, por otros 40 minutos seguidos.

Lo bueno: Los efectos especiales son lo ultimo de tecnología. Su diseño visual, arquitectura y vehículos de otro mundo (aunque sin Syd Mead, claro). La música me gusto, es como un Philip Glass de chiptune. Saber mas de ENCOM. Y me encantó que no todo fue 3D.

Lo malo: Veamos… El guión es una mierda, los personajes se sienten tiezos y forzados, las referencias a los 80’s, exceso de golpes tras golpes tras golpes y golpes. El horrible personaje de Olivia Willa o como se llame. Las ideas religiosas y políticas son usadas de forma innecesaria y hasta molesta. ¿Ya mencione el guión?

Ziggy Stardust hecho programa corrupto.

El final fue una estupidez (Aquí es donde terminé quitándome el traje de Tron que llevaba). Y si hay algo que odie fue ¡esa escena en el bar! ¿Tenian que meter a Jack Sparrow? ¿Una copia horrible de David Bowie? ¿Tenian que cambiar la sangre y los órganos, por mercurio liquido y pixeles? ¡Fue atroz! Termine odiando hasta a Daft Punk. Los prostituyeron. Fueron la razón por la que un 94% de las personas que conozco asistieron a ver la película. Finalmente, ¿Saben que fue lo peor? Que inventaron una historia nueva, eliminando los buenos conceptos de la película original y sobre todo del videojuego del 2003. Para poder vender un sin fin de comics y videojuegos nuevos, borraron todo ese pasado valioso solo para gustar a los que llegaron tarde. Ofensivo para cualquier fanático hardcore de Tron.

La recomiendo como un espectáculo visual muy admirable y si, es un deleite para lo sentidos, pero solo véanla en 3D. De otra forma: un bodrio.

Roy Villalpando - domingo, 9 de enero, 2011
facebook.com/perro.hombre.estrella

Top 5: Peliculas del 2010

2010-12-24T13:09:00.000-08:00

por Jesús Brijandez

Es a finales de cada año cuando todas las páginas que leemos se ponen a listar sus libros, discos o películas favoritas de los pasados 365 días. Sentarse a hacer una retrospectiva de lo visto o experimentado a lo largo de este periodo, y encima de eso, seleccionar lo que en nuestra opinión fue lo mejor, no es cosa fácil. Por eso, en lugar hacerlo yo, decidí consultar a algunos miembros activos de la comunidad audiovisual en Tijuana: Artistas, cineastas, escritores, promotores culturales y en general celebridades, cuyos aportes mantienen en movimiento los ojos y alerta los oídos de esta ciudad.

A continuación las 5 películas favoritas del 2010^[1] de cada uno.
Listados en orden alfabético:

Rodrigo Álvarez
Cineasta

5. Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright)

4. Black Swan (Darren Aronofsky)

3. Inception (Christopher Nolan)

2. The Social Network (David Fincher)

1. Enter The Void (Gaspar Noé)
"Revoluciona la manera de contar las cosas. Creo que cumple con sus intenciones y hace un uso de la cámara subjetiva de una manera única, contándonos una temática ya muy trillada, transformándola en un viaje extraordinario."

Manuel Alejandro Anell
Director / Webseries El Porvenir

5. The Social Network (David Fincher)

4. Toy Story 3 (Lee Unkrich)

3. El Infierno (Luis Estrada)

2. Waking Sleeping Beauty (Don Hahn)

1. Best Worst Movie (Michael Stephenson)
"Tal vez no es lo primero que piensa uno cuando oyen "Mejor Pelicula del Año", pero de todas las peliculas que vi, y que vere; por mas hermosa su fotografia, y por mas honestas sus actuaciones; esta fue la que mas dejó su impresión en mi como director."

Saulo Cisneros
Artista audiovisual / Productor

5. Fantastic Mr. Fox (Wes Anderson)

4. Thirst (Chan-Wook Park)

3. Kick-Ass (Matthew Vaughn)

2. Kynodontas (Giorgios Lanthimos)

1. El Infierno (Luis Estrada)
"El film tiene una doble cara y un doble sentido el cual para ser leído en su total extensión requiere de una característica muy específica: Ser mexicano. Un retrato de la psique y el sentir del mexicano contemporáneo."

Alfredo González Reynoso
Escritor / El Oxímoron Lógico

5. Antichrist (Lars Von Trier)

4. Presunto Culpable (Roberto Hernández, Geoffrey Smith)

3. A Serious Man (Joel y Ethan Coen)

2. Hadewijch (Bruno Dumont)

1. Double Take (Johan Grimonprez)
"Documental experimental sobre un doble doppelgänger. El primero: un diálogo ficticio entre el Hitchcock del cine y el Hitchcock de la TV. El segundo: un diálogo documentado entre Richard Nixon y Nikita Khrushchev en plena guerra fría (el famoso "kitchen debate"). Como bien dice el mito, uno de los gemelos rivales (cine/TV, capitalismo/comunismo) tendrá que matar al otro. Y entre estos conflictos (el mediático y el político), ambos decisivos para el siglo XX, hay más de un paralelismo en juego."

Joey E. Muñoz
Cineasta / Crítico (Diez4, "Plano y detalle")

5. Enter The Void (Gaspar Noé)

4. Ghost Writer (Roman Polanski)

3. My Son, My Son, What have ye' done? (Werner Herzog)

2. El Infierno (Luis Estrada)

1. Black Swan (Darren Aronofsky)
"No he visto muchas películas este año, por lo general me espero hasta enero para ver todo lo que puedo. Black Swan me sacó de onda con lo fuerte y elegante que es. Usa todos los elementos de películas clásicas para crear un clásico contemporáneo, pero me caga que la movie vaya a ser super hip."

Joseph Pérez
Cineasta

5. Shutter Island (Martin Scorsese)

4. Kick-Ass (Matthew Vaughn)

3. Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright)

2. TRON: Legacy (Joseph Kosinski)

1. Inception (Christopher Nolan)
"160 millones de dolares bien invertidos. Me encantó el hecho de que Christipher Nolan trató de usar el mayor número de efectos en cámara posible. Muy inteligente para ser un mainstream film."

Julio Pillado
Músico (Shantelle) / Cineasta

5. El Infierno (Luis Estrada)

4. Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright)

3. Inception (Christopher Nolan)

2. A Serbian Film (Srdjan Spasojevic)

1. Exit Trough The Gift Shop (Banksy)
"Una mezcla de muchas cosas que la hacen una obra de arte inclasificable, capaz de ser un material de estudio obligatorio para cualquier escuela de arte de aqui en adelante."

Cuauhtémoc Ruelas
Crítico / La Esquina Del Cine (Bitácora Cultural)

5. La Horde (Yannick Dahan, Benjamin Rocher)

4. Somos Lo Que Hay (Jorge Michel Grau)

3. Buried (Rodrigo Cortés)

2. Inception (Christopher Nolan)

1. El Infierno (Luis Estrada)
"Considero que más allá de la caricatura criminal y su mordaz crítica hacia la violencia en nuestro país, es una historia muy original, muy bien estructurada y respaldada por excelentes caracterizaciones, demostrando que en Mexico también se puede crear un buen cine de mafias."

Randy Salgado
Crítico / Cinefilia Radio

5. El Infierno (Luis Estrada)

4. Inception (Christopher Nolan)

3. Toy Story 3 (Lee Unkrich)

2. I Saw The Devil (Ji-woon Kim)

1. Black Swan (Darren Aronofsky)
"Aronofsky nos muestra de forma imperdonable y penetrante el descenso a la locura de Nina, una bailarina de ballet con un afan de llegar a la perfeccion absoluta. Es intensa y apasionada, envuelta de interpretaciones poderosas por parte del elenco, sobre todo Natalie Portman en el mejor papel de su vida."

Abraham Sánchez
Cineasta

5. Machete (Ethan Maniquis, Robert Rodriguez)

4. A Serbian Film (Srdjan Spasojevic)

3. The Wolfman (Joe Johnston)

2. Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright)

1. Somos Lo Que Hay (Jorge Michel Grau)
"Película de caníbales que habla sobre la disfunción familiar en México. Muy bien realizada, a la altura de clásicos come-carne como La Semana del Asesino y Texas Chainsaw Massacre. También por lo que la considero la película del año es la aportación gigante que tuvo para el cine de terror y el cine mexicano alternativo."

Ricardo Silva
Cineasta

5. Trolljegeren (Andre Ovredall)

4. The Social Network (David Fincher)

3. Trash Humpers (Harmony Korine)

2. Kynodontas (Giorgios Lanthimos)

1. Marwencol (Jeff Malberg)
"Es el trabajo mas allegado a una vison real y con mucha cratividad. Una diversidad de los anecdotarios, de una vida como es la de este personaje."

Jesús Urias
Director de cineclub CINEFI

5. El Baile de la Victoria (Fernando Trueba)

4. Celda 211 (Daniel Monzón)

3. A Single Man (Tom Ford)

2. Ghost Writer (Roman Polanski)

1. A Prophet (Jacques Audiard)
"Aunque lo que más quiero destacar de esta película es la historia, no puedo dejar de hablar de Jacques Audiard. Sencillamente impecable. Con esa fotografía verdosa, oscura, deprimente. Esa sangre fría que posee tan bien reflejada. Y esa cámara, que elige siempre el plano justo para expresar lo que quiere."

Sergio Valdéz
Cineasta / Webseries Once Upon A Time In Tijuana

5. Scott Pilgrim vs. The World (Edgar Wright)

4. Capitalism: A Love Story (Michael Moore)

3. Thirst (Chan-Wook Park)

2. Enter The Void (Gaspar Noé)

1. Biutiful (Alejandro González Iñarritu)
"¿Mi Favorita? Biutiful, por que se atreve a ser una película sin heroes ni villanos. No hay arquetipos en los personajes y es intencionalmente imperfecta en la tecnica."

Alvaro Zendejas
Cineasta (High Indole) / Artista visual

5. Tangled (Nathan Greno, Byron Howards)

4. 8: The Mormon Proposition (Reed Cowan, Steven Greenstreet)

3. Harry Potter and the Deathly Hallows: Part 1 (David Yates)

2. The Social Network (David Fincher)

1. Toy Story 3 (Lee Unkrich)
"Sin duda el 2010 fue el año de las franquicias, que posiblemente es la falta de originalidad, pero claramente refleja la tendencia del público. Está película demostró que aun dentro de un mundo ya conocido pueden ocurrir eventos inesperados, como un final increíblemente deprimente e inspirador."

Jesús Brijandez - viernes, 24 de diciembre, 2010
Sigueme en twitter @Brijandez

[1] Algunas películas de las listas fueron producciones del 2009 pero hasta el año 2010 es que fueron estrenadas teatralmente y/o lanzadas a video en México.

Black Swan

2010-12-22T17:42:00.000-08:00

por Jesús Brijandez

El patito feo cuenta la historia de un huevo que es acosado y molestado por los otros solo por ser diferente. La única que lo acepta es su adoptiva madre, y seguramente por que tiene que. El patito diferente seria el patito feo, si no fuera por que no es un pato en absoluto. Es un cisne negro. Cuando los patos crecen, se convierten en objetivos de caza. Pero el cisne se va para reunirse con su grupo y decorar con su elegancia el lago. Black Swan cuenta esa historia más o menos, pero a la inversa.

No es una película sobre ballet, como podría pensarse. Black Swan (Dir. Darren Aronofsky, 2010) es sobre ponerse en contacto con tu más oscuro rincón. Nina (Natalie Portman) es una chica reprimida. Frígida. Un patito feo. Ella quiere, así como todas sus compañeras de danza, ser la protagonista de la obra “Swan Lake”. La puesta en escena requiere a una estrella que pueda manejar la dualidad de ser un cisne blanco (lo bueno) y un cisne negro (lo malo). Desafortunadamente Nina, solo es un cisne blanco.

Toda la película narra su descenso (o ascenso, lo explicare mas adelante) a la locura. En orden para cumplir su sueño, debe entregarse al lado más inexplorado de su corazón. Lo que para su mente se vuelve un tormento, su vida lo aclama. Encapsulada por su madre, a Nina le falta vivir poquito. Su director Thomas (Vincent Cassel) la incita a masturbarse. A Nina le hace falta salir de noche, en contra de la voluntad de su mamá. Tomar. Consumir drogas. Tener sexo lésbico con Lily (Mila Kunis), su única “amiga” de la compañía. Toda una vida de preparación y disciplina en juego por buscar ese papel para el que se ha preparado y disciplinado toda su vida. La paradoja y la dualidad desbordan en el filme.

Aronofsky nos presenta a Portman a través de espejos. A veces sus reflejos reaccionan distintos a ella. Son malignos. Un sarpullido en su espalda empieza a adquirir formas monstruosas. Cada minuto que Black Swan progresa, nos sentimos inmergidos en el abismo de Nina. Solo hace falta echar un vistazo a Beth (Winona Ryder) la antigua intérprete estelar en Swan Lake, para descubrir los daños que el rol le hace a la vida.

Es poco claro, y se agradece, el tono de la película que a veces parece pertenecer al melodrama de telenevola, de “amigas y rivales”, de condenaciones baratas y otras veces una ficción, tipo La Mosca. Incluso no es tan descabellado compararla con la mitología de Cronenberg, y sus sombrías decadencias de la psique.

Hace unos párrafos mencionaba un ascenso a la locura. En mi opinión, regularmente quienes han conseguido la libertad, al menos emocional, es a quienes se les llama locos. Los que son diferentes, como el pato. Cada patito feo es un cisne bello en ciernes. Nina, igual que todos nosotros, eventualmente, tenemos que darnos cuenta de ello. No hay manera de hacer mi conclusión, sin ser un poco spoiler. Así que les anuncio, después de la advertencia, se revela importante información sobre el final.

SPOILER * SPOILER * SPOILER * SPOILER * SPOILER * SPOILER

Black Swan es una fábula. Un montaje. Es una película que apenas se entinta con lo surreal, pero nunca deja de ser un viaje al escape. De nuevo, libertad. Al igual que The Wrestler, el final muestra al héroe caído. No es claro si viven o mueren, aunque aquí vemos a Nina sangrar. Su última palabra es “perfecta”. La pantalla se disuelve a blancos para darle conclusión al filme. En las fábulas la muerte no es muerte, es liberación. Una metáfora. Nina terminó su obra. Cumplió su sueño. Fue lo que a lo largo de la película esperábamos que fuera. Perfecta. Un cisne. Ya no solo un cisne blanco, también un cisne negro. Aunque se siente como una conclusión amarga, es un final feliz. Un final donde, cuando todos nos demos cuenta, seremos perfectos también. Seremos cisnes negros.

Jesús Brijandez - martes, 22 de diciembre, 2010
Sigueme en twitter @Brijandez

Avance de Black Swan:

El sonido sanador de Electric Healing Sound

2010-10-26T13:11:00.000-07:00

Electric Healing Sound

No podía dejar escapar una obvia realidad: La música es importante para nuestras vidas tanto como el cine. A partir de eso, El Vampi ha realizado una serie de noches, que tanto por su contenido audiovisual, como por el musical, pretenden reflejar lo mejor de la escena creativa, y chingona, de la ciudad.

En cuanto al cine, siempre pueden contar con mis opiniones o sugerencias. Si bien podrían debatir sobre si los trabajos que exhibimos son, o no, los mejores, siempre se trata de proyectar lo más actual, novedoso y/o contemporáneo de las producciones locales.

Musicalmente, lo admito, soy fan de Lady Gaga y mucho de lo que representa, lo cual me resta un tanto de credibilidad, pero cuando se reduce a seleccionar las mejores bandas que perpetuán el espíritu del rock, (aunque déjenme decirles que si para ustedes rock es Led Zeppelin o Santana, están leyendo al escritor equivocado) los sonidos del garage, las guitarras que nos gritan a Velvet y las voces que nos hablan a Reed, creo no tener un criterio muy equivocado.

Los grungy riffs de baja fidelidad que harían llorar hasta al más obsesionado fan de Los Saicos nunca habían sonado tan bien hasta que llego el eléctrico sonido que sana y ese santo apóstol educado. Como diría Ricky Soltero en la entrevista que les envié simultáneamente a Electric Healing Sound y San Pedro El Cortez: “Es algo sanador nuestro sonido. Después de escuchar a ciertos grupos de ahora, creo que si es necesario tener bandas como nosotros”.

Ambos grupos rockearan el escenario este 30 de octubre en la 3ra Noche Audiovisual: Especial de Halloween. Tocan después de las 10pm. La primera parte de la entrevista con Electric Healing Sound a continuación.

.:: ELECTRIC HEALING SOUND ::.

¿Cuáles son sus nombres y que instrumento tocan?

Ricky Soltero: Es Eric en el bajo, Aldair en la guitarra principal, Cesar en la batería y yo (Ricky) en la guitarra de ritmo y voz.

¿Desde cuándo existe EHS y por que deciden juntarse?

RS: Electric Healing Sound lleva unos cuantos meses.

Eric Curiel: Si, desde mayo/junio pasados, más o menos, aunque llevo años queriendo hacer algo así, cuando conocí a Ricky, supe que con él podría lograrlo.

RS: Decidimos colaborar después de una tocada que compartimos, mi previa banda, The Japanese-Lovers y Dancing Strangers, la banda de Eric. Días antes de la tocada le pedí de favor a Eric que tocara el bajo ya que el bajista de mi banda no podría tocar. Eric acepto e invito a Aldair a tocar para rellenar el sonido y pues creo que ahí nació Electric Healing Sound.

¿Cuáles son sus influencias y qué bandas de la actualidad (locales y/o globales) escuchan o admiran?

RS: Pues ciertas influencias son algo obvias, y somos algo descarados en no ocultar nuestros gustos. Creo que en la banda compartimos el mismo gusto por de The Velvet Underground, The Jesus and Mary Chain y Spacemen 3. Personalmente soy fan de Bob Dylan. También me gusta mucho Jonathan Richman and The Modern Lovers, The Dream Syndicate y Galaxie 500.

EC: De bandas locales me gustan Casa Wagner, Orlando, Ibi Ego, San Pedro El Cortez, Vis Viva, entre otras. Son bandas que no necesariamente suenan como nosotros, pero que proponen algo de calidad, honesto, fresco y bien ejecutado.

RS: Localmente, creo que no hay mucha música que me llame la atención. Esta The Soft Pack y Crocodiles, ambas de San Diego. En Tijuana también hay ciertas bandas que son muy buenas, pero probablemente las puedo contar con una sola mano.

¿Cuál ha sido uno de sus toquines favoritos? ¿Por qué?

RS: No hemos tenido tantas tocadas todavía, pero creo que las primeras tocadas son de mis favoritas. Hay tantas expectativas, emociones y pues nervios. Es difícil recrear lo que se siente en esa primera tocada.

EC: Si, creo que las dos o tres tocadas que hemos tenido me han gustado bastante. Ha habido buena respuesta por parte del público y de amigos.

¿Con quién les gustaría compartir un escenario o dónde les gustaría tocar?

RS: Pues no tengo algún lugar ideal donde quisiera tocar. Pero un mini tour en Europa no estaría nada mal. Y me gustaría compartir el escenario con Bob Dylan o Lou Reed.

EC: De lugares, yo creo las ciudades principales de México y USA por el momento. ¿Bandas? Me encantaría tocar con The Kills o con Deerhunter.

Aldair, Ricky, Cesar y Eric

¿Por qué se llaman Electric Healing Sound? ¿Realmente es eléctricamente sanador su sonido?

EC: Lo que yo tomé del nombre, que fue Ricky quien lo propuso, fue una sanación al aburrimiento y al absurdo de la vida diaria. Creo que los drones (que viene siendo la nota sostenida, repetida a lo largo de una pieza) tienen algo de hipnótico. Nosotros usamos mucho esa misma nota eterna.

RS: (Risas) Si es algo sanador nuestro sonido. Después de escuchar a ciertos grupos de ahora, creo que si es necesario tener bandas como nosotros.

¿A qué público va dirigida su música o qué tipo de audiencia se pueden ver en sus shows?

RS: Creo que no tocamos para un público en especial. Simplemente tocamos lo que queremos escuchar, y si pega con la gente, pues qué bien. Sería lo peor intentar tocar para solo una demográfica. La música no debe de ser forzada, si no acabaremos como Interpol, o peor, como Radiohead.

¿Cómo influye la vida en la frontera Tijuana-San Diego en su música o en sus shows?

RS: No ha afectado en mucho vivir en la frontera en nuestra música, pero si en la gente que viene a las tocadas. Ya que música como la de nosotros no grita Top 40.

¿Qué tipo de cine les gusta a los integrantes de Electric Healing Sound?

RS: A mi me gusta mucho las películas de Michel Gondry y cualquier película de terror me divierte. Mi película favorita de terror es The Omen. Siempre me han divertido las películas francesas. Son algo intensas y hay una belleza peculiar que me atrae a verlas.

EC: A mí en lo personal me gusta y me inspira mucho lo que hace Harmony Korine, Paul Thomas Anderson y David Lynch.

¿Hay alguna relación entre el cine que ven y la música que tocan?

RS: Para mi si, en la forma que escribo esta más inclinada hacia ciertas cosas que he visto y escuchado en películas, específicamente las de los sesentas. Me gusta mucho la simplicidad del dialogo en esas películas y creo que la letra de nuestras canciones lo demuestran. Simplicidad es lo esencial.

EC: En definitiva, creo toda la música puede ser muy visual.

¿Cuál es su postura como banda ante la piratería y/o la distribución gratuita de la música? ¿Lo consideran algo negativo, positivo o les viene valiendo cacahuate?

RS: Negativo para las bandas grandes. Ellos están perdiendo dinero, bueno, las disqueras están perdiendo mucho dinero. Para bandas como nosotros nos beneficia en que la gente baje nuestra música y que la compartan. Ahorita dos de nuestras canciones pueden ser descargadas gratis. Son parte de una compilación de música promocionada por Workerbee Records de Iowa. Creo que lo que hace Workerbee es genial ya que, igual que vender, también saben de la importancia que la gente de esta generación está acostumbrada a obtener su música gracias.

¿A donde les gustaría llegar con su música? ¿Cuáles son algunas de las metas de la banda?

RS: Pues la meta creo que es armar un tour y llevar nuestra música a gente de otros lugares.

EC: De acuerdo con Ricky. Llevarlo a todos los públicos posibles y divertirnos haciéndolo.

¿Existen EP/LP de Electric Healing Sound? ¿Si no, para cuando tendríamos el gusto

RS: Ahorita estamos trabajando en un EP y también grabando canciones para un cassette especial para Workerbee Records. Básicamente la meta es tener algo que promover en nuestras tocadas. Será pronto.

¿Alguna opinión final que quieran agregar?

RS: Umm, no. Creo que he dicho suficiente.

Sigue al Electric Healing Sound por facebook y en myspace.

Pronto la segunda parte con San Pedro El Cortez.

Jesús Brijandez - martes, 26 de octubre, 2010
Sigueme en twitter @Brijandez

El Zilema de Jorge I. Sanders

2010-10-20T23:53:00.000-07:00

Jorge I. Sanders (der.) y Segio Valdéz (izq.) en el rodaje de Zilema

Cuando le envié por correo el siguiente cuestionario a J.I. Sanders, aunque le indique que podia extenderse al gusto en sus respuestas, jamás espere una mirada tan detallada de lo que fue Zilema y parte de su trabajo como realizador de cine/video (aunque ese era el punto, supongo). Esta reciente creación será exhibida el 30 de octubre en nuestra 3ra Noche Audiovisual (Toda la info acá). Aunque no he visto el corto, y lo leerán mas adelante, me parece un intento por darle una vida nueva (junto a la obra de Abraham Sánchez) a una ciudad con hambre de propuestas dentro del género. El resto ya lo conocerán en la siguiente entrevista.

¿Qué es Zilema? Para ser más claro, ¿De qué trata la historia y de dónde sale el nombre para la misma?

La historia trata de Marcel (Sergio Valdéz) el intendente de un hospital. A diario Marcel roba sangre del almacén del hospital. Con la sangre, riega una rosa que él mismo sembró, después de varios intentos fallidos y varias rosas muertas, decidió regar esta última con sangre y dio resultado. Todo esto con la ilusión de regalársela algún día a su hija Zilema, a la cual no ha visto desde que se disolvió su matrimonio hace más de dos años. El primer giro de la historia es el momento en que Marcel es sorprendido robando la sangre, y por consecuencia es despedido. Marcel debe conseguir sangre a como dé lugar, y mantener viva la rosa de Zilema.

El origen del nombre es la palabra xilema. En las raíces de las plantas hay haces vasculares, una de ellas es la xilema. La xilema es la encargada de conducir agua y sales minerales a toda una planta, o sea, es lo que mantiene a una planta alimentada. Para el caso del personaje Marcel, su hija es quien lo mantiene con vida y alimentado emocionalmente a él, y por consecuencia, de manera tangente a la rosa (Esta es la metáfora principal del cortometraje). Normalmente trabajo las historias en dos planos, objetivo (la historia en sí, lo que vemos en pantalla) y subjetivo (todo el significado simbólico y metafórico del lo que vemos en pantalla).

¿De dónde nace el concepto? ¿Cuáles han sido, o de dónde has tomado, algunas inspiraciones para Zilema?

Todo lo que escribo e imagino está basado en miles de ¿Qué tal si…?

Las inspiraciones iniciales fueron: La realidad del personaje. Basado en lo que me ha tocado observar del matrimonio de alguien cercano y teniendo una familia puedo imaginar completamente de lo que debe uno ser capaz de hacer en situaciones extremas y ficticias, claro. El personaje tiene muchas características personales pero sobre explotadas y presentadas de manera negativa. Regar una rosa con sangre. Mi padre es médico (actúa también de médico en el corto), un amigo-colega suyo se llevaba a casa la sangre que el hospital desechaba para regar sus flores. Los nutrientes de las sangre alimentan bastamente a las plantas y las fortalecen.

Zilema es una adaptación de un guión para largometraje que tengo escrito. El cortometraje básicamente es el primer acto de ese guión. Lo gracioso es que como quería meter algo al UABC Filme Festival y me enteré muy tarde de la convocatoria, hice una adaptación rapidísima del guión original, y cambió casi completamente (el trabajo de Marcel, los personajes secundarios, casi todo) Entonces ahora tengo dos historias, y debo pensar seriamente cual desarrollar cuando llegue el momento del largometraje, una historia que lleva en mi cabeza ya casi unos 2 años.

Desde tu último proyecto ¿Qué diferencias (o similitudes) podemos encontrar en tu estilo visual/narrativa?

Bueno, me gustaría pensar que 5 años de experimentar, dirigiendo y editando cortos, cuasi-cortos, caca-cortos que he dirigido y videos musicales me ayudaron a definir el “cómo me gusta que las cosas se vean”. Lo cual a uno le cae excelente cuando finalmente tiene una historia digna de contarse. Prefiero mil veces experimentar audiovisualmente 5 años y esperar a construir una buena historia, a experimentar con historias equis durante 5 años hasta construir una buena narrativa audiovisual.

Diferencias: Ahora existe una narrativa evolutiva objetiva de un personaje y no solamente metafórica. Los personajes no ven directo a cámara ni hablan sus líneas teniendo un guión visible en sus manos. No dura 30 segundos, dura 30 minutos. El corto me gusta, no me avergüenza. Tenía ya tiempo esperando la oportunidad de bautizar un pequeño detalle con voiceovers que se ve bonitillo, ya tendré el momento de súper-explotarlo más adelante. Similitudes: No es perfecto, hubo tomas que muy a mi pesar no se pudieron hacer por cuestión de tiempo. Sonidos repulsivos. Imágenes fuertes. Hombre solitario llorando. El equipo de producción fuimos 3 personas.

La dinámica de grabación fue la misma de siempre (antes había trabajado esto con Adrián Durazo). Normalmente quiero el full, medium y detalle de la misma secuencia, y ahí quienes realmente trabajan son los fotomen (en este caso la foto la hicieron, en su mayoría Mr.O y Sergio Valdéz cuando no estaba frente cámara). Me gusta handheld y el foco como si uno anduviera borracho. Entonces usando sus preciosamente-artísticos ojos se avientan un freestyle seguimiento de la secuencia en los 3 planos. Pase lo que pase, en la edición yo encuentro como levantar y darle su lugar a esa chamba de foto. Tambien espero es que la gente no se quede muda evitando comentar sobre la obra al momento en que ésta concluya.

Por la premisa del concepto podemos decir que pertenece al cine de género ¿Qué ventajas/dificultades/emociones significa para ti una realización de este tipo?

En cuanto a emociones es sumamente rico poder trabajar una historia en la que se pide a gritos momentos emocionalmente explosivos. Me encanta trabajar con los las dos emociones a las que debemos nuestra evolución como raza: El miedo, y su causa directa, la ira. El cine de género te permite plasmar ambas en su forma más cruda. Las dificultades yacen en lo frágil del mismo género. Es complicado, o mejor dicho, es muy sencillo que una historia como esta te salga mal. Y pase de generar incertidumbre existencial a dar risa. Es muy fácil dar vuelta en el lugar erróneo y hacer algo quesozo, chistosón, más cuando adaptas una idea en 2 días, preproduces otros 2 y en 6 días más grabas y editas. Si yo fuera el que fui hace 4 años diría que fue un volado. Pero no lo fue, salió gracias al equipo e interés que armamos Sergio Valdez, Mr. O y yo. Las ventajas se reducen a que no estoy inventando nada en sí, se encasilla solito a cine de género, no será visto raro, y por ello ya tiene brazos y puertas abiertas en muchísimos lugares. Será invitado a cenar a casa, irá al fondo a la derecha, le darán posada en diciembre. Entonces ya hay todo un público sólido y fuerte esperando ver más y más de estas historias.

¿Qué metas tienes con Zilema? Además de que gente lo vea supongo ¿A dónde te gustaría llevarlo?

A diferencia de proyectos pasados tengo la sensación de que éste es un producto completo, que vale la pena mostrarse en donde se deje ser mostrado. Entonces sí, que la gente lo vea, pero principalmente funcionaría para mí como el pitch para un largometraje. Entonces si hago bien mi trabajo esto tendría que ser un largometraje en el futuro, ojala y cercano.

En general, ¿Cuáles son tus metas personales con la realización de cine/video?

La meta principal es dirigir mis guiones. Hacer películas. Tengo este (el de largo) y otro guión con potencial a trilogía. Y varias ideas centrales para otras historias que me gustaría ver hechas película en el futuro.

¿Dónde vas a exhibir Zilema próximamente? ¿Planeas someterlo a festivales?

La idea es festivalearlo hasta que se caiga en pedazos. Próximamente estará el mismo día 30 de Octubre tanto en El Vampirascopio ~~como en el UABC Filme Festival (Si es que los dioses del festival así lo quieren y es seleccionado para la muestra final).~~ [1]

¿De dónde salió el presupuesto que utilizaste en su producción?

En efectivo: De mi bolsillo y el de mis señores padres. Aproximadamente unos $400 pesos. Bueno $750 en total si contamos el día que no fui a dar clases de inglés a la prepa donde trabajo para poder editar el corto a tiempo.En especie: Del bolsillo de Sergio Valdez y Mr.O, que gastaron en gasolina, casi nos terminamos el botecito de sangre falsa que tenía Sergio para los close-ups. Con el tiempo que le dedicaron pudieron haber trabajado en otra cosa y ganado dinero. Agregándole un dinerillo extra por las provisiones para la noche interminable de edición/musicalización/grabación de narraciones. Pues terminó metiéndose unos sólidos $1,000 pesotes a todo el corto, contando todo de todo. Pero por como se dispersaron los gastos no se sintió.

Fue prácticamente un Recortos 48 con límite de tiempo de 30 min por proyecto y por lo mismo de tener que sacarlo en una semana, ni ves el dinero. Ni tienes tiempo de gastar más y te obligas a sacar todo el jugo posible a lo que tienes. Claro, absolutamente nadie ganó ni fue gratificado económicamente por su labor en el corto. Esto es en lo que realmente se va el dinero cuando uno trabaja profesionalmente.

¿Cómo fue colaborar con otros masters del cine/video local como son Sergio Valdez y Julio Pillado?

Si no fuera una chulada no hubiera sucedido. Jamás me embarcaría en algo tan intenso con gente con la que no me siento completamente cómodo y respeto y tengo la vaga impresión de que por igual me respetan a mí. En el caso de Julio, lo secuestramos de casa de su mamá un lunes a media noche y nos sacó de un problemón porque necesitábamos a un actor. Julio siempre está dispuesto a ayudar y siempre estaremos dispuestos a obligarlo a ayudarnos.

Sergio se la aventó pesada-heavy-pesada. Fue el actor principal, productor poniendo cámara y luces y se reía cuando les decía “terminamos como en 40 min esta secuencia” y en realidad eran más de 4 horas. En su lugar muchos me hubieran pateado entre las piernas, hubieran murmurado algo raro a mis espaldas o simplemente se hubieran sentido incómodos. Además Sergio prácticamente fungió como D.P. para las tomas que requerían de iluminación específica. Oh sí, y se encargaba de grabar el audio cuando se requería. Se aventó un paquetote gigantesco y de qué manera.

Y más que necesario es mencionar a Mr. O (Ambiente/Ciencias Naturales), que se aventó toda la fotografía y que junto a Sergio nunca se cansó de meterle ideas y ganas al corto, proponer tomas, y soluciones a necesidades de la historia. Alex (Mr. O) hizo la musicalización de la media hora del corto. Sergio desde el inicio me proponía que esto se hiciera, y con mucha razón. Yo ya había hablado de la musicalización con Sebastián Samaniego (Hong Kong Blood Opera), con el cual siempre he querido trabajar en algo personal desde hace mucho, pero esto fue antes de que yo adaptara el guión, y de que supiera de cuanto tiempo sería, y cual terminaría siendo el tono del corto. Cuando terminó por ser tan largo, y un tono más melancólico que terrorífico, con tan sólo unos días para entregar un corte final, se me imposibilitó pedirle a Sebastián que desde México se pusiera a escribir media hora de música sin haber visto el corto y como balde de agua. Mr. O, que había estado involucrado totalmente en el proyecto, escribió sobre las imágenes del corto todo el score la noche antes del corte final. Quedo perfecto, como sucede con las buenas sonorizaciones, no sería el corto que es sin la música. Lo levanta como pastillita azul. Y para acabarla también salió actuando, y se dejó que le vaciara sangre directo al ojo. Puro trooper.

¿Y qué opinas del trabajo de estos mencionados realizadores?

Bueno, antes que nada, nadie hace ni podría hacer lo que hacen ellos dos, claro, por distintas razones cada uno, cosa que puedo decir de al menos otros 4 realizadores de Tijuana.

A Julio Pillado podría uno atacarlo todo el día sobre técnicas y reglas, cuando es claro que su trabajo es más prolífero en creatividad que el de cualquiera de nosotros. Y lo sé por lo siguiente: Julio no está intentando simular algo, no se está matando por crear cosas incomprensibles para los mortales, ni es su intención ni interés la reacción de la gente. Cuando ves su trabajo lo ves a él, su sentido del humor. Utiliza el video como un hábito personal de recreación y a veces eso es lo que se nos olvida que debe ser la base de nuestra profesión. A veces puede uno ponerse muy tenso respecto a estas cosas. Hay que pasarla tranquilos.

De Sergio Valdez, salta y te golpea en la cara la técnica en sus trabajos, y es de los pocos que tienen definida una estética visual personal que sea totalmente funcional a la narrativa. Antes de conocerlo tenía la impresión de que como los mios sus trabajos eran más experimentales que narrativos (claro, solo que más serio-dramáticos). Ya después de conocerlo y por igual conocer su trabajo en producción (Once Upon a Time in Tijuana) pude hilar muchos de sus trabajos a lo que es una historia bastante compleja y bien construida que ya después conocerá todo mundo. Otra cosa que puedo decir es que Sergio sabe exactamente lo que quiere de la producción, y sabe a dónde quiere llegar, y a veces eso es lo más valioso o lo que realmente separa a alguien que la hace, de alguien que no la hace en este negocio.

A nivel personal, siento que la producción de audiovisuales en la ciudad ha disminuido un poco. Salvo algunas series web y largometrajes que aún les queda un montón de producción, tu corto lo veo como un intento ambicioso de darle nueva vida a la escena. ¿Qué podrías opinar sobre la situación audiovisual en Tijuana actualmente?

Bueno creo que los realizadores de los que estuvimos viendo trabajos los pasados años ya andan en cosas más exigentes y por lo mismo demorándose más en presentar a público resultados de ello, ya que andan en pre-pro o post de sus proyectos largos, medios y series.

Lo que pienso que está pasando es que no existe el mismo interés o necesidad de crear por parte de nuevas generaciónes, pareciera que en estos años se formaron públicos más que realizadores, quizás y no existe la conexión con los más jóvenes por nuestra parte. Entonces quizás y ha disminuido la producción porque han disminuido los prospectos a realizadores. Antes había más productoras que enfilaban jóvenes a sus equipos y con ello despertaban el interés por producir. Había talleres que involucraban a un puñado de muchachos y les mostraba como podían hacerse las cosas. Los colectivos buscaban que en sus producciones trabajaran estudiantes. Sí hay talleres, más que antes y si hay aproximación a jóvenes, pero creo que no hay una conexión con ellos, ya no hay apadrinamiento por nuestra parte. Se muestra mucho del trabajo a ellos, pero creo que el error está en impresionarlos, creo que debemos hacer lo contrario, desenmascarar la producción y que se den cuenta que cualquiera puede hacerlo, e incluso hacerlo mejor que nosotros. Bueno con excepción del 3D de Álvaro Zendejas, ahí sí hay que echarle ganas.

Pero solo es etapa de sequía ya verás, al rato no vas a saber que hacer con tantas cosas.

¿Algo más que te gustaría comentarle al público cinéfilo que esté leyendo esta entrevista?

“When love and skill work together expect a masterpiece” - John Ruskin

Gracias a Jorge por su tiempo. Más info sobre su trabajo en: www.jorgeisanders.neositios.com

[1] El cortometraje Zilema no fue seleccionado para el UABC Filme Festival. Nota aqui.

Jesús Brijandez - miercoles, 20 de octubre, 2010
Sigueme en twitter @Brijandez

Dogtooth

2010-08-02T01:32:00.000-07:00

por Jesús Vázquez

Creo que puedo declarar con certitud que en mi vida nunca matare a nadie. Mientras no puedo garantizar que algún sujeto NO va atravesarse frente a mi carro en la vía rápida, SI puedo garantizar que no me levantare un dia a matar a mis vecinos con un martillo. Lo se porque fui criado por mis padres.

No hay nombres. Un hombre vive en aislamiento con su esposa e hijos (dos mujeres, un hombre). Los padres le enseñan a sus hijos que más allá de los límites de su propiedad, hay un mundo lleno de gatos carnívoros. El mundo es un lugar peligroso. Los papas funcionan como un filtro entre el mundo externo y el hogar. Les dan lecciones de vocabulario de la siguiente manera: “Mar es el sillón café en la sala.” Los jóvenes (a principio de sus 20s), han entrado en una etapa difícil, y los padres con tal de saciar las necesidades sexuales de su hijo, deciden emplear asistencia externa. Para personas preocupadas sobre el efecto del mundo externo en sus hijos, parece haber poca preocupación con este intruso. Los chicos no parecen entender el concepto de encarcelamiento. Tal vez la madre si.

Lo que tenemos aquí es una película con cero exposición. En una época en donde las secuelas parecen no tener fin, en donde las películas insisten en explicar todo lo que sucede mientras sucede, esto resulta audaz. Esta es la razón por la cual al comparar Dogtooth con el Castillo de la Pureza (Arturo Ripstein), o hasta con The (fucking!) Village (shyamalamadingdong), Dogtooth parece ser más perversa. Solo hasta este momento, se me ocurrió el incesto en el contexto de The Village. Si M. Night no estuviera preocupado con mostrarnos que es el próximo Hitchcock, tal vez hubiera hecho algo tan importante como Dogtooth. Retrospectivamente, Dogtooth hace The Village ligeramente más interesante.

Tras ver esta película 5 veces, comienzas a ver cosas nuevas. Comienzas a ver capas. Comprendes el porque de muchas cosas, pero no el PORQUE principal. Aun así no creo que sea necesario saber. Si la sociedad, la civilización, es en efecto basada en la supresión de instintos ¿Que sucederá cuando restas a la sociedad de la misma ecuación?

Puedo decir con certitud que en mi vida no matare a nadie. Tampoco intentare hacer zombies de mis victimas, taladrando agujeros en sus cráneos. Lo se porque no tuve los papas de Jeffrey Dahmer. Pero a pesar de todo, puedo apreciar cuando los padres explican: “A cunt is a large lamp”.

Jesús Vázquez - lunes, 2 de agosto, 2010

Avance de Dogtooth:

Comic-Con 2010

2010-07-26T21:35:00.000-07:00

por Roy Villalpando

Es común que disfrute ir a la convención de cultura popular más grande del mundo (las de Nueva York y San Francisco debido a su costo de estancia y la limitación de espacio no se comparan a la de San Diego). Cada año es mas masiva y cuando me refiero a masiva es por su excesiva asistencia, extrañamente los boletos no se agotaron tan rápido como el año pasado (una semana antes del evento, había boletos para el domingo, y el año pasado dos meses antes se agotaron todos los días.

La Bella y Roy

"Halloween de verano", como le dicen los ciudadanos de San Diego a esta convención, es también un pretexto para sacar al superhéroe que todos llevamos dentro y romper con nuestra rutina a la Kick-Ass (película muy recomendable), pero aquí se disfruta ver la creatividad en nuestras vestimentas, algunos llevan sus trajes baratos pero se puede admirar la gracia y creatividad, otros llevan trajes bastantes elaborados y que reaccionas con un gesto de impresión en instantes al verlos. También hay lujos para ambos sexos ya que algunos llevan atrevidos atuendos.

La portada de EW anuncio a Linterna Verde pero entre los próximos estrenos están: The Other Guys, Scott Pilgrim vs. The World dirigida por Edgar Wright (famoso por las comedias inglesas Hot Fuss y Shaun of The Dead), The Expendables (fantasía de fanáticos de los filmes de acción), Piranha 3D, Machete, Resident Evil: Afterlife, Legend of the Guardians: The owls of Ga'hoole (si, el director de 300 y Watchmen tuvo una grandiosa idea de filmar una película con lechuzas luchadoras), Red, Saw VII, Megamind, Skyline, Harry Potter and The Deathly Hallows: Part I, Los viajes de Guiliver (de las primeras obras de anarquía en la historia), The Chronicles of Narnia: The Voyage of the Dawn Treader, Don't be Afraid of the Dark, The Green Hornet, Drive Angry 3D, la próxima entrega de la serie Alien, Jackass 3D y la mas anunciada por todos lados, Tron Legacy.

Me encontré con avances de filmes que no fueron de la atención del público como son las versiones CG de los pitufos y el oso Yogui, lo cual me provoca lastima ya que estas películas solo funcionan a veces en taquilla y se desperdicia producción de crudo para poder venderlas en DVD y como nadie las quiere comprar, pues andan dando vueltas por todo el mundo rechazadas y contaminando nuestro planeta.

Mi gran emoción al igual que gran mayoría de los asistentes fue Tron Legacy, porque sinceramente soy fanático de la primera. Yo veo al cine como una mujer y si te tuviera que describir a Tron como una mujer te diría: ''Oh, pues fue una mujer hermosa y sin nada en su cabeza'' ¿Por qué? Porque el guion es un reverendo asco pero me engancho en algo que no cualquiera lo hace (en los efectos visuales) y desde que la vi cuando mi padre la rento hace unos 8 años, pues le tengo afición a todo lo que es neón y me introdujo a algo que en estos momentos me tiene muy interesado (realidad virtual). Disney uso la arma más grande actualmente en el cine; la nostalgia, y lo logro conmigo. Hice una fila para poder entrar a una fila y comprar un paquete que incluía una recreación de la consola de los 80’s de Tron con lucecitas y una figurita de acción del nuevo filme, los cual lucen bastante bien junto a mis bocinas de neón azul de mi computadora. También algo que me tuvo sujeto a esto fue la mercadotecnia de la película, la cual será atractiva para mi gusto.

Al parecer Avatar ya es todo un referente de nuestra cultura popular, ya que se noto la presencia de cosplay, memorabilia, arte conceptual y productos a la venta, también vi algo sobre una serie de comedia producida por Seth Rogen de la guerra de la galaxias que causo mucha controversia, la más grande era: ¿Porque el señor Lucas necesita más dinero para su jubilación y esta cuando va empezar? La versión de Michel Gondry de ''el avispón verde'' parece una película taquillera común, a lo mejor se sacara algo de la manga pero hasta el momento no logra convencerme.

La asistencia de famosos estaba entre Stan Lee, Angelina Jolie, Silvestre Stalonne, Liv Tyler, el cast de la saga Crepúsculo, Seth Rogen, Dany Trejo, Bruce Campbell, Guillermo del Toro y otros glamurosos artistas, lo cual no fue de mi interés, mas que Del Toro (el cual me decepciono frente mi cara), también hubo una excesiva asistencia, dejándome agobiado y sin querer saber mas de este evento, igual que el rumor de la presencia de Daft Punk en Tron Legacy. Una decepción. En fin.

Roy Villalpando - lunes, 26 de julio, 2010
facebook.com/perro.hombre.estrella

Avance de Tron Legacy:

Inception

2010-07-24T15:01:00.000-07:00

por Joey E. Muñoz

Cada par de meses sale una película con tanto hype injustificado que crea una expectativa de excelencia, y si en verdad no es excelente, el público no logra aceptarlo. Vamos a aclarar algo, nunca he tratado de ser la persona que arruina la fiesta diciendo “alguien orinó en el ponche”. Todos saben que el ponche tiene orines, pero por alguna razón lo niegan. Supongo que no ha de saber tan malo mezclado con tanta azúcar. Otra cosa que aclaro antes de empezar, la película me gustó, soy uno de ustedes. Ahora hablemos de lo bueno y de lo no tan bueno.

La premisa más original del verano, es verdad: Un grupo de personas que entran a los sueños para sacar información son asignados para meter una idea a la mente de un empresario. El líder de este grupo ganará el derecho de ver a su familia si logran el objetivo. Christopher Nolan trabaja este concepto dentro de lo seguro, su visión de los sueños funciona de tal manera que un extraño al sueño nunca lo podría distinguir de la realidad. Los sueños no son surreales, más bien son imitaciones de la vida, donde todos portan traje y se ven muy apuestos. Honestamente, si mis sueños fueran así me daría miedo dormir por el aburrimiento que me espera. El sueño no cabe en el mundo real y viceversa, pero la película logra hacer que ambas cosas lleguen a ser lo mismo.

Pero estos sueños no son aburridos, están llenos de acción y riesgo, solo que sí son muy fríos y meticulosamente planeados. Algo así con el guión, el cual se ata al concepto de robasueños, haciendo cada vez más difícil la progresión de personaje. Es chistoso como uno puede imaginar que entrando al subconsciente (término muy utilizado en la película mas no utilizado en la psicología moderna) uno puede conocer mejor al personaje, pero el personaje no es una entidad metafísica, es carne y hueso, un cuerpo, y ese cuerpo permanece inmóvil durante gran parte de la historia. Por otra parte, Nolan es muy bueno en estructura, y logra que cada momento, cada efecto y cada cambio mantengan al espectador despierto y atento. Atención, otra palabra clave que me dijeron que necesitaría para disfrutar la película, pero no es tan complicada, está convoluta.

Entrando a lo técnico, Inception tiene una serie de efectos maravillosos de ver, casi siempre atados a la gran trama. La cuestión de la edición es la misma que The Dark Knight, un desmadre. No al punto de ser incomprensible, pero hay cortes muy fuera de lugar que están insertados por cuestiones de ritmo y truquear golpes o stunts. La música de Hans Zimmer es bastante buena, pero si se fuera a ver la película con puro track de música nunca habría silencios. Es una cuestión de menos es más.

En general la película tiene muchas similitudes a Matrix, es inevitable hacer comparación. Una ocasión vi un poster de Matrix que decía: “Alguna vez leí el prólogo de un libro de filosofía”, en este caso podría llamarse: “Alguna vez platiqué con un psicólogo New Age”. Esto no es malo, aunque parezca burla. El hecho que Hollywood le dé oportunidad a estas películas con cimientos en ciertas ciencias o filosofías, es algo para celebrar. Inception no es la gran odisea cinematográfica, pero es un blockbuster muy efectivo que propone buenas ideas, por más simplificadas que estén. Un buen elenco, una buena premisa, grandes efectos y enredos de trama que solo significa “verano”. Por más fría que sea la ideología de Nolan respecto al mundo de los sueños, se le aprecia que haya extendido un concepto nuevo a lo que parece ser su máximo esplendor. Nadie tratará de imitar lo que hizo, pero prefiero que se hubiera dedicado a hacer Batman 3.

Spoiler Alert: La última toma es la manera en la que Nolan le dice a su audiencia “Llevamos aquí dos horas y media, ¿Quieren un final apropiado?” Y le saca el dedo a toda la sala.

Joey E. Muñoz - sábado, 24 de julio, 2010
Publicada originalmente en cinedetucora.tumblr.com

Trailer:

Iron Man 2

2010-07-21T15:27:00.000-07:00

Robert Downey Jr. regresa con uno de los mejores personajes, no solo interpretados por el, sino del mundo comic trasladado a la pantalla. No hablo necesariamente del Iron Man, la armadura rojo-dorada, ya que me da la impresión es solo un medio para un fin. El fin de Tony Stark para satisfacer su ego. Parece que la paz mundial o los actos desmesurados de guerra le van y le vienen. Mientras signifique fama, fortuna (que no necesita, ya que seguramente contratar, y entrenar, a las iron vedettes ha de costar lo mismo que alimentar a 50 familias) y tener el spotlight mediático son suficientes recompensas. Lo cual esta bien para variar, ya que uno se cansa de heroes que “realmente” les importa el bien común.Tomemos a Batman por ejemplo, otro millonario que se daría un tiro con Stark. Oscuro y con un pasado tenebroso, su apariencia vampirica es algo contrastante con su lucha diaria contra el crimen de ciudad Gótica. ¿Le importa de verdad? Se puede argumental que Bruce Wayne también opera en un sistema del yo, donde con cada criminal que apresa esta resolviendo su propia venganza, al menos en su trastornado interior. Pero, como todos los egos, nunca serán satisfechos.

En esta ocasión el villano Ivan Vanko, interpretado por Mickey Rourke, personaje que prometía mas en los avances, pero en la totalidad del film me ha parecido que se queda corto, aunque siendo sinceros, metiendo a Batman de nuevo (y por ultima vez) el Joker de Heath Ledger nos arruino, con su genialidad, a los villanos de comic. Al menos Rourke cumple bien la función de demostrar que Tony Stark, y su ego, aun con disfraz de hierro, son vulnerables. Uno de los puntos que más amé de la película es la relación sentimental que existe entre Tony y Pepper Potts. Gwyneth Paltrow y Downey Jr. tienen una dinámica pocas veces capturada en cintas que no están enfocadas principalmente en la love story. Incluso se puede decir que no existe una love story per se, ya que los personajes sostienen un romance encubierto, casi familiar, donde existen insinuaciones eróticas y a la vez parecen solo un par de amigos unidos, mas allá de su evidente atracción (o incluso un pasado/presente sexualmente activo), por un vinculo indescriptible para la sociedad moderna. En fin, tal vez solo tenemos a un par de buenos actores, que llevan la sutileza del amor implícito a otro nivel.

El segundo punto bueno de Iron Man 2, para mi, no para los espectadores que tuve a mi lado durante la proyección, es la subdosis de acción que la película entrega. Mi favorita es la secuencia de acción cerca del final que visualmente es maravillosa, aunque me quedo mas con cualquier pelea de District 9, el realismo de la falsa cámara “real” es cada vez más convincente. La movie en general se siente como un planteamiento para una posible (ya oficial) Iron Man 3 o para The Avengers, pero esto la forzó, claro está, gracias al director Jon Favreau y su cast top of the pops, a enfocarse en lo que Hollywood regularmente deja de lado en sus meta-producciónes: El desarrollo de personajes. La mayoría parece caricatura, pero lograr buenas caricaturas no es trabajo fácil, y vamos, Samuel L. Jackson siempre hará cool una película (excepto las secuelas Star Wars, esas nadie la salva), más cuando hay tenues homenajes a Shaft y a Pulp Fiction. Me gustaría decir lo mismo de Scarlett Johanso n, pero vestirla en un sexy outfit no compensa por una aparición casi inexistente que, si no fuera por lo mismo que Johannson es una mamacita, habría que demandar al sujeto que le dio el papel.

Iron Man, como la mayoría de los super-héroes de la historieta norteamericana, nos sirven para dibujar símiles entre ellos y los ideales de supremacía, el auto-inducido sense de hacer el bien, mediante la guerra, del gobierno americano. Iron Man es un arma. Una herramienta que destruye. Un artefacto tecnológico que mediante la destrucción, y seguramente la muerte, logra la paz en el mundo. Son las tácticas de miedo. Un mensaje así como: No te metas con USA o te persigue el Iron Man. Claro, la película no intenta ser patriota intencionalmente, al parecer. Son ideas que, como en México con el catolicismo o el machismo, se vienen enraizando de generación en generación. Menor en las que siguen, pero inducción formativa al final. Los villanos para la película, son los extranjeros, en especial los rusos, para variar, pero el ojo entrenado, notara que la nacionalidad es indiferente. El terrorismo es cosmopolita. Hasta abarca a los robots. Sin revelar mucho del final, los droides de la expo Hammer sirven para recordarnos esto.

¿El fin justifica los medios? Iron Man dice que si. Lo que me da miedo es desconocer ese fin.

Jesús Brijandez - miercoles, 21 de julio, 2010
Sigueme en twitter @Brijandez

El Vampirascopio

2010-05-17T00:51:00.000-07:00

Por Adrián Rodríguez

Esta entrevista fue publicada originalmente en otro medio. Aqui la reproducimos para ustedes.

Además de ser un gran aficionado al séptimo arte, Jesús Brijandez es el fundador de un interesante proyecto que se lleva a cabo en la ciudad de Tijuana desde hace un buen tiempo. Este proyecto consiste en un club de cine, en el cual son proyectadas películas del género de terror o fantástico; pero las películas mostradas no son filmes comunes, sino aquellas cintas que no llegan a las salas comerciales a causa de la poca distribución que reciben. Las proyecciones, previamente programadas y disponibles en el sitio oficial, son llevadas a cabo un día de la semana en un lugar establecido. Bezeta, nombre con el que comúnmente se le conoce a Jesús Brijandez, nos explica más a fondo en qué consiste este proyecto y nos comparte un poco de sus ideas sobre el cine en la actualidad.

¿Cómo podrías definir al Vampirascopio?

Es un evento que sigue la línea más o menos de un cine-club, donde la idea es proyectar películas semanalmente. Lo que quizás lo hace diferente a los demás, es que trabaja en los géneros fantásticos como terror, sci-fi, fantasía. Géneros que no son muy promovidos en la región, al menos no por otros cine-clubes.

¿Qué te impulsó a crear este cineclub?

Una, que siempre me han gustado las proyecciones alternativas a las oficiales que pudiéramos encontrar en los cines comerciales de Tijuana. Creo que en los cine-clubes es donde la gente puede tener un contacto con películas, no sé si mejores o peores, pero al menos con propuestas no tradicionales. Y dos, pues que no había alguien específicamente exhibiendo películas de estos géneros y me parecía importante que se vieran películas de este tipo.

¿Cuánto tiempo lleva este proyecto y qué tanto ha cambiado desde su inicio?

Existe desde septiembre del 2008 y ha cambiado de locación un par de veces. Básicamente sigue la misma línea, mostrar una película por semana, pero ya se ha unido más gente detrás del proyecto, mostrar cortos de realizadores locales. También se está intentando hacer una revista por internet especializada en los géneros ya mencionados. Es como crear unos sub-proyectos basándose en el concepto principal de lo que es el Vampirascopio

¿Por qué cine fantástico y de terror, y no otro género que de igual manera no se promueve tanto?

Para mí los géneros menos explorados en la zona son el terror y la comedia romántica. (Risas). Pero, fuera de que no sean promovidos mucho, que si es una de las razones principales por las que decidí hacer esto, es porque me gustan. Me parecen géneros libres y que permiten de todo. Siempre han estado presentes, desde los inicios del cine mismo, con experimentadores como George Melies u obras como Nosferatu o el Gabinete de Caligari, es parte importante para la evolución del cine y para los espectadores y posibles realizadores que sigan viendo estas movies.

¿Qué esperas del Vampirascopio a futuro?

Varias cosas. Que se posicione como un evento importante en el mapa, al menos en el noroeste del país. La tirada es hacer un festival de cine con todo esto, además de la revista que te mencionaba. En México hay solo un par de festivales de terror importantes: Macabro Festival y Mórbido. Nos gustaría unirnos a ese grupo con un festival que se considere importante dentro de los géneros. También estando tan cerca de los EUA, donde este tipo de cine si se promueve más, igual es interesante las conexiones que se pudieran hacer allá.

¿En qué te basas para seleccionar las películas que muestras?

En si no tengo una regla muy específica, solo que sean de años recientes, ponle del 2008 hacia el presente, aunque ocasionalmente ponemos clásicas. Ya depende si me ha gustado la película, si me parece importante que la vea la audiencia, a veces no me gusta mucho la movie, pero algo tiene, que considero que valdrá la pena que se proyecte. Básicamente es eso.

¿El nombre del cine club tiene algún significado en específico?

La palabra no existe, de hecho si la pones en Google te saldrán puros resultados del cine club, pero la hice de la unión de dos palabras: "Vampira", que significa vampira y el sufijo "scopio" que significa "instrumento para ver" como en microscopio o telescopio. Así que se puede decir que un Vampirascopio sirve "para ver vampiras", que viene siendo la intención del cine club, poner cine no solo de vampiras, pero es para englobar el terror y lo fantástico como zombies, hombres lobo, monstros, etc.

¿Has tenido dificultades con el proyecto hasta ahora?

Sí y no. Va creciendo en audiencia y gente lo empieza a ubicar más pero ocasionalmente surgen cosas. Lo económico por ejemplo, que no tenemos patrocinios y toda la lana sale de nuestras bolsas. Así como un día nos va súper bien, al otro ya estamos batallando por recursos para conseguir las movies o el transporte, cosas por el estilo

¿Hay alguien más que te ayuda a llevar a cabo el evento o eres solo tú?

Si, se puede decir que yo fui el fundador, pero desde mediados del 2009 se unió una compañera que me ha ayudado bastante con lo que es la promoción y difusión del cine club. Nosotros dos nos aventamos la base del trabajo del proyecto y los proyectos alternos que esperamos se deriven de esto. Ya luego hay eventos donde otros toman fotos o graban video, cualquier mano extra es importante para el Vampirascopio.

¿Consideras el cine en general un arte o simple entretenimiento?

Pues yo creo que puede ser las dos cosas ¿Por qué no? Es el arte de entretener o entretener por medio del séptimo arte. El proceso creativo del cine, comercial o no, siempre necesita las sensibilidades "artísticas" de un creador, pero si hay mucho cine que su labor es solo sentirse como una montaña rusa, lo cual también tiene su chiste, lo mismo que no quiere decir que una película de la nueva ola francesa, le pueda parecer aburrida a un espectador “X”, pero un cinéfilo puede ser entretenido por ella. Así que diría que de las dos.

¿Crees que los jóvenes deberían ver más este tipo de cine?

Buena pregunta. No lo sé. Un cinéfilo joven sí, hay mucho cine especializado, de muchos géneros y países, y creo que un amante del cine o con deseos de ser cineasta si debe ver de todo lo que hay, aunque sea de referencia solamente, eso lo ayudará a ser más crítico y no estancarse en su “trip” individual. Pero a la juventud que el cine le resulta solo un pasatiempo, si le recomiendo que viva en su tiempo, no tiene nada de divertido estar haciendo regresiones al pasado. Vean Twilight nomás.

¿Cuál es tu película favorita de terror?

A estas alturas, después de ver tanto, creo que ya no sé, pero la película que me inspiró bastante en el cine de terror, cuando iba en la secundaria fue Night of the Living Dead de George Romero. Con ese estilo medio sucio y en blanco y negro se metió en mi cabeza y no me ha dejado desde entonces. De lo más nuevo Martyrs es una película que cambia bastante la idea del terror moderno y me parece grande como para la historia.

¿Algún comentario que quieras compartir?

Visiten El Vampirascopio o mínimo chequen por internet nuestras carteleras y consigan las movies y véanlas aunque sea en su casa. Conozcan el nuevo cine fantástico, o el cine en general. Para mí lo más bonito del cinema es cuando el acto de ver una película se convierte en una experiencia que pudiera marcarlos para siempre. Donde sentarse a ver una película, traspasa de la pantalla, para convertirse en parte de sus vidas.

Visita: vampirascopio.org // Sigue al cine club en facebook & twitter

Adrián Rodriguez - lunes, 17 de mayo, 2010

Omar Oltra y El Tesoro de C.H.

2010-03-04T12:15:00.000-08:00

En nuestras dos previas entrevistas (Sánchez y Valdéz) hemos visto específicos esfuerzos de narrar a una ciudad como Tijuana dentro del cine actual a partir de puntos de vista muy distintos (cortometraje y serie web) pero siendo siempre, y es ahí donde entra nuestra relevancia, dentro del genero fantástico. En esta ocasión nos lanzaremos hasta un poco de historia en proceso.

Desde Todos los Viernes son Santos (Info en CeroBudget) de Héctor Villanueva en 1996 la ciudad no ha hospedado un largometraje enteramente a cargo de una producción local. Hace más de catorce años. Tijuana es perpetuada por los de afuera que vienen a observar y son muy pocas las obras que salen de aquí contando nuestras propias historias. Nortec podría ser el ejemplo mas claro dentro de la música, que aun con su acompañamiento audiovisual, el cine, como lenguaje pertenece a una complejidad distinta.

Es muy común que el individuo local se sienta orgulloso de Tijuana, en general creo que pertenecemos una sociedad fundamentada en el orgullo a “lo que nos pertenece”. Omar Oltra vive esa historia y defiende a la ciudad con su pasión principal, el cine. Un largometraje fantástico llamado El Tesoro de C.H. En palabras del mismo Oltra, y sin poner aparte la intención clara de entretenimiento, esta el esfuerzo por cambiar o situar en un distinto contexto la realidad tijuanense, a través de un túnel del tiempo. La película de Omar esta siendo ambientada a principios de los años 30’s en una joven ciudad, que desde siempre ha sido golpeada, y que golpea de vuelta, gracias a los medios. La ciudad del pecado. La ciudad sin límites. Sin fronteras. En la era de la prohibición aquí lo prohibido era libre. Sigue siendo libre, al menos en el consciente colectivo del mundo. Tequila, sexo y marihuana, ¿Recuerdan?

Que si lo es o no, que si debemos ignorarlo o hacer algo al respecto, ya son juicios de valor que no me corresponde tocarlos. El mensaje de Omar Oltra es claro “Me gustaría llegar a todas las personas posibles para enseñar a través de una historia simple, que tenemos un pasado fabuloso, exótico, de trabajo ardúo, de unidad, de orgullo que podemos proyectar hacía el futuro. Sinceramente creo que los cambios en Tijuana van a venir a través de los ciudadanos, no de los políticos.”

Omar es un ciudadano que contribuye con su cine, tanto en la situación social-política de la región como con el aspecto económico que implica una producción cinematográfica. A continuación la entrevista completa realizada por correo electrónico (intervista) con el realizador.

Antes que nada, gracias por tu tiempo. ¿Por qué no nos cuentas primero una sinopsis de El Tesoro de C.H.?

Un día de verano de 1931 aterriza una avioneta de carga en el aeródromo del Hotel Agua Caliente. En ella viene una arqueóloga y un rudo aventurero español –cuya única ocupación es velar por la seguridad de la chica- La joven posee información muy controversial y cuestionable sobre el paradero de un tesoro que prácticamente se considera mito.
Pero todos los mitos en alguna medida surgen de hechos verdaderos transformados por la visión y fantasía de quienes los adoptan. Así pues, los exploradores tendrán que ir enfrentando los obstáculos que los llevaran a definir si el tesoro es o no ficción y si esta en sus manos descubrirlo.

¿De donde surge la idea para este proyecto?

A mi siempre me han gustado las películas épicas de exploradores en busca de tesoros. Yo mismo naci en un pueblo (enclavado en la sierra norte de Puebla) donde ibas a caminar a los cerros y encontrabas pequeñas piezas de barro o figuritas prehispánicas. Posteriormente cuando llegué a mi ciudad adoptiva Tijuana, me fascinaba observar las fotos antiguas de los 30s. Definitivamente Todo eso motivó.

Con ver el trailer, podemos notar ligeras influencias de Indiana Jones o este tipo de cine aventura de época. ¿Cuáles son tus principales influencias en El Tesoro de C.H.?

Si tiene influencias de todas las películas de búsqueda de tesoros que puedas imaginar, desde las más viejas hasta las más recientes. Ese cine fantástico era el que me hacia brincar en las butacas de la emoción.

Galletas (Proyecto previo de Omar) es muy buen mediometraje y, en mi opinión, seguramente pudo haber sido un largo igual de disfrutable. ¿Qué te motivo a realizar ETCH como un largometraje y qué diferencias hubo (o hay) entre el momento que realizaste Galletas y ahora que trabajas en esta película?

Cada vez he tenido la necesidad de contar más cosas en una solo historia, por eso me he extendido en duración. Las diferencias son solo la mentalidad. Con Galletas realmente fue un trabajo que solo quería que vieran mis amigos, sin mayores complicaciones era algo para mí. Con El Tesoro de C. H. es algo que quiero que vean muchas personas. No quiero parecer moralista o fantoche, pero estamos llegando al punto que nuestra ciudad se ha estigmatizado de tal forma, que para muchos es sinónimo de sangre y sexo. Me gustaría llegar a todas las personas posibles para enseñar a través de una historia simple, que tenemos un pasado fabuloso, exótico, de trabajo ardúo, de unidad, de orgullo que podemos proyectar hacía el futuro. Sinceramente creo que los cambios en Tijuana van a venir a través de los ciudadanos, no de los políticos.

En cuanto a los costos de la producción ¿Cómo estas financiando el proyecto?

El Tesoro de C.H. está siendo financiada totalmente de mi bolsillo (y mi masterd card, diría el comercial). Por cierto, cuando leí un artículo en el Sol de Tijuana donde mencionaba que iniciaba con un presupuesto modesto de $250,000.00 pesos, me emocioné pensando –Guau!, tal vez tienen información que yo no sé y hoy o mañana me va a hablar alguien por teléfono con la sorpresa que me quiere financiar. Lamentablemente no fue así. Yo pensaba que solo a la Niurka o al Luismi les pasaba!

Asumo que hay objetivos personales que persigues con la película ¿A dónde esperas o quisieras que llegue El tesoro de C.H.?

Un objetivo personal de mi proyecto como te comenté, es que lo vea la mayor cantidad de gente posible. Espero y quiero que llegue lejos. Como toda buena mamá cuervo, que se prepare, que consiga una buena esposa, que me dé muchos nietos y me mantenga.

¿Qué opinarías si tu película abriera una puerta para más realizaciones locales, o incluso nacionales, dentro de este género que manejas en ETCH?

Sería muy bueno. Ultimamente me ha dado por pensar que en nuestra búsqueda de la profesionalización estamos produciendo menos, en vez de producir más. No estoy a favor de la mediocridad, que quede claro. Pero siento que cualquier cosa –incluso la profesionalización- si te limita, no es bueno. De repente muchos de nosotros no nos aventamos a hacer algo porque no nos sentimos preparados o porque no tiene el Hollywood look.

¿Cómo ves la situación actual en Tijuana en los temas relacionados al cine? Participantes, propuestas, eventos, movimientos, etc…

La situación en general es triste. Si fuera la lana lo que nos mantuviera desunidos, al menos te la paso, pero son los egos. Lo que si, no he visto en ningún otro lado, tanta creatividad, ánimo, tenacidad, dinamismo, calidad y cantidad. En Tijuana estamos pesadísimos. ¡Qué fuerte!

Se que seguramente estas de lleno con la película, pero ¿Qué planes o proyectos has contemplado para el futuro?

Bueno. Hay muchas cosas que me gustaría hacer. Uno es un road thriller que se llama El Clavo o una película de luchadores que se desarrolla en la Tijuana de los 60s. Pero es temprano para decidir. Todavía no salgo de una. Toda mi atención esta en ETCH ahora.

Háblanos de una película que hayas visto recientemente que te haya gustado y por que.

La ultima pelicula que he visto fue The Book of Eli y me parecio muy interesante. Desde que estoy trabajando en la pelicula de ETCH no he tenido mucha lana para ir al cine. Pero básicamente me gusta el cine que me entretiene, no abrigo grandes espectativas. De repente te conmueves cuando te topas con una movie que puedas considerar una experiencia. Tal vez suene raro, pero las peliculas que mas me han motivado son las pesimas peliculas. Las que te hacen pensar que si ese creador pudo reunir los elementos para hacer algo asi y llevarlo a cabo ¿Porque yo no?

Finalmente ¿Que recomendación o consejo les darías a los chicos y chicas que lean esto y estén interesados en hacer cortometrajes o, por que no, un largo?

No soy quien para aconsejar. Pero si hay algo que te puedo decir, cineasta de cualquier edad y experiencia. Nunca dejes de creer. No importa las circunstancias, disfruta tu viaje.

Gracias por tu tiempo Omar.

Con todo respeto para ustedes que leen este blog, estan invitados los que quieran participar en ETCH. Necesitaremos algunos actores en papeles breves y extras. Muchas Gracias.

Informes a: omartrejooltra@hotmail.com

Jesús Brijandez - jueves, 4 de marzo, 2010
Sigueme en twitter @Brijandez

Shakira y el retorno de las mujeres lobo

2009-10-26T22:15:00.000-07:00

Seguramente la han visto/escuchado aullar por ahí. Flipando por las estaciones de radio pop. Los canales de TV que todavía pasan videos musicales. En el iPod de alguna amistad. De fondo en un centro comercial moderno. Por voluntad propia en Youtube después de que alguien nos contó que Shakira aparece enfundada en extraños atuendos, que a pesar de todo, siguen dejando ver menos de lo que soñamos.

Si no, aquí se los permito debajo:

She Wolf es el nombre del primer sencillo/video musical de la cantante colombiana en su mas reciente álbum. Su traducción literal seria Ella Lobo pero la traducción oficial en su versión al español es Loba. Da igual. Aunque en la letra de la canción, Shakira hace referencia a lo que ella llama la mujer moderna, tiene que ver más con la liberación de la bestia que se esconde en el armario. La fiera que nace bajo la luz de la luna llena y sale a cazar a su victima. La connotación que ofrece la canción es mucho más sexual y tiene que ver con rollos represivos femeninos, pero la tradición de la mujer lobo va más allá de eso.

Desde la mitología romana, al menos por encimita, conocemos la leyenda de la loba que amamanto a Rómulo y Remo, los hermanos fundadores de la ciudad que lleva su nombre. Si, suena como una jalada y probablemente lo sea. Lupa, del latín, significa loba, pero también significa prostituta. Lupanar, que significa nido de lobas, también era una forma de llamar a un burdel. Viéndolo así, tiene más sentido que una prostituta haya sido quien crió al par que erigió Roma. Pero también tiene sentido que hayan optado por eliminar esta versión y dejarlo meramente en loba, el animal.

Hasta el momento hay una posible conexión entre la loba romana y la de Shakira, que se asocia con el prejuicio y la sexualidad femenina. Una mujer que es capaz de ejercer su libido a voluntad, sin las condiciones de la contraparte masculina. Aquí se podría entrar a una discusión mas profunda de moral y cultural que seria interesante debatir en la sección de comentarios al final de esta entrada.

En el cine la presencia de la loba es menos metafórica, no ausente de ella, pero ofrece la ventaja de jugar con lo grafico. En las películas la loba deja de ser meramente un encubrimiento fantástico o una actitud sexual. Aquí realmente, al menos “real” en términos de la ficción, se convierte en una loba, esto es, tomar la postura de cuatro patas, crecer pelo en todo el cuerpo y colmillos afilados. Cazar a la victima para saciar su hambre o por la belleza de desparramar sangre.

Las lobas del cine

Hay dos ejemplos iniciales donde el termino She Wolf hace su aparición. En un western de 1919 y en un drama basado en eventos reales de 1931. El primero es sobre una protectora pistolera que odia a los hombres, solamente conocida bajo el apodo de She-Wolf , interpretada por Texas Guinan. El segundo es sobre la vida de Hetty Green, una heredera millonaria que existió en realidad. Hetty era conocida por tu tacañería. Solo poseía un vestido negro y no compraba otro hasta que el anterior se gastaba. En alguna ocasión su hijo se fracturo la pierna. En lugar de enviarle al hospital, trato de admitirlo a una clínica que lo aceptara como caso de caridad. Debido al tratamiento inferior, la pierna tuvo que ser amputada. La película varía un poco del caso verídico. Es un tanto mas amable para el espectador, pero mantiene la avaricia del personaje que, a pesar de tener una fortuna en la cual caer muerta, su paso por la vida siempre fue intentando conseguir mas, afectase a quien le afectase. Títulos alternativos para esta película fueron The She-Wolf of Wall Street y Mother’s Millions.

Hasta aquí la loba es una actitud de rudeza. Roles que, reales o no, convenientes o no, son notables por que difieren con el estereotipo avalado por el Hollywood de la época. Mujeres duras como una loba. Para variar, en 1946 llega una película llamada She-Wolf in London producida por la famosa Universal. Lanzada en parte por el éxito de películas como Werewolf in London y The Wolfman, aquí June Lockhart interpreta a Phyllis Allenby quien cree ser la responsable de los recientes asesinatos descubiertos en un parque local. La razón de su creencia es La Maldición de los Allenby, una larga tradición de muerte que corre en su familia. La particularidad de estos asesinatos es que los cuerpos aparecen con sus gargantas arrancadas, lo que los detectives inteligentemente concluyen es obra de un hombre/mujer lobo.

Screencap del trailer de She Wolf of London

El fenómeno She Wolf, en su acepción literal o simbólica, para los años cincuenta y sesenta se expande por todo el mundo. En Italia con La Lupa (1953), en Francia con Les Louves (1957), la Union Sovietica con U Krutogo Yara (1962), de Bulgaria Valchitsata (1965) y de ese mismo año, una película mexicana llamada La Loba. Esta ultima dirigida por Rafael Baledón y estelarizada por Kitty de Hoyos como la chica maldecida a convertirse en una bestia por las noches y alimentarse de humanos. Esta película juega un poco con la preestablecida formula de la transformación humano-lobo y uno de sus meritos es ser la primera película de México en lidiar con el tema de la licantropía.

Entrada de la pelicula La Loba con Kitty de Hoyos

1968, un año de peso por excelencia, brindó elementos más pop a la loba. En Francia La Louve Solitaire es Danièle Gaubert, una ladrona de joyas, con un traje negro al estilo Catwoman, quien es forzada a trabajar para el gobierno después de ser capturada en medio de un atraco. En Japón se realiza la pinku Furyô banchô: Inoshika Ochô (Delinquent Girl Boss: Ocho the She Wolf) donde un grupo de reos escapan y ponen un negocio clandestino sobre venta de mujeres. Los Yakuza de la zona no son fanáticos de la idea y se hacen de los servicios de Ocho, una mercenaria solitaria, para que les ayude.

Trailer de Ocho the She Wolf

Como si no se estuviera volviendo suficientemente explotativo el asunto, los setenta trajeron los limites, si es que los puede haber, en cuanto al mito de la loba. Ilsa, She wolf of the SS (1975) película que la mayoría, al menos de nombre, llegaría a conocer después del falso trailer de Rob Zombie que se inserto en la doble función de Tarantino/Rodríguez ‘Grindhouse’, Werewolf Women of the SS, a manera de homenaje a las cintas de dicha época, que explotaron el rollo Nazi + mujeres en peligro. Si bien esta movie no presenta para nada el tema de la transformación mujer-lobo, alude mas al sentido metafórico que repasamos hace unos párrafos. Ilsa es una comandante, con suerte de ninfomanía, de un centro de prisioneros que intenta demostrar que las mujeres son más tolerantes al dolor que los hombres, por ende deberían ser participantes dentro de la armada Nazi. La vía que Ilsa elige para exponer su teoría es sometiendo a las prisioneras a una serie de experimentos sadisticos. Cien porciento exploitation. Otra de mis favoritas, y una que si incorpora literalmente el mito de la mujer lobo, llego en manos del reciente fallecido Rino Di Silvestro llamada originalmente en italiano La Lupa Mannara (1976), presentada para el mercado anglosajón como Werewolf Woman, Daughter of a Werewolf, Terror of the She Wolf entre otros tantos, como fue costumbre eso de poli-nombrar las movies en el grindhouse. Un considerado rip-off italiano de Ilse salio en 1977 llamado Helga, She Wolf of Spilberg. Con sus meritos o no, continua en la tradición del adorado sexploitation.

Clip de La Lupa Mannara

El giro a los ochentas trajo de The Howling (1981) una película que se debate entre lo patea traseros y el queso. En lo particular a mi me encanta. Esta tuvo una secuela en 1985 llamada Howling 2: Stirba – Werewolf Bitch también conocida con el mas decente subtitulo ‘Your Sister is a Werewolf’ que no solo es la única de las 7 secuelas que acompañan a la Howling original que mantienen una conexión la una con la otra, sino que involucran el tema de la mujer que se convierte en lobo. A estas alturas ese recurso se ha convertido en un elemento más pop y únicamente en pro del shock factor que una película de terror requiere.

Trailer de The Howling 2

Para quienes se hayan fascinado con la reciente Jennifer’s Body, que algo de la leyenda mantiene, hay una peli que salio en el año 2000 llamada Ginger Snaps que lidia con un tema semejante pero tiene que ver mas con la loba. Dos amigas, a una de ellas, Ginger, la ataca un animal salvaje. La herida le sana rápidamente y no solo eso, lentamente se empieza a transformar en algo mas ¿Adivinen en que? Una película que se gano comparación con el trabajo de David Cronenberg, por que al igual que las películas de este autor, la transformación mounstrosa de los personajes regularmente sirve como metáfora para contar la evolución interna o psicológica del involucrado. Vease Videodrome o The Fly, dos películas en las que el personaje experimenta bizarras mutaciones físicas que están sirviendo, no solo para contar una historia de terror que raya en el comentario social, también están definiendo al personaje que sufre los cambios. Tal como la loba. Es una condición que como ya comentamos, el cine se limita a reflejar en conversiones humano-animal pero son solo para hablar de la manera en que la mujer se enfrenta a situaciones que tienen que ver con el instinto sexual, rol en la sociedad y la figura cultural que han representado durante las eras y de actividades que únicamente en el reino de la fantasía se llevan a cabo. Como una línea en la canción de la Shakira: ‘Una loba en el armario tiene ganas de salir’. Pues que hay que sacar a esa loba, no se diga mas.

Jesús Brijandez - sábado, 24 de octubre, 2009
Sigueme en twitter @Brijandez

Avance de 'Ginger Snaps'

[Rec] 2

2009-10-25T13:44:00.000-07:00

Esta serie de películas españolas de horror se está convirtiendo en un fenómeno mundial, tanto así que el re-make americano fue virtualmente ignorado por quien había visto Rec un año antes. Pero, ¿Está progresando esta serie?.

La nueva ola de cine falso documental abarca desde Blair Witch hasta Cloverfield, siempre mareando al espectador, pocas veces dando a entender lo que hay en pantalla. Rec fue la brillante excepción, la historia de un crew de televisión que sigue a unos bomberos a un edificio con gente infectada de rabia, donde toda la acción, la violencia y la frustración se capta en primer plano sin reservaciones más que para crear tensión. Esa película terminó con la reportera Ángela Vidal volteando asustada a la cámara antes de que una “niña” infectada la arrastrara a la oscuridad. De esta misma manera empieza Rec 2.

Ahora, ¿Qué es Rec 2 exactamente?. Rec 2 es aproximadamente 2 o 3 minutos después de acabar la primera parte, en el mismo edificio, misma situación, ahora del punto de vista de unos soldados que han sido enviados con un experto en bioquímica al edificio. Por otro lado hay unos jóvenes traviesos que igual han encontrado una entrada al edificio pero eso es otra historia. Los soldados entran sin saber exactamente cual es la situación, pero están armados hasta los dientes. A la hora de un encuentro maligno con uno de los infectados se hace la primera revelación que lleva toda la película como un tren sin frenos. El experto en bioquímica es un cura.

¿De qué manera afecta esto? A diferencia de la primera, Rec 2 tiene una historia muy clara y con un objeto más que escapar vivos. Claro al tener esto sacrifica un poco el desarrollo de personajes, no tenemos a los vecinos chinos ni la gente simpática de la primera película, pero tenemos a unos héroes de acción bastante entrañables, mas las apariencias de todos los personajes (casi) de la primera película ahora en versión zombie.

Entonces vamos a hablar un poco del estilo. Es muy difícil poder criticar visualmente una película que habla un lenguaje visual nuevo que no ha sido muy definido, pero en términos de lenguaje clásico de cine, Rec 2 sabe donde poner la cámara, a pesar de ser con movimiento caótico constante. Aparte del camarógrafo que entra con los soldados, cada soldado tiene una cámara pequeña en su casco, por lo cual por una parte de la película podemos ver ataques de zombie como si estuviéramos viendo un videojuego muy entretenido.

Entonces, sí, Rec 2 es una ligera mejora a Rec, si algo, es más emocionante, es más entretenida, da más miedo, y toca unos temas tabú impresionantes. La ventana queda abierta para una tercera parte que está actualmente en pre-producción bajo un nuevo director. Esperemos que el estilo siga vivo para el próximo año cuando veamos por tercera vez estos ataques con cámara subjetiva. Les recomiendo altamente que la vean, y si no vieron la primera, réntenla y vean esta. Para ser una serie que aparece cada año prácticamente, va mucho mejor que Saw.

Joey E. Muñoz - domingo, 25 de octubre, 2009
Publicada originalmente en masterdetucora.tumblr.com

Avance de la película:

Inglourious Basterds: La obra maestra de Tarantino

2009-10-16T15:24:00.000-07:00

Nuestro colaborador Joey Muñoz habló de Inglourious Basterds primero. Este artículo es por motivo de su reciente estreno en salas de la ciudad.

Cada vez que termino de ver una película de Quentin Tarantino me quedo con una sensación que no puedo explicar. En el teatro, el impacto creo que va un poco más allá pero la primera mitad de la filmografía tarantinesca irremediablemente tuve que experimentar mediante la tecnología del DVD y siempre es lo mismo. ¿Qué acabo de ver? Sin miedo a sonar cliché, digo que fue Pulp Fiction la película que selló mi contrato con el cine. Desde entonces dije: Esto es lo que me gusta y esto es a lo que voy a dedicar mi vida. ¿Qué pobre no? En fin. Bastardos Sin Gloria, como cualquier otra peli de Tarantino, nos arrastra por un mar de géneros que si bien en Kill Bill fue un poco más descarado, aquí logra cierta unidad que sorprende. Es una movie que se siente épica desde su planteamiento.

Es una historia de guerra. De nazis. De un grupo de “bastardos” judíos que tienen a Hitler preocupado por que se están acercando demasiado al núcleo. Es ficción superando la realidad obviamente. Es un fragmento, de dos horas y media, adentro de la mente de un director que se propuso reescribir una historia que aun para estándares “modernos” permanece un tanto tabú. No es la cursilería mamila de La Lista de Schindler o La Vida es Bella (Creo que vomite un poquito) Es gente matando a gente por el mero gusto de la violencia cinemática al ritmo de Ennio Morricone. Tarantino pues.

A manera de dato curioso, uno de los sangre-sedientos basterds se llama Hugo Stiglitz, y seguramente ya han escuchado por ahi, pero si no, es una especie de homenaje al actor mexicano del mismo nombre que estelarizó su cantidad de trash allá en su época y no tarda en rehacerse famoso, si es que alguna vez lo fue. Veamos a Quentin revivir su carrera.

Hugo Stiglitz interpretando al hijo del Dios Ra

Hablando de personajes recordables hay que destacar, incluso más que el de Brad Pitt, a Christoph Waltz que de paso se ganó el premio de mejor actor en Cannes por su gloriosa interpretación del coronel Hans Landa*. Un villano tan agradable y despreciable. Tan correcto y tan malvado. Tan bilateral que da miedo. En una movie donde, vista desde arriba, no hay buenos ni malos, solo intereses personales, Landa encaja perfectamente. Algunos optimistas en la web ya le están adjudicando un Oscar de reparto e independientemente si lo gana o no, su merito es inseparable. El actor Waltz saldrá en la próxima reimaginación de The Green Hornet a cargo de Michel Gondry y al lado de Seth Rogen. Veamos como se ponen las cosas ahí.

Hace rato mencionaba a Brad Pitt, quien quizás no sobresale tanto como el espectador pop esperaría, su trabajo como el teniente Aldo Raine es uno que tampoco se te olvida. Con su dominio impecable del italiano es uno de mis favoritos. Y finalmente, no por eso menos importante, Mélanie Laurent como Shosanna Dreyfus, después dirigida como Emmanuelle Mimieux lleva la peli a otro nivel. Un nivel donde la misión de los basterds permanece en teoría pero pasa a segundo plano para "proyectar" una más grande historia.

Inglourious Basterds es una película donde ningún personaje parece estar motivado por un verdadero sentido de justicia. Todos quieren imponer su voluntad sobre el otro. Ruda y violentamente. No por nada es una historia sobre nazis. De lo que también es, y seguro es lo más importante para Tarantino, es que se trata de una película sobre las películas. Hay guiños al cine internacional de aquella época en cada línea casi. El mejor y climático momento de la película se desarrolla en un teatro de cine. La proyección de un film es la vía hacia una escena de acción fantástica. Es la obra que demuestra que el titulo de director para Quentin es solo una formalidad ya que realmente es un cinéfilo que hace cine, por si no lo habían notado aun. Para muchos Pulp Fiction es y será la indiscutible obra de Tarantino y creo que a esos nunca podré convencerlos. Para otros Jackie Brown es mejor por que nunca trata de ser más grande que la vida. Para generaciones a las que no pertenezco seguramente Kill Bill es una patada en las nueces a todo el cine de acción de la última década. El punto es que hay una línea en una de las escenas mas importantes de la película donde un personaje le dice a otro: "¿Sabes que? Creo que esta es mi obra maestra". No puedo dejar de pensar que este es un guiño de Tarantino que viene desde detrás de la cámara. Si no lo fue, no seria muy difícil pensarlo ya que esta movie tiene toda la manera de serlo.

Jesús Brijandez - viernes, 16 de octubre, 2009
Sigueme en twitter @Brijandez

* SPOILER ALERT: Una interpretación muy personal me dice que la fascinación por el personaje Hans Landa puede estar fundamentada en gustos muy individuales pero me parece curioso que, talvez Hans no es el primer personaje en aparecer en pantalla, pero si es el primero en darle tono a la movie, ya que es el primer personaje que afecta el curso de la trama y también, en el ultimo capitulo, es de los pocos personajes en quedar con vida. Como si no fuera suficiente, la última toma es un punto de vista, casi cámara subjetiva desde los ojos del personaje. Gracias a lo anterior es que creo que la relevancia de Hans Landa es mayor a la de un mero villano de película. El es de alguna forma el storyteller o yo que se, preguntémosle a Tarantino.

Avance de la película:

Érase una vez Sergio Valdéz

2009-10-09T15:25:00.000-07:00

Ya he mencionado en repetidas ocasiones, tanto quienes me han topado en la vida, como los leyentes frecuentes del webzine, que me parece importante que el mundo conozca las pequeñas grandes historias que los locales tienen para contar. Tijuana hospeda una cantidad atractiva de cuenta-cuentos, y donde un porcentaje de ellos tira sus patadas desde los géneros fantásticos que tanto nos emocionan. Esta ciudad da cause a una infinidad de historias que pasean de lo surreal a lo bizarro, romances imposibles, dramas del diario y no tan diario. Historias que se basan en hechos reales y unas que parecen serlo, pero no. Al final ya nunca se sabe.

Once upon a time in Tijuana promete ser una de esas historias que lidia con el misticismo que acompaña a una ciudad como la nuestra. Historias de hermanos, venganza, asesinos de contrato, nos dice Sergio Valdez (foto arriba), el realizador de esta próxima-a-ser webseries. Y en Tijuana creo que todo esto encaja perfectamente, concluye. Claro, el titulo y la ligera premisa suenan como un storyline sacado de un libro vaquero, pero si uno fuera a sintonizar cualquier noticiero, la ficción dibuja muchos paralelos con la realidad. Eso es lo bonito.

Para nosotros todo comenzó con un cortometraje hecho por Sergio llamado The Last Candle para una competencia, pero tal como el nos platica, es parte de una historia mas amplia que ha venido cosechando desde tiempo. Mi historia estaba muy larga, duraba como 20 minutos. Me frustre un poco y platicando con mi hermano, también por llevar mucho tiempo sin hacer un corto nuevo, pensé en brincar a este formato (serie web) que es un poco mas libre, explica.

Lo interesente aquí, más allá de la forma de abordar la trama, que ya podrán leer a detalle unos párrafos debajo en La Intervista (entrevista vía internet) que le hice a Sergio hace un par de días, es la manera de presentarlo. El formato de serie web me parece que es uno que ha sido bastante inexplorado en la región y de verdad representa una nueva manera de entretenimiento. No se le esta dando la importancia que deberíamos, seguimos esperando algo en el cine, el nos platica, Si queremos hacer algo, y queremos que la gente lo vea, lo hacemos y ya.

Y tiene razón. Esperar sentado no llevara a nadie a ningún lado, a menos que se trate de leer la entrevista con Sergio Valdez que les presento a continuación del video. Después de terminar pueden salir a cachetear al mundo.

Teaser trailer de Once upon a time in Tijuana

Saludos Sergio. Primero fue Once upon a time in the West, después vino “in China”. Robert Rodríguez hizo su “in México” y ahora tu nos traes Once upon a time in Tijuana. ¿Qué comparte tu proyecto con estas obras clásicas, además del titulo, y en que será diferente?

Pues creo que las tres tienen un poco de misticismo, así como esta historia de Tijuana también lo tiene. Las tres primeras son como un what if? o un vistazo a las leyendas que se creaban. En los spaguetti westerns, los carismáticos personajes que vienen de leyendas o pequeñas ficciones que se escribían en aquellos tiempos, era parte de su cultura que se transmitió a nuestra época. En Once upon a time in China era la idealización de Wong Fei Hung, este personaje mítico que desarrolló su propio estilo de kung fu (Hung Gar) aunque este no era lo que vemos en la película, por que carece de la espectacularidad que requiere una movie China.

En ‘in México’ Robert Rodríguez se avienta como un cuento, creo que mi versión de ‘in Tijuana’ se parecería mas a la de Rodríguez que a las otras, pero extrañamente usare el estilo visual de las primeras dos. ¿Que tiene de diferente? pues creo que estos elementos visuales son como un backup para una historia dramática. Creo que usare un poco mas de folk y será multi-escénica, mezclare géneros.

Yo se que esta serie es una especie de secuela para un cortometraje previo tuyo, pero ¿De donde nace la idea de entregarlo en formato de web series?

La verdad el cortometraje es un pretexto para seguir la historia. El corto es un pedazo de una historia que escribí hace un tiempo, que termine partiendo en 3-4 partes para poder entregar los cortos a filmaka.com cuyo formato de competencia es de 3 minutos. Mi historia estaba muy larga, duraba como 20. Me frustre un poco y platicando con mi hermano, también por llevar mucho tiempo sin hacer un corto nuevo, pensé en brincar a este formato que es un poco mas libre.
También es un pretexto para ver el tipo de cine que nos influencio desde pequeños, poder contar mi historia completa y aparte añadir otros personajes. Crear un universo alterno y poder jugar de manera libre con esto. No preocuparme por competencias, estructuras convencionales, y básicamente no darle gusto a nadie más que a mí, aunque se escuche increíblemente mamón.

Después de ver el teaser, se nota un claro homenaje al cine/arte pulp, por ejemplo el spaghetti western o el cine de kung fu, ¿Qué impacto han tenido estos subgéneros, primero en tu vida, y después en tu aproximación para realizar el proyecto?

Yo me acerque al cine gracias a las películas de Jackie Chan. Me encantaba ver las coreografías. Iba a cualquier tienda de video y buscaba las copias de las movies de Jackie Chan, Sammo Hung y Yuen Biao (Los tres dragones). Luego me fui metiendo más. Me fui mas atrás a The Drunken Master, Snake in the Eagles Shadow y despues ya no fue solo cine de kung fu, de repente estaba viendo movies de Wong Kar Wai, Tsui Hark, Zhang Yimou. Luego pase al cine japonés, al coreano y así, fue una cadenita que me llevo a este mundo. Ahora no sabría que hacer si no existieran las películas de Takashi Miike o de Kitano.

El spaguetti western no lo soportaba de adolescente, no le tenia paciencia, me llego ya de viejo, cuando vi The Good, The Bad and The Ugly. Me fije en la tensión que se formaba en la película, como pasaban minutos sin diálogos, y era puro juego de edición y camerawork. La música ambiental era genial y pues, me ayudo a usar esos silencios, además las historias son increíblemente dramáticas.

La serie por ahí va, es un juego de ambos géneros, la velocidad de las peleas, encuadres, camerawork, los silencios del western, su tensión y las historias de hermanos, venganza, asesinos de contrato. Y en Tijuana creo que todo esto encaja perfectamente.

Entrada de la película 'Snake in the Eagle's Shadow'

¿Qué películas, novelas, series y demás referentes culturales influyeron en este proyecto?

¿Quieres una lista? (Risas) Pues, películas, las que ya mencionaste, todas las de "Once upon a time in...", las de Sergio Leone, Jackie Chan, Tsui Hark, Takashi Miike, Takeshi Kitano. Se meten por ahí un poco el anime, Los Caballeros del Zodiaco, Vampire Hunter D, Cowboy Bebop. Música también. Hay mucha música que me inspira, cuando escribo esto, escucho mucho Portishead, UNKLE, Mr.O (Alejandro Naivity), Ambiente, Sigur Ros, M83, Roque Baños.

La audiencia siempre tendrá la última palabra sobre si algo es bueno o malo. ¿Cómo esperas que el público responda a “in Tijuana”?

No tengo ni la menor idea, espero y se la pasen bien un rato, eso es todo.

Las producciones hechas en Tijuana, para TV o internet, regularmente pertenecen al formato de revista y sus variantes. Tú estas abriendo un espacio para realizaciones de ficción y a una escala bastante ambiciosa, lo cual me parece genial. ¿Qué puedes opinar al respecto?

Creo que deberíamos de explorar mas este medio (internet) por que no se le esta dando la importancia que deberíamos, seguimos esperando algo en el cine (algunos), seguimos comprando movies piratas (Las carpas rifan) y pues, el internet esta ahí, casi casi gratis. ¿Quien no tiene compu e internet a estas alturas? Tenemos redes sociales (facebook, myspace, twitter) y cuanta cosa mas para promoción ¿Por que necesitamos esperar a que nos ‘descubran’ o en algun festival? Eso es prácticamente imposible. Si queremos hacer algo, y queremos que la gente lo vea, lo hacemos y ya.

En tiempos como estos, ¿Cómo estas manejando el asunto financiero de la producción?

Esto, me gustaría mantenerlo confidencial por el momento ¡Dun dun dun!

Sabemos que estas en el proceso de producción apenas ¿Para cuando nuestro querido lector, y la audiencia en general, podrá disfrutar de Once upon a time in Tijuana?

Espero para el 2010. Aun no tengo fecha segura, pero tentativa entre enero y febrero.

Foto fija de 'in Tijuana'

Después de que la serie este en línea, ¿Cuál es la finalidad ultima de este proyecto? ¿Hasta donde pretendes que llegue?

Que la gente lo vea, se ría un rato, se entretenga y que no le cueste nada. Ya si vamos a pretensiones, pues que sienta algo y que le llegue algo de lo que ve. Que acepte mas este tipo de formato que esta en pañales, mas en México. Y pues que llegue a donde tenga que llegar, que con el internet, eso puede ser muy lejos.

Y ya para terminar, ¿Que le recomendarías a alguna personita que quizás tiene las ganas de realizar, como tu, una web series de ficción?

Que agarre una cámara, le diga a sus amigos y lo hagan. No se preocupen por dinero, es lo ultimo en que se tienen que preocupar. Si tienen 4 horas libres en un fin de semana, pueden sacar algo de eso, si en realidad quieren decir algo, que lo hagan, sin miedo a ser criticados, es SU espacio. Como en la tele hay quienes deciden ver las novelas de Televisa, así habrá alguien que decidirá ver tu serie, y quien sabe, a lo mejor se la pase bien un rato. Si tienes las herramientas y las ganas, hazlo. Criticas siempre habrá. Si te detienes por eso, nunca harás nada.

Saludos a todos, gracias por leer a este wey. Les pongo mi correo por si alguno de ustedes quiere compartir una palabra con su humilde servidor: mrbobosan@gmail.com

Gracias por tu tiempo Sergio.

Jesús Brijandez - viernes, 9 de octubre, 2009
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Un mes viejo

2009-10-05T19:15:00.000-07:00

Hace exactamente un mes que se lanzó oficialmente este webzine. Ha crecido un par de centímetros apenas, contemplando todo lo que se tiene en mente contener. Propuestas de distintos autores locales con distintos puntos de vista sobre el cine de género. Quizás un mes haya sido suficiente tiempo para lograr mas cosas, pero el asunto es, sin retratarme como mártir ni nada, esto ha sido trabajo de un solo hombre, que además se intercruza con otro montón de actividades personales.

Lo más importante para nosotros seria poder contar con sus colaboraciones. Cuales quieran que sean. Hay apertura a escuchar propuestas, desde textos, imágenes o lo que les haga cosquillas. Llevamos como bandera la ciudad Tijuana, no por que sea fanático de rollos patriotas pero me parece importante resaltar el movimiento relacionado con el cine que esta ciudad tiene que ofrecer en estos tiempos. ¿Por que? Por dos sencillas de responder razones. Es la ciudad donde crecí, y vivo, y estos son los únicos tiempos que conozco. Por consecuencia es la única ciudad de la cual me siento confortable hablar, de la cual puedo comentar sus procesos, eventos, situaciones, personalidad y todas las facetas en las cuales Tijuana este sumergida.

No puedo hablar de escenas que se den en el DF o Nueva York. Londres o Japón. O quizás podría, pero no habría mucho de fiar ahí, más allá de observaciones exóticas y un tanto turisteadas. Habla de lo que conozcas y nunca se harán chismes. Pues eso es lo que se quiere hacer aquí. Que tu, tijuanense, hables de lo que conoces, y lo publiquemos.

¿Qué significa el cine para ti? ¿Realizador o espectador? ¿Qué opinas del cine como información en los nuevos medios? ¿Qué eventos cinemáticos son relevantes a nuestra realidad? ¿Cuáles no? ¿Por qué la gente debe ver todo esto? Y muchas preguntas mas que podrían estar respondiendo. Ya ni siquiera es obligatoria la ciudad natal. Si escriben desde Monterrey o Argentina. Todo en español, o una traducción bien hecha, puede ir aquí.

Abran su procesador de textos y déjenlo fluir. Saludos y buena suerte.

Jesús Brijandez - lunes, 5 de octubre, 2009
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El camino del samurai... Jack

2009-10-04T15:27:00.000-07:00

Hace mucho tiempo, Aku, el amo de la oscuridad, esparció su maldad sobre la humanidad. Un guerrero samurai, hasta entonces sin nombre, y su mágica espada se atrevieron a desafiarlo. Antes del último golpe, Aku abrió un portal en el tiempo, enviando al guerrero a un futuro donde la maldad es la ley. Ahora el samurai, renombrado “Jack” por unos locales de este futuro distópico, deberá encontrar la manera de volver al pasado y destruir la raíz de todos los males.

Bajo esta premisa funciona la serie animada de Cartoon Network creada por Genndy Tartakovsky (Powerpuff Girls, Dexter’s Laboratory). Tuvo una corrida original del 2001 al 2004, con ocasionales repeticiones desde entonces. Se dice que la serie nunca fue oficialmente cancelada, solo está en pausa, mientras ya se habla de una posible película para lanzarse en algún par de años.

Sin pensarlo dos veces diría que Samurai Jack ha sido la mejor serie animada norteamericana de todos los tiempos, o si eso les parece mucho decir, al menos debe ser la favorita que cualquier amante del cine de género que hayamos tenido oportunidad de ver. No solo el estilo de animación es sorprendentemente hermoso y minimal. Las historias son impresionantes guiños al spaghetti western, film noir, space operas y lo mas pulp que puedas adivinar. Todo lo demás lo pueden consultar en wikipedia.

Uno de mis episodios favoritos se llama The Princess and The Bounty Hunters. En este episodio, varios cazadores de recompensas son contratados para atrapar, y seguramente asesinar, a Samurai Jack. Por alguna razón, todos terminan en una cabaña en el medio de la nieve. Cada uno plantea sus distintos métodos para atrapar al samurai. Los cazadores van desde acróbatas chinos, un espadachín victoriano, un tribal africano, un soldado mongol y un tipo robot moldeado a la Boba Fett. El grupo se da cuenta que por si solos, sus planes no tienen oportunidad contra semejante guerrero, así que deciden unir sus fuerzas, y en lugar de atacar por separado, ponen los planes en marcha simultanea. Los cazadores esperan, muy en el estilo de la entrada Leonesca de Once Upon a Time in the West. El protagonista de la serie, casi a 2 minutos de que termine el episodio, hace su primer y única aparición. El samurai camina justo al lado de la cabaña. En el momento menos esperado, todos los cazadores saltan de sus escondites para poner en marcha su mega-plan de ataque. Lo que sucede después es meramente sorprendente. Nunca una serie del domingo en la mañana entregará esta calidad de storytelling. Si no les importa la piratería, este link los llevara a ver el episodio online.

Son el tipo de series que hacen a uno extrañar el contenido de la TV. Lo bueno que ya esta todo, o su mayoría, en línea y para los derechos, pues tienen ya las cuatro temporadas que duro la serie en dividi. No hay excusa para no ver Samurai Jack. Denle una oportunidad, chance y hasta les termina gustando. Le pongo mi sello de aprobación.

Jesús Brijandez - domingo, 4 de octubre, 2009
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Entrada de la la serie:

Abraham Sánchez / Antropofagus

2009-09-22T21:40:00.000-07:00

De derecha a izquierda: Zombie, Abraham, zombie y zombie

Siempre he creído que en la región el cine de terror no es muy popular. No necesariamente en el sentido de espectador. A la mayoría nos gusta ir al cine a meternos un buen susto, ese no es el problema. Hollywood siempre será rey. Yo hablo de la bastante amplia escena de realizadores locales, que si bien su formato principal de trabajo es el cortometraje/mediometraje (para bien o para mal) la tendencia siempre va hacia otros géneros pero no en el ya mencionado. Muchos equivocadamente tienen esta percepción de que todo el cine de terror es Saw o Hostel, y honestamente, sabemos que no es así. El problema también es cuando por fin alguien se sienta a hacer una pieza de género y como dice Abraham Sánchez: Hacen su corto de zombis donde sale un bato que se llama Jorge Romero, con una camiseta de Viernes 13, matando a un zombi en un encuadre fusilado de Evil Dead, ¿Me explico?

Si, Abraham se explica muy bien. Las referencias se colocan por encima de la sustancia y eso no cuenta. El sabe muy bien de eso ya que, opinión personal, es el único realizador de la ciudad que realmente conoce su terror y sabe como devolvérselo a la audiencia. El maneja un look, un estilo, una serie de imágenes que hablan por el. Resuena la voz de alguien que admira el generó y disfruta provocar emociones en el publico. Anarquía es una de las palabras que Sánchez menciona a lo largo de la intervista y me gusta. Es lo que el hace, pero de manera muy particular. No es una anarquía punks not dead. Es un caos visual y narrativo con propósito. Sacudir los cimientos de quienes se esfuerzan por dictar cual es el cine de calidad. Como realizador es engranarte en eso (cine de terror) o en cine de arte aclamado por la crítica internacional. Siempre hay una discriminación hacia el género, que como todo, hay buenas y malas, pero en estos casos muchos realizadores quieren hacer algo mas como lo segundo, menciona Abraham acertadamente.

A continuación les presento la entrevista vía internet (intervista) que hice con Abraham Sánchez en vísperas del estreno de su cortometraje Antropofagus los días viernes 25 y sábado 26 de septiembre, ambas fechas a las 7pm en la sala de video del Centro Cultural Tijuana.

¿Qué me puedes contar sobre Antropofagus?

Pues es mi mas reciente cortometraje, que es una especie de secuela del anterior Podofagus, pero igual pueden ser eventos anteriores a este o posteriores. Vemos un poco mas del personaje. Un poco de cómo y donde vive (o pasa parte de su tiempo). Mmm, no puedo decir mucho la verdad. Jajaja. Lo siento.

¿Qué relación tiene Antropofagus con uno de tus cortometrajes previos, Podofagus, además del sufijo en el titulo?

Como dije antes, es parte de la misma historia, con el mismo personaje. Lo chistoso del sufijo del titulo, es que cuando estábamos en post del primer corto no sabíamos que titulo ponerle, entonces estaba con Jorge I. Sanders grabando la última escena en su baño, paralelo a la edición de lo demás. Teníamos este pie de hueso que me puse en la pierna (yo, porque el actor original no estaba) para simular que me habían comido el pie o algo así. Entonces buscamos en el diccionario y adjuntamos podo de pie y fagus de fagia o comer, entonces, si te fijas bien, se ve al final como el pie de hueso y por eso el titulo. Aparte no queríamos un título muy convencional, pero, quedo medio cheesy y medio pretencioso ¿No? (Risas) Entonces soy yo el que esta tirado en la regadera, la voz la hizo mi compa quien es la victima del resto del corto y se la adjuntamos en post. También el personaje del asesino en esa escena es Jorge, no Daniel (el actor original) Esa escena, todos los otros colaboradores del corto no la vieron hasta el día que se los enseñe terminado, todos creían que terminaba en los departamentos cuando el tipo que está huyendo se cae. Igual en el nuevo corto, ellos no saben cómo va a quedar terminado, son cositas que para mi hacen que valga la pena hacer esto ¿No? Igual sorprender a la gente que también colabora contigo es parte del show.

¿Cuál es la principal inspiración y/o influencias detrás de Antropofagus? Puedes mencionar desde películas, series, comics, etcétera, hasta eventos en tu vida personal.

La inspiración más grande fue Halloween de John Carpenter. El plano secuencia en primera persona del inicio me impacto mucho, no había visto algo así. Aparte el personaje de Michael Myers, que no expresaba nada y no se detenía, salía de la nada, etc. Y lo mejor, es que me enseño que no ocupas mostrar todo, sino sugerir. Como quien dice, esta película puso las bases de las que partí. También esta película es como el papá de las slasher movies, después de Psycho de Hitchcock, así que, si iba a hacer una movie en el subgénero, pues hay que respetar el estándar y partir de ahí. Aparte de esto, me inspire mucho en las películas italianas como los westerns y de terror. De hecho el titulo esta inspirado en Anthropophagus, una película italiana gore que me impacto muchísimo. Muy, muy intensa. Era un poquito de esta vibra, de estos elementos, la que quería capturar, igual no el gore explicito, pero el ambiente.

Trailer de Antropophagus bajo el titulo 'Savage Island'

Volviendo un poco al personaje y su inspiración de Halloween, pues pensé volver al asesino del que no sabes nada, más que te va a matar y Daniel, mi amigo que actúa de este personaje (sin nombre aun por cierto) le dio mucho carácter con su actuación y es al final quien hizo que todo funcionara, aunque no sepas como espectador qué onda con todo, de donde salió, quien es, por qué, etc.

Hoy día la gente se preocupa por darle todo a cucharadas a la audiencia pero no es una de mis mayores preocupaciones. Pienso que este corto, y el anterior, no he sido muy claro en las historias, que a fin de cuentas no las cuento, solo las sugiero. Más que historias son situaciones y sentimientos, atmosferas y la gente parece entretenerse y disfrutar la propuesta y esa es mi meta al final. Ya llegará el momento de contar una historia más desarrollada, pero, en estos casos siento que no es necesario, a veces lo que se imagina la gente es mejor de lo que puedes pensar, a veces no… (Risas) pero, pues, funciona. También muestro mucha sangre o gore, pero no ves a nadie siendo destripado, es más sugestión con las imágenes y los sonidos.

No he visto Antropofagus pero basándome en las imágenes y en tu trabajo anterior, asumo que pertenece al cine de terror/gore. ¿Qué es lo que mas te motiva a hacer y permanecer dentro de este género?

Desde muy chico es el género que mas me gustó. Soy del tipo de persona que siempre se identificó con el monstruo, con el Dr. Frankenstein, por decirlo de alguna forma. Para mi es EL genero, junto con el documental. Puedes hacer lo que sea y mucho mas. Muchos de los mejores directores han hecho terror puro. Fellini hizo Spirits of the Dead, Bergman hizo Hour of the Wolf, Peter Jackson con Dead Alive, Kubrick con The Shinning. Es donde se sueltan más. Hay mucho campo de acción. Es muy anárquico.

¿Este corto va para moverse en festivales o simplemente lo hiciste por el placer de hacerlo?

Pues, a ver hasta dónde llega. Podofagus, por ejemplo, no ha parado desde el 2005 que lo hice. En 2009 ganó el Freak Film Fest. También estuvo mi otro corto, Postmortem Tacobar, este año en el festival Macabro en el DF (gracias a Aarón Soto). Es la segunda vez que sale del estado y ha salido un poco del país. Entonces a ver donde más puede que llegue. El chiste es que la gente lo vea, pero también lo hice por el placer de hacerlo. Lo hice en un momento en el que si no lo hacia en ese rato ya no lo iba a poder hacer. Hubo muchos problemas este verano para producir algo, de hecho el mero día de grabación murió mi tío y regrese a la escuela, entre otras cosas. El resultado me gusto mucho. Trataremos de cruzar la frontera, por ejemplo, y el 31 de octubre se presentará junto con el esperado corto de Giancarlo Ruiz Los Zetas. Creo que eso va a estar divertido, ya que siempre quise hacer una muestra en Halloween y pues… no lo se... ya veremos.

Hablando en términos locales, se de realizadores que le entran al cine surreal o bizarro, pero ninguno se adentra tanto a la naturaleza del cine de horror como tu. ¿Por qué crees que no hay más gente haciendo trabajos en el género?

Se necesita que te engranes. Que busques, veas, respires, vivas el género. Aparte que no es muy bien visto en círculos críticos o académicos. Como realizador es engranarte en eso o en cine de arte aclamado por la crítica internacional. Siempre hay una discriminación hacia el género, que como todo, hay buenas y malas, pero en estos casos muchos realizadores quieren hacer algo mas como lo segundo. Ahí hay un filtro enorme, después, hay que informarse, diseccionar las películas, saber que funciona y que no, preguntarse ¿Dónde puedo aportar? Muchos se quedan en “¡Está bien chingón!” y ya. Luego hacen su corto de zombis donde sale un bato que se llama Jorge Romero, con una camiseta de Viernes 13, matando a un zombi en un encuadre fusilado de Evil Dead, ¿Me explico? Aparte, por más anárquico que sea, tiene sus principios que lo hacen ser lo que es, igual que la anarquía. Si no, no funciona. Hay que dedicarle.

Sé que los recursos son importantes, pero ¿Qué tan lejana (y disparatada) es la idea de que Abraham Sánchez algún día, quizás próximamente, realice un largometraje?

No es muy lejana. Peter Jackson se tardo 4 años rodando los fines de semana con sus compas su primer largo de terror. Lo vendió en Cannes y le fue súper bien. Ahora estamos en una época que la tecnología no es una limitante y puede compensar por mucha falta de recursos, por ejemplo, no quería hablar mucho de este aspecto, pero Antropofagus lo hicimos como en 3 días con 40 pesos. Ya no hay muchas excusas para no hacer algo. Ya tengo algo cocinándose por ahí, pero primero tengo que salir de la carrera y conseguirme un trabajo estable para poder grabar los fines de semana. Planeo aventármelo algo así.

Como revista de chismes, por ahí escuche que estabas trabajando en un guión de zombies. ¿Qué puedes comentar al respecto?

Ya esta hecho un guión de zombis rechazado por el FOECA del 2008/2009 y uno rechazado por el FONCA 2009, jajaja. Así que son dos. Uno si lo haré con mis recursos, pero no este año.

Para finalizar, ¿Que recomendación le quisieras dar a algún chico o chica allá afuera que estén interesados en realizar un corto/medio/largo dentro de este género que tanto amas?

Que lo hagan, que no se queden pensándolo, que se engranen, diseccionen las películas, sean autocríticos. Estudiar si sirve pero hay que practicar lo aprendido y que se rodeen de apoyo, por ejemplo, a mi me gusta colaborar en lo que pueda. Hay que fomentar la unión. Hay una comunidad de personas dedicadas al cine y el video que cada vez crece más. No ayudan los aislados a la causa, a menos de que se aíslen porque son ricos o tienen todos los apoyos institucionales y pueden hacer todo sin ayuda de nadie. ¡Se necesita que haya más!

Para leer mas de Abraham Sánchez visita su blog: espezimenes.blogspot.com

Jesús Brijandez - miercoles, 23 de septiembre, 2009
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Ghost, un cuento de hadas de tiempos más simples

2009-09-19T15:37:00.000-07:00

Ghost es una película que ha hecho muchos tops desde su lanzamiento (1990) sobre todo en la categoría romántica. Ya es muy conocida esa anécdota de que en algunos cines te regalaban pañuelos en la entrada. Ahí nomás para que vean cuanto. Recién me hice una actualización después de años de no verla, mucho menos analizarla, todo a raíz del reciente fallecimiento de Patrick Swayze, quien fuera el actor que interpreta el fantasma del titulo. Pero seguro ya lo sabían.

Es sobre amor. Si. Pero también es de violencia, traición, avaricia y otros pecados capitales. Raya más en el thriller supernatural y mantiene realmente de bajo perfil las romantic scenes. Es fantasía, inclinada al terreno de la ficción, si como yo, eres escéptico en cuanto al tema de la fantasmagoría. La religión nunca es un tópico, aunque sigue sus preceptos básicos. La luz brilla desde arriba y la oscuridad se arrastra desde abajo. Dios nunca se muestra, o alguno de sus séquitos, pero los demonios si vienen en forma de siluetas negras, sombrías, que emiten gemidos macabros y arrasan con los malhechores muertos en su paso.

Sam Wheat (Patrick Swayze) recibe una bala por intentar proteger a su novia Molly Jensen (Demi Moore) en un asalto gone wrong. El criminal escapa. Sam lo persigue, pero no puede alcanzarlo. Cuando regresa a la escena, se da cuenta que Molly le llora al cuerpo inmóvil, muerto. El es ahora un fantasma. El tema de la perdida de la pareja siempre es uno duro. Es difícil por que no te lo esperas. Como que esperas que todo mundo se muera, menos la persona con la cual planeas tu futuro, e incluso si no, el presente se vuelve no grato. Es alguien que elegiste al gusto dentro de un universo de posibilidades que no te llenaban, y ahora, ya no esta. Duro.

Hay algo de confort en que Sam no se vaya por completo. Permanece en la película. En la ficción. Se topa con una serie de fantasmas que le explican como adaptarse a su nuevo mundo. Desde un viejo que le explica la razón de su permanencia hasta el loco del subway que, si bien es hostil, termina cumpliendo un rol de gurú al enseñarle a Sam como interactuar con el mundo de los vivos.

También, hablando de mediadores, uno de los personajes importantes es el de la espiritista Oda Mae (Whoppi Goldberg). Importante fuera de la película también, ya que le valió un Oscar como actriz de soporte, incluso por encima de Diane Ladd, quien en ese año interpreto a la malvada madre de Laura Dern en Wild at Heart de David Lynch. Un poco de trivia pues. Oda se vuelve relevante en el twist principal de la trama, cuando Sam descubre que su asesinato no fue accidental, fue orquestado por su mejor amigo Carl Bruner (Tony Goldwyn) Sam utiliza a la médium para comunicarse con Molly y advertirle que aun sigue en peligro, ya que Carl no ha obtenido todo lo que quiere.

La relación entre Sam y Oda se desenvuelve como especie de secuestro. Ella se niega a ayudarle, pero el, aprovechándose de que es un fantasma que solo ella puede escuchar, la molesta día y noche hasta que acceda. El personaje de Oda también funciona como alivio cómico. Para muchos esta película es clasificada como comedia. El director Jerry Zucker tiene en su historial la clásica Airplane! e incluso un no acreditado numero como asistente de dirección en la película de The Ramones, Rock ‘n’ Roll High School. Yo podría decir que si bien de comedia tiene momentos, es predominantemente una temática sombría. Molly de por si tiene que lidiar con la muerte de su amado, y ahora tiene que enfrentarse a una loca que jura hablar con el desde la otra vida.

Algo que puede pasarse de alto fácilmente son los efectos visuales. A estas alturas ya están bastante vencidos. La súperimposición de Sam como un fantasma es creativa pero ya no se mantiene, aunque funciona para contar la historia, que es lo que se supone los FX deben hacer. Si se ponen algo queso, pero son solo medios para un fin mayor.

Ghost es un cuento de hadas de tiempos más simples por que hay una ingenuidad omnipresente en la historia. Es fantasía de amor. El héroe, incluso después de su muerte, sigue peleando, en parte para reestablecer la justicia divina, pero más importante, creo yo, para proteger a su damisela en peligro. El camino no es fácil. Debe pasar por un proceso de aprendizaje, desde ser un espíritu alienado en la tierra, hasta aceptar su realidad y aprender a combatir la maldad desde sus discapacidades, que claro, después se vuelven su fuente principal de poder. El camino del guerrero eventualmente se vera recompensado con su entrada a la gloria. Que es dolorosa dadas las circunstancias, pero uno es lo que es y no rebate su condición, solo hay que vivir, sobrevivir, o en este caso morir, con ella.

Jesús Brijandez - sábado, 19 de septiembre, 2009
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Claro, no podía dejarlos sin LA escena:

District 9

2009-09-13T22:07:00.000-07:00

Para empezar a describir el éxito de la nueva película District 9 (En México a estrenarse el 16 de octubre) citaré a Flavor Flav: “Don’t believe the Hype”.

Dirigida y concebida por Neill Blomkamp, es mitad falso documental, mitad película de acción sobre una nave espacial llena de extraterrestres enfermos denominados Prowns llega en los 80’s hacia África. Incapaces de regresar a su planeta, los extraterrestres arman una comuna en África y el gobierno ayuda a mantenerlos fuera de la sociedad. Un día el MNU (Una corporación subsidiada por el gobierno) manda a evacuar a los extraterrestres contra su voluntad bajo el mando de un grandísimo nerd llamado Wikus (Sharlto Copley). Este anti-héroe es, hasta cierto punto, cruel hacia los Prowns, no simpatiza completamente con ellos, pero en su misión de evacuación Wikus ingiere accidental mente un líquido que altera su ADN y lo transforma lentamente en un Prown. Esta es la trama, muy original tengo que admitir.

Los temas que se tocan tienen que ver con la xenofobia y la migración obligatoria que hace un poco de sombra al Holocausto. La manera en la que esta temática se trata varía de situaciones y diálogos elaborados que parecen ser sátira social, a eventos e imágenes demasiado obvias ausentes de profundidad. Este es un mínimo inconveniente para el mercado universal al cual la película está dirigida, por el único hecho de tratar de llevar a cabo un mensaje a audiencias masivas la película ya tiene mérito.

Mi queja cae en la narrativa y un poco en el desarrollo de la historia. Por un rato parece ser que toda la película será contada en formato de falso documental, lo cual es una grata sorpresa para el espectador que prefiere ser retado. Pero de repente se rompe este esquema y cambiamos a una perspectiva muy cotidiana. No tengo problemas con los recursos de narración no-innovadores pero si me gustaría que se escoja una manera de narrar la historia y se lleve a cabo hasta el final. Entonces brinca un poco la narrativa y de pronto sales de la ilusión, te acuerdas que solo estás viendo una película. La segunda parte de mi queja es sin duda el tercer acto, absolutamente gobernado por un espectáculo de explosiones y sangre salpicando la cámara. Toda noción de una película inteligente se comienza a perder entre tanta violencia gratuita.

Puedo ir tan lejos como llamar esta película el Matrix de la década. No por la historia relativamente original, si no por que comparten la misma falla, un final explosivo que distrae al espectador de la fuerza social de la trama.

En conclusión: Esta película fue para mí una verdadera decepción, el mensaje político está sobre-expuesto, y el valor que tiene como una película original muere a la hora de las explosiones. Pudo haber sido el Dark Knight de este verano, pero no muestra la madurez necesaria para lograr tal cosa. Es una película de palomitas, dominguera, bien realizada pero sin una dirección muy clara.

Joey E. Muñoz - domingo, 13 de septiembre, 2009
Publicada originalmente en masterdetucora.tumblr.com

Avance de la película:

Drag me to Hell

2009-09-13T00:36:00.000-07:00

El contenido de las películas es ficción basada en una realidad, o varias realidades, dependiendo de los involucrados. Desde el director, guionista y demás creativos, pasando por los técnicos, por ejemplo, los encargados de las luces. Imaginemos una película sobre fantasmas. Independientemente de su postura ideológica, de si los fantasmas existen o no, sabemos que es un tema sobrenatural, el cual podemos catalogar como ficción en el campo de la hipótesis. ¿No?

Por mas irreal que pueda sonar una premisa, la verdad es que hay varios factores físicos, por ende reales, que componen esta ficción. Desde la exposición fotográfica de la película. La arquitectura de los sets. Las criaturas atómicas que entregan los diálogos pre-escritos en algún papel. En fin. Un montón de realidades que terminan entregando una buena, o mala, película de fantasía y/o ficción.

Arrástrame al infierno viene en forma de petición, casi reclamo. Arrástrame. No de manera agradable, ni necesariamente en contra de mi voluntad. Solo arrástrame al infierno. También el titulo supone una situación sobrenatural. El infierno. Igual podría tratarse de una metáfora o mera poesía, pero desde los primeros minutos entrada la película, somos expuestos a una demostración de que el infierno si existe, al menos dentro de los terrenos de esta ficción creada por Sam Raimi.

ALERTA SPOILER
Dando por sentado que el averno existe, todas las actividades contenidas en esta película son justificables. Sobre todo al final donde podemos decir que el “bien” triunfa. Y no triunfa por su manifiesto. Sino por su ausencia. En el catolicismo, la voluntad de Dios, incluso como castigo, se califica como presencia divina. Una condena del todopoderoso, aunque terrible y tormentosa, puede valorarse como el triunfo del bien. En esta película Dios no hace su cameo, pero si el demonio. En una ficción donde el Diablo existe y tiene presencia con los personajes principales, es de asumir que su contraparte ronda el set de alguna manera. En una película sobre pescadores, se asume que hay peces, aunque nunca los veamos en pantalla. Y esta bien. Dios no es importante aquí. Para Raimi es más divertido contar la versión del chamuco. Después de todo, no esperaríamos que el hombre que nos trajo Army of Darkness nos viniera con sermones de por que hay que ser buenos. No. El mejor nos contara que pasa si no lo somos.
FIN DE SPOILER

Christine Brown (Allison Lohman) le niega un nuevo préstamo bancario a la señora Ganush para mantener su casa. La viejecilla suplica, algo que dice nunca haber hecho antes. Aun así, Christine le avienta a los de seguridad encima. La señora Ganush, repugnante y vomitiva, ahora le viene a echar una maldición a la chica como venganza. Christine se va ir al infierno en tres días, y no hay nada que pueda hacer para evitarlo ¿O lo hay?

La película está repleta de brincos, shocks y repulsiones. La pelea “mano a mano” dentro del carro es genial. Miedo y risa, un par de emociones difícil de parear. Pero solo tengo dos palabras: Evil Dead. Pareceria que Samuel M. Raimi no pensó dos veces cada escena. “Aquí habrá un yunque suspendido en una cuerda, justo encima de la cabeza de la doña…” Como si se tratara de un episodio del coyote y el correcaminos. La escena de la posesión también les volara los calzones.

Hago una alerta final, pero esta no es de la trama, ya viene como observación personal. Si no son fanáticos de Raimi o su mitología, eviten esta película. Si esperan una tradicional película de terror, tampoco la vean. Es un humor muy negro y macabro y casi como tomado directo de los dibujos animados. Es fresquitud en una cartelera llena de remakes, reboots y recochinadas que se promueven como cine de género. El trailer pretenciosamente lo anunciaba: “El retorno del verdadero horror.” Bueno, pues el trailer no estaba equivocado. Si creen que miento, pueden arrastrarme al infierno el día que quieran.

Jesús Brijandez - domingo, 13 de septiembre, 2009
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Avance de la película:

Una bienvenida del editor

2009-09-08T15:05:00.000-07:00

Saludos, chicos y chicas que se dan el tiempo de visitarnos. Es un gusto poder presentarle al mundo esta webzine, que prefiero llamar revista digital ya que decir webzine de cine suena como cacofonía. Pero si, eso es lo que somos. Una webzine de cine. WEBCINE. En algún punto considere llamarla así, pero ya hay un sitio brasileño que nos gano en el ponche. Naturalmente, la segunda opción fue heredarle el nombre de un cineclub que he organizado desde septiembre del 2008, llamado El Vampirascopio, que se especializa en películas de los géneros fantástico y terror. Pueden saber un poquito mas de eso aquí.

El propósito general de esta revista, es recabar y postear información en forma de textos, videos, recomendaciones, entre otras cosas, tanto propias, como de colaboradores frecuentes, esporádicos o de solo una vez en la vida. El tópico principal siempre será el cine, pero no cualquier cine. Ese cine que se nos hace especial. Ese que podemos llamar fantástico. El que nos aterroriza y nos prohíbe dormir un par de días. El que nos deja pensando más allá del sabor de las palomitas. Incluso cosas que no son cine pero parecen, y salen por la televisión y/o en youtube.

Nos gusta lo freak, lo bizarro, el terror, pero también el romance que va mas allá del queso y la ficción, aunque no tenemos nada en contra de la fantasía.

Si tu cura es el cine, aquí puedes obtener tu información. Si tu cura es el cine, y además escribir, puedes ponerte en contacto conmigo y hacer tu propuesta, enviarnos tus textos, reseñas, artículos, ensayos o lo que se te antoje.

En fin, lo mejor de todo, es que somos gratis y publicamos desde Tijuana.

Jesús Brijandez - sábado, 5 de septiembre, 2009
Sigueme en twitter @Brijandez

True Blood para principiantes

2009-09-08T00:52:00.000-07:00

No soy una persona de televisión, al menos no tradicional. A.I., esto es, Antes de Internet, podía aventarme uno que otro TV show, pero ya no. Y lo se, la programación, tanto en valores de producción, contenido y presentación ha variado mucho desde entonces: Los avances en tecnología digital, la “realidad” súper-imponiéndose a la ficción, los DVD y Bluray que recopilan las temporadas. Es esa la nueva televisión de la que todos hablan, y uno que otro freak, como yo, se ha resistido al asalto. O al menos eso intentamos. Pasar horas en el PC viendo Youtube, descargando de Bittorrent, Rapidshare o Megavideo, incluso los luckyones que pueden pasar la restricción regional de Hulu, nos volvemos parte de esa revolución amigos. Y aunque la sed, casi vampirica, de meterme en el show True Blood me ataco en un sueño (Believe it or not) la TV a la vieja escuela no es para mi, y se que tampoco para muchos de ustedes. Entonces, este artículo es para ti, y para los posibles fanáticos de Verdadera Sangre.

Como declaraba en el párrafo anterior. Soñé con una serie que nunca había visto. Al menos no un capitulo. Su publicidad en la web me había llegado por todos lados, incluso esa pequeña polémica con el cartel de Jennifer’s Body. True Blood was everywhere. Menos donde debería: En mi cabecita. Tuve que darle una probada.

Así, sin recitarles wikipedia, ya que la pueden consultar por ustedes mismos, es mas, aquí les cuelgo el link directo, esta serie original de HBO nos plantea un tiempo inespecífico en el que los vampiros y los humanos co-existen, o intentan hacerlo, en un pueblo sureño de Louisiana, EUA. La protagonista es Sookie Stackhouse y todo el surrealismo que le acompaña. Ella es una mesera del bar Merlotte’s quien vive con la abuela bien buena onda. Sookie es interpretada por Anna Paquin, a quien seguro recuerdan como Rogue de las películas X-Men. Coincidencia o no, aquí Paquin también tiene una especie de súper poder mutante. Puede leer la mente de las personas si toca alguna parte de sus cuerpos. Uno de los puntos mas importantes de la serie, y no se preocupen, esto pasa desde el capitulo primero, es su encuentro y progresivo y transgresivo enamoramiento con un vampiro guapetón llamado Bill Compton (Stephen Moyer)

El tópico principal de la serie es el vampirismo y la pelea por su aceptación en la sociedad “moderna”. Pongo moderna entre comillas por que la actitud del pueblo se basa en costumbres racistas y de miedo. Los vampiros son una victima más, así como gente de otra raza o preferencias sexuales. Los problemas empiezan cuando uno de los chupasangre deja de tomar TruBlood, una bebida disponible en tiendas, que no es nada más que sangre sintética servida caliente, prefiriendo la clásica hemoglobina natural. Un subtrama de serial killer tipo Laura Palmer se deja venir.

¿Sexo? Claro. Hay un follón mínimo en cada episodio y nunca es entre las mismas dos personas. True Blood tambien se trata de los personajes que rodean a Sookie. Su abuela, su hermano, su mejor amiga, su jefe, las otras meseras de Merlotte’s, la pareja de policías incompetentes y otros duendes. Las relaciones humanas, físicas y psicológicas entre todos ellos. La mayoría objetándose al paulatino amor entre mortal Sookie y vampiro Bill.

Antes de que se pongan todos Twilight conmigo, déjenme decir que esa es una película que no pienso ver, por lo tanto, si tienen algo que señalar, escríbanme. Si me gusta, me encargare de que se anuncie aquí.

Hasta el momento de esta publicación, he visto 10 de los 12 capítulos que componen la primera temporada. Bastantes secretos. Bastantes shockers. Muertes interesantes. Un montón de cogidas. Vampiros guapos y vampiresas sexys. Si no les molesta entrar al oscuro, feo y macabro mundo de la piratería online, les recomiendo Watch-Series.com

Link directo: http://watch-series.com/serie/true_blood

Los que funcionan mejor para mi gusto son los de CinShare.com

Link directo al episodio 1: http://www.cinshare.com/files/get/skz8UzUs73

Jesús Brijandez - martes, 8 de septiembre, 2009
Sigueme en twitter @Brijandez

Antichrist

2009-09-07T22:47:00.000-07:00

Regreso a mis malos hábitos de bajar DVD screeners en lugar de esperar dos meses a ir al cine, seis si la pensaba ver en México. Pero la curiosidad que generó la controversia en Cannes me obligó a darme el lujo de ver Antichrist en mi televisión. Creo que como castigo, ahora estoy un poco deprimido, ya que es lo que Lars Von Trier logra transmitir con su obra.

Antichrist tiene una historia dividida en cuatro capítulos con prólogo y epílogo. He (Willem Dafoe) y She (Charlotte Gainsbourg) son una pareja de casados que se ven haciendo el amor en cámara lenta y blanco y negro durante el prólogo, donde el hijo de la pareja, un niño llamado Nick, de tan solo dos años, se tira por una ventana y cae a su muerte en el pavimento. De aquí se crea el conflicto de que She no puede superar la muerte de Nick, por lo cual He (psicólogo racionalista) le da tratamiento.

La terapia los lleva a Edén, un bosque al cual She le tiene miedo. She le teme al bosque porque tiene una ideología que la hace pensar que el bosque saca lo peor de la naturaleza humana ya que se ve reflejada en la naturaleza de la fauna local. Esta es la ideología detrás de Antichrist, que el ser humano es caótico y nihilista por naturaleza. En manos de una mujer histérica, esto puede llegar a ser fatal.

Von Trier se excede en dos aspectos. Su bella fotografía, la película fue grabada en una RedOne, y usa todo el poder de la tecnología, sobre todo a la hora de hacer unos lentos zooms que no se podrían realizar igual en 35mm. Su otro exceso es la violencia. Llega un punto en el cual uno cree que absolutamente cualquier cosa puede pasar, y a lo largo del filme vemos unos tres actos que no puedo nombrar, pero que les aseguro, queridos lectores, nunca han visto o volverán a ver. Estas dos son razones para verla, una por el lado artístico y otra por el lado morboso.

¿Qué pienso en sí de la película? No tengo manera de ver dentro de mi en este momento, no puedo decirte si la experiencia fué en vano o no. Depende de como afecte al espectador. En primera instancia he perdido mi apetito tanto culinario como sexual por un periodo indefinido. Seguido de esto, solo sé que estoy triste después de verla, ondeado a más no poder. No sé si necesitaba verla, pero por el momento creo que es necesario verla como amante del cine y de las teorías de la condición humana. Es una obra única. Es una obra misógina pero no es una obra pretenciosa. Lo repito: Lars Von Trier no hace esta película por shock, la hace porque tenía que hacerla. Eso me queda muy claro.

Joey E. Muñoz - lunes, 7 de septiembre, 2009
Publicada originalmente en masterdetucora.tumblr.com

Avance de la película:

Inglourious Basterds

2009-09-06T21:09:00.000-07:00

En mi experiencia personal, Quentin Tarantino pasó de ser un cineasta original e importante, a un cineasta excentrico y divertido sin mayor importancia en menos de dos películas (hablo del segundo capítulo de Kill Bill y Death Proof). Pero con Inglorious Basterds vuelve a ganar mi respeto, y sé que el de muchos, y ahora es un cineasta original, excentrico y divertido… mas no necesariamente importante.

La primera secuencia es sin duda alguna uno de los momentos más tensos en el género de películas de las Segunda Guerra Mundial, y la tensión se va creando al principio de cada capítulo (5 capítulos componen los 140 minutos de película). Y en la tradición de cine de Tarantino, hay unas 3 historias que se entremezclan perfectamente, cada una con sus personajes “larger than life”, cada una con su tono, cada una con su ritmo, pero a fin de cuentas las 3 historias quieren cumplir el mismo objetivo: Acabar con la guerra.

No es gran sorpresa que el final agarra los eventos históricos de la guerra y los tira por la ventana, Tarantino cuenta aquí su versión de como la guerra debió haber concluido, por eso mismo comienza la su película con “Once upon a time…”, Tarantino nos está contando un cuento, no una versión detallada de lo que ocurrió.

Ahora el desglose: Las actuaciones se puede decir a primera instancia que son bastante buenas, pero como no sé francés, alemán o italiano, no puedo decir que estoy seguro ya que la mayoría de la película es dialogada en estos idiomas. Las porciones de inglés en realidad son el lado cómico de la película, Brad Pitt y Eli Roth nos hacen reír mucho como los soldados enviados a matar brutalmente a los Nazis.

La narrativa como ya mencioné agarra elementos de Kill Bill, de Pulp Fiction, y hasta de Death Proof. De repente estamos en una situación, y antes de que nos demos cuenta, Samuel L. Jackson nos está narrando la historia de un personaje. Esto mantiene muy vivo el ritmo. Y sí, es cronológica es su mayoría. Los diálogos son escritos con mucha precisión, casi no hay lineas gratuitas, las típicas conversaciones de 20 minutos nos mantienen muy atentos en todo momento. Los personajes son muy bien construidos (menos sorprendentemente, los basterds ya que como dije, son un elemento cómico sobre todo). En sí, como siempre para Tarantino, un muy buen guión.

Visualmente, pues esperamos lo de siempre de Tarantino, un buen uso del lenguaje cinematográfico, movimientos divertidos y “cool”, pero sobretodo tenemos una puesta en escena que a pesar de ser tomada de un estilo clásico de cine, se siente muy fresca. El montaje podría estar mejor. La música es sin duda de los mejores elementos. Muy emocionante, divertidamente inapropiada, y nunca veremos una película de WW2 con una canción de Bowie de nuevo.

Los dejo con una pequeña relección. Tarantino lleva años planeando esta película, y se nota el esfuerzo, pero hace ver más, su pasión. El clímax es, en un cine, en el estreno de una película. Una arma mortal es celuloide de 35mm. Un personaje crucial es una actriz de cine. Para alguien que ama el cine, no hay mejor placer que ver una película darle este nivel de importancia al cine mismo. Pero mi única queja. A pesar de que el final es de los momentos más chistosos, violentos y gratificantes que he visto en meses en una sala de cine…es el shock value lo que la mantiene viva.

En pocas palabras, Tarantino arma una película compuesta de momentos cinematográficos como Pulp Fiction, y termina en un clímax efectista (y vaya que lo es), como Death Proof. Esperemos que no se haya estancado que querer terminar sus filmes con un BANG!

Joey E. Muñoz - domingo, 6 de septiembre, 2009
Publicada originalmente en masterdetucora.tumblr.com

Avance de la película: